La Chop Shop

Visiones de la High Line

2011-08-04T03:12:00.000-07:00

La High Line es una sección de 2.3 kilómetros de largo que formaba parte de la llamada West Side Line, una línea del tren que cruzó Manhattan por buena parte de la primera mitad del siglo pasado. Sin embargo, el uso del tren empezó a decaer entre los neoyorquinos a partir de los años 50's (estamos hablando de locomotoras aquí, no de subterráneos) y ya para la década de los 60's la West Side Line había sido clausurada. Algunas de sus secciones fueron demolidas, pero otras, como la High Line, yacieron abandonadas por decenas de años.

En el año 2002, el fotógrafo estadounidense Joel Sternfeld se dio a la tarea de fotografiar todo el trayecto de la High Line, la cual, para aquel momento, ya había sido tomada completamente por la naturaleza. Las imágenes de Sternfeld nos muestran una especie de micro-ecosistema vegetal que convive "hombro a hombro" con los grandes rascacielos del lado este de Manhattan.

Las imágenes son atractivas por sí solas, pero también son importantes porque documentan algo que ya no está ahí. Esto porque la High Line, a partir del 2010, fue convertida en un parque público, abierto para el deleite y la recreación de todos los neoyorquinos. Lo que antes fue una vía de transporte y luego pasó a ser una imagen más del abandono y del decaimiento urbano, se convirtió en un ejemplo de renovación paisajista de carácter inclusivo.

Anoten una victoria para los utópicos urbanos.

Para más información de la renovación de la High Line, pueden leer este artículo en Domus o visitar su página oficial. Para más fotografías de Joel Sternfeld, den click aquí.

Es difícil aquí afuera para un robot

2011-06-04T11:15:00.001-07:00

Cuando alguien es descrito, por Robert Crumb, como “probablemente el resultado de una de esas abducciones alienígenas en las que inyectan el abdomen de una mujer humana y la preñan” y como un robot con un rango emocional limitado, por Seth, uno sabe que seguramente vale la pena conocer más acerca de ese alguien. Por eso, personas y personos, les presento a Chester Brown.

Chester Brown es un historietista canadiense con un rango de trabajo que va desde la exploración surrealista de la psique humana (he dicho), hasta la biografía histórica; desde tiras cómicas autobiográficas, hasta conmovedoras historias de zombies que buscan conexiones afectivas –y carne humana– mientras invaden la vibrante escena cultural de Toronto (de nada).

Además, Brown está en contra del amor. O, más bien, en contra del amor romántico. Específicamente, está en contra no sólo de ciertas ideas asociadas con el amor romántico sino también de la obsesión generalizada con esas ideas que irradia de la cultura. Bueno, en realidad está en contra de los males que ve representados tanto por la institución matrimonial como por la monogamia posesiva.

Aunque, claro, eso no significa que él esté totalmente en contra de la monogamia en general, ni de las relaciones comprometidas a largo plazo en específico; ambas cosas son aceptables, mientras la exclusividad sea realmente deseada y mientras el compromiso sea un sentimiento, en lugar de ser una promesa eterna o un contrato.

En fiiiiin, todo esto para decir que a Brown le interesa discutir tanto acerca de relaciones humanas en sus diferentes presentaciones – amorosas, amistosas, sexuales (gratis o pagadas), románticas, mixtas –, como acerca de la intervención estatal en esas relaciones, incluyendo pero no limitándose a la despenalización de la prostitución. Y, más importante, para decir que trata esos temas, especialmente cuando se mezclan, en su nueva memoria ilustrada, publicada a principios del mes pasado por Drawn and Quarterly, titulada Paying for It.

Paying for it es un recuento autobiográfico que se enfoca en experiencias y conversaciones que Brown tuvo desde 1996 hasta el 2010, relacionadas principalmente con su decisión de que adquirir los servicios de prostitutas era la mejor opción para conciliar sus dos deseos en conflicto – su deseo de copular versus su deseo de no tener novia.

Los dibujos son bastante atractivos, en blanco y negro, pequeños, y ordenados uniformemente en un arreglo cuadriculado convencional; simples pero con particularidades interesantes. Por ejemplo, hay extremadamente poca variación en las expresiones faciales, de los personajes que tienen cara (Brown no muestra la cara de las prostitutas, ni les varía mucho características como color de piel y pelo, en gran parte por asuntos de privacidad).

Además, hay un efecto de enmarcado que no siempre está presente, pero que adquiere especial presencia en los encuentros sexuales y, a través de la magia de los cómics – y para agregarle más morbo e incomodidad a todo el asunto –, también podemos apreciar lo que Brown pensaba durante esos encuentros (p.ej., “Hostil, no muy bonita, no hubo sexo oral – no hay propina para esta”).

Brown dice que su principal motivo para hacer el libro fue su interés en comenzar una polémica con relación al tema de la prostitución. De hecho, 50 de las 280 páginas Brown las dedica a presentar no sólo apéndices con nombres como “La normalización de la prostitución” y “La comercialización de lo sagrado” y “Más acerca de la normalización de la prostitución” sino también notas explicativas de capítulos o distintos momentos del libro, incluyendo notas acerca de los apéndices – todo para poder desarrollar más sus argumentos y respaldarlos con bibliografía de expertos en el tema.

Claro, ciertas personas podrán encontrar muy incómodo enterarse de ciertos detalles de algunos de los encuentros que Brown ha tenido con prostitutas (me incluyo dentro de esas personas). Ciertas otras personas puede que no se terminen de creer que Brown esté tan en contra del amor romántico como lo dice, y hasta piensen que está reprimiendo sus emociones o teniendo una crisis de mediana edad. También están las personas a las que no les importa una mierda el tema.

Nada importa; Chester Brown sabe emocionar e interesar a personas acerca – y dentro – de su libro, sin importar lo perturbadoras que encuentren ciertas partes de sus encuentros con las prostitutas, lo frustrante que les parezca, por ejemplo, que no le diga novia a la ex-prostituta con la que está en una relación monógama desde hace varios años, o lo dolorosamente aburrido que les parece el tema principal. Es decir, es una lectura recomendada para cualquiera.

Pero no confíen en mi palabra (yo no lo haría). Pueden oír a Brown conversando con Benjamen Walker en este episodio de Too Much Information; pueden leer esta entrevista en la que él habla, entre otras cosas, del grado de frialdad que busca en sus cómics; o pueden verlo leer parte del segundo capítulo, y discutir su libro con Walker (de nuevo), con Tracy Quan y con la audiencia, a continuación:

La soledad al final del mundo

2011-04-23T01:16:00.000-07:00

La soledad es algo acerca de lo que reflexionamos constantemente aquí en La Chop Shop. Particularmente acerca de la diferencia entre "solitude" y "loneliness"; es decir, por un lado, la soledad que se busca y, por el otro, la soledad que se siente y no se controla.

Carlos Casas, un aclamado documentalista español, se ha planteado pensamientos similares por lo que, armado con su cámara, decidió viajar a algunos de los lugares más recónditos del mundo para conocer a las personas que viven su vida en el medio de la nada. De estos viajes resultaron tres películas que, en su conjunto, conforman la llamada End Trilogy.

El mejor de estos tres documentales es Solitude at the End of the World, el único que aborda abiertamente el tema de la soledad. En este filme, Casas narra la historia de tres hombres que viven en la Patagonia argentina, completamente ajenos al contacto humano por buena parte del año.

Los tres hombres acabaron en la Patagonia por diferentes razones (exilio político, necesidad económica) pero todos comparten una suerte de encanto por esa tierra inhóspita e inconmensurable que los ha acogido. Y a pesar de que se han acostumbrado a su vida al margen de la sociedad, estos son hombres que parecen vivir siempre de la mano de sus recuerdos, los cuales se hacen especialmente fuertes ante el aislamiento en el que se encuentran.

De cierto modo, lo que estos hombres nos dicen es que no se sabe lo que se tiene hasta que se ha perdido, aún cuando esa pérdida no sea necesariamente algo malo. Y es esa ambivalencia la que retrata Casas con un estilo discreto y sutil que, sin mayor refinamiento visual, permite a los personajes contar su historia a la vez que resalta el paisaje tan extremo y hermoso que los rodea.

Las otras dos películas de la End Trilogy son Aral. Fishing in an Invisible Sea y Hunters Since the Beggining of Time. Estos dos documentales tiene un estilo más afín a la antropología visual y buscan explorar las tradiciones y culturas de dos pueblos cuyo modo de vida se encuentra al borde de la extinción: los pescadores del Mar Aral en Uzbekistán y los cazadores Chukchi en Siberia. Aquí los temas de soledad y aislamiento pasan a un segundo plano, enfatizandose más bien las dificultades para subsisitir que experimentan estos pueblos nativos y olvidados.

Los tres documentales se pueden ver completos (a excepción de Hunters, el cual se presenta en una versión abreviada) en el canal de Carlos Casas en vimeo. Incluso, si uno se encuentra registrado en ese sitio, se pueden bajar gratuitamente.

Y para seguir con la economía del regalo, Sebastián Escofet, el músico argentino que se encargó de realizar la banda sonora de "Solitude..." y "Hunters...", tiene en su página web esos dos discos para descargar gratuitamente. La música es mayoritariamente ambient, pero es placentera y hasta conmovedora. Vale la pena la descarga.

Por último, y para cerrar esta breve reflexión acerca de la soledad, le cedo la palabra a Jorge Stylarek, uno de los tres hombres entrevistados en Solitude at the End of the World, quien describe muy bien la ambiguedad que provoca este sentimiento:

"La soledad significa mucho, es decir, a vos te gusta porque querés olvidarte un poco del mundo, del ruido, no querés televisión, no querés prensa, no querés radio...pero después se te hace una carga, un peso: vos estás solo, tan solo, que de pronto necesitás esa compañía, esa relación humana. Uno la vive, la palpa, la mastica y dice "no estoy en condiciones de seguir siendo el solitario que quise ser".

Ellie Ga: Cuando El Norte Estaba Aquí

2011-04-19T00:42:00.001-07:00

Ellie Ga es una artista neoyorquina, especializada en trabajos multimedia, que combina géneros como la memoria, la crónica de viaje y el documental; ya sea por medio de escritura, fotografía, instalaciones, vídeos, performances, o todas al mismo tiempo.

Para su último proyecto, Ga viajó por varios meses a bordo de El Tara-un barco de investigación alojado en el medio de una capa de hielo en el Océano Ártico-con la intención de documentar e interpretar las experiencias vividas en una de las regiones más remotas e inhóspitas del planeta.

Como El Tara viajaba en medio de una capa de hielo, la embarcación no tenía dirección propia, sino que se movía en la dirección que el hielo siguiera. Según Ga, esto llevó a que todos los miembros de la tripulación se obsesionaran por conocer hacia adonde los llevaría el hielo y cuando podrían salir de él.

Así lo expresa la propia artista:

" Unlike days of old when explorers spent most of their time figuring out where they were, we knew exactly where we were at every moment. It was where we were going next and how long it would take to exit the ice that eluded us."

Esa necesidad de predecir sus próximos destinos vendría a informar gran parte del trabajo artístico que Ellie Ga realizó basado en la expedición, una vez que El Tara tocó tierra firme en Febrero del 2008. A partir de ese año, Ga ha venido desarrollando una serie de exposiciones y conferencias bajo el nombre de "The Fortunetellers", en las que trata de presentar las vivencias, rutinas y obsesiones nacidas de tan singular expedición.

El nodo central de este proyecto es una conferencia-performance titulada, precisamente, The Fortunetellers, en la que por medio de diapositivas sobreimpuestas, fotografías, vídeos, mapas, diarios y anécdotas, Ga recrea, desde su perspectiva personal, los eventos más importantes y las emociones más íntimas del viaje.

La conferencia es acompañada de una exposición, con el nombre de At The Beginning North Was Here, en la que se exhiben las imágenes, los bosquejos, las grabaciones de campo y los vídeos que la artista realizó en la embarcación.

No solo eso, sino que el proyecto incluye también un trío de folletos, publicados por Ugly Duckling Presse (co-fundada por Ga), en el que se pueden apreciar las diversas maneras en que los tripulante de El Tara crearon sus cartografías personales del viaje; ya fuera algo tan complejo como el trayecto tomado por la capa de hielo o algo tan cotidiano como las caminatas que realizaron diariamente alrededor del barco.

Si están en Suecia, pueden visitar la exposición hasta el 28 de abril en Estocolmo. O si están en París, pueden tratar de ir a alguna de las performances de The Fortunetellers que Ellie Ga estará realizando durante este mes. Pero como probablemente no están ni en Suecia ni en Francia, nada más nos queda la soledad impersonal de los siguentes links, aunque en este caso vienen bien interesantes:

Primero, pueden visitar este reportaje "interactivo" que Ga escribió acerca de su expedición para la revista multimedia online TripleCanopy. Está lleno de imágenes, crónicas y hasta sonidos ambiente grabados en el Ártico.
Segundo, están los reportes que Ga escribía periódicamente en El Tara y que luego eran enviados hasta su agencia en Nueva York.
Tercero, y si no quieren leer tanto, tienen esta entrevista con la artista y un par de artículos de Artforum que describen su proyecto artístico.
Por último, claro, está la página oficial de Ellie Ga, la cuál es simple de diseño pero cargada de información y fotografías. Ahí también pueden ver los trabajos anteriores de Ga.

Y para cerrar, los dejo con uno de los vídeos creados por Ga para la exposición y las conferencias. Ahí se puede apreciar la mezcla de documental, anecdotario y reflexión onírica que caracteriza a este proyecto.

Usted está escuchando a ___________

2011-03-27T10:52:00.000-07:00

Hablando del sonido de las ciudades, aquí tienen You are listening to Los Angeles, un sitio creado por Eric Eberhardt, que básicamente se encarga de unir música instrumental/ambient con el sonido de la transmisión en vivo de la radio del Departamento de Policía de Los Angeles. Bueno, así empezó y, por el momento, ya se han agregado Nueva York, San Francisco, Chicago y Montréal a la página principal (con las transmisiones de sus respectivos departamentos de policía, o de bomberos, o de la patrulla vial, o de etc.).

La fusión entre la calma de la música y la constante actividad de las radiotransmisiones es atractivamente tensa, dice Peggy Nelson, pero no llega a ser chocante. Y es cierto, You are listening to Los Angeles despierta justo el grado disfrutable de intranquilidad. Eso sí, si alguien quisiera subirle el nivel podría sumarle a esa tensión auditiva cierta clase de material visual —como aquel video de Jonas Dahlberg—, y así sentirse en medio de algún tipo de misión de reconocimiento después de un evento apocalíptico (¡buenos tiempos!).

Y bueno, si resulta que ninguna de las ciudades que he mencionado les interesa, pueden darle pausa a esa sección del sitio y oír a otros lugares del mundo, mientras aprovechan la música tranquila de fondo que da la eterna lista de reproducción de Eberhardt.

Yo, por ejemplo, me puse patriótica y logré encontrar una señal costarricense, la del Aeropuerto Internacional Juan Santamaría (también conocido, por lo visto, como MROC). La informalidad de mis compatriotas es bastante entretenida (p.ej, “diay, se me quedó calladita entonces pensé que no me copiaba. gracias”), pero la versión Los Angeles me sigue pareciendo la más llamativa. Por ahora, al menos, porque hay bastantes combinaciones disponibles.

Pero antes de emocionarse con las combinaciones y el mundo infinito de posibilidades, respeten el orden y aprecien You are listening to Los Angeles, la versión original, en toda su gloria.

Por cierto, esta fue Luciana G. (de Gata Fresca), contribuyendo para darle algo más de sentido a los verbos en plural que usa el Manfred.

Dem Ghetto Youth: La Fotografía de Tobias Zelony

2011-03-24T02:33:00.000-07:00

Tobias Zelony, fotógrafo alemán, gusta capturar con su lente a la juventud pérdida y desesperanzada de las periferias de las grandes metrópolis de Europa y Estados Unidos. Ciudades en diversos grados de abandono y despoblación, los espacios urbanos de las fotografías de Zelony lucen a la vez deprimentes y luminosamente decadentes, cualidad que se transmite a los jóvenes que deambulan sin rumbo aparente por estos escenarios.

Zelony suele frecuentar por meses los lugares y los sujetos que fotografía hasta llegarlos a conocer a profundidad, convirtiendo a su trabajo tanto en un estudio antropológico y sociológico como en una labor artística. Hasta ahora, sus intereses fotográficos lo han llevado a localidades como Los Angeles, Troma (en pleno desierto californiano), la frontera entre Polonia y Alemania y a Nápoles (particularmente el proyecto habitacional Le Vele Di Scampia, que reconocerán en un par de estas fotografías si vieron la película Gomorra).

Pueden encontrar más información y fotografías de Zelony en estos lugares.

Ciudades Invisibles

2011-02-02T15:44:00.000-08:00

Le cittá invisibili es una novela del autor italiano Italo Calvino. En ella, el explorador Marco Polo le trata de describir al Kublai Khan las ciudades que se encuentran en su vasto imperio, tan vasto que ni el propio Kublai Khan lo conoce.

Inspirados por la novela, Fällt Publishing, una disquera especializada en música electrónica minimalista, decidió curar una exhibición llamada, predeciblemente, Invisible Cities. Para la exhibición, los curadores le pidieron a 24 artistas de 24 ciudades diferentes que realizaran una pieza sónica en representación de su ciudad. Los resultados son diversos: podemos escuchar desde las típicas grabaciones de campo hasta piezas ultra-minimalistas apenas audibles.

Si quieren dar un viaje audible por ciudades invisibles, pueden visitar la website de Fällt y descargar cada una de las 24 grabaciones.

(Invisible Cities, Jonas Dahlberg. Instalación de video. Descargable en Ubu.)

Ahora, si prefieren dar un viaje visible por ciudades inaudibles (?), más bien deben seguir a Jonas Dahlberg, un artista sueco especializado en video-instalaciones, que también realizó una obra inspirada en el libro de Calvino.

Dahlberg creó una vídeo instalación llamada, predeciblemente, Invisible Cities, en la que podemos recorrer lo que pareciera ser una ciudad completamente deshabitada. Interesado por aquellos lugares "olvidados" por los políticos y los urbanistas, Dahlberg filmó varias ciudades que no son lo suficientemente pequeñas para ser pueblos ni lo suficientemente grandes para ser capitales o cabeceras de provincia.

La ciudad que aparece en esta instalación pareciera ser uno de esos aburridos y callados suburbios que llevan a los adolescentes a, no sé, experimentar con drogas o andar en patineta. Estas ciudades no solo son invisibles para los medios o los políticos, sino que su alienante y repetitiva conformidad las hacen invisibles a nuestros ojos, indiferenciadas las unas de las otras.

Pueden ver el vídeo en UbuWeb. Dura 46 minutos (aunque en realidad son 23 minutos ya que se repite dos veces) y no tiene sonido. Pero esto supongo que tiene más que ver con el hecho de que es una instalación que con alguna decisión consciente del artista. Entonces acompañenlo con su música de apreciación arquitectónica favorita (tal vez con algunas de las piezas del Invisible Cities de Fällt. A/V City mash-up!).

La Chop Shop en Música en 24 Horas

2010-10-26T03:32:00.000-07:00

Música en 24 Cuadros es un programa radial que busca descubrir la música que acompaña la imagen en la gran pantalla. En otras palabras, es un programa de radio para hablar de cine y música. Se transmite todos los martes por Radio Farolito, una emisora por internet impulsada por el Centro Cultural de España, y es producido por Roberto Jaén y Andrés Brenes.

Hace unas semanas me invitaron al programa para hablar de The Man Without a Past y del cine de Aki Kaurismaki en general, aprovechando además para poner algunas de las canciones más memorables de esa película. Ya el programa se transmitió pero en la página de Radio Farolito pueden husmear los archivos de Música en 24 Cuadros y encontrar podcasts con todos los programas. Yo aparezco en el programa 19. Y si quieren leer más del cine de Kaurismaki, aquí está un artículo que escribí para 89decibeles ya hace un par de inviernos.

La semana pasada fui invitado de nuevo para hablar acerca de Blue Velvet de David Lynch. En las próximas semanas probablemente se estará transmitiendo ese programa. Estén atentos.

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Ya que mencioné a 89decibeles, aprovecho para rescatar mis más recientes dos columnas que escribí para esa página.

La primera se titula "Viva el cine alternativo, cabrones" y, como se podría esperar, es una defensa del cine alternativo frente a los embates del comercialismo y las audiencias que lo consumen.

En realidad, está lejos de ser mi mejor columna y el argumento principal carece de bases para sustentarlo. Pero me sirvió para escupir algunas de las opiniones que mantengo acerca de la producción del cine y su consumo por el público. Leanla aquí.

La última, en cambio, tiene un estilo similar a mis otras columnas, lo que significa que prácticamente es un artículo. Esta vez hago un repaso por el "cine-diario" de cineastas como Jonas Mekas (de quién hablé recientemente en mi escrito acerca del cine de migrantes), Peter Hutton, David Perlov y Jonathan Caouette. Películas Caseras se llama la columna. Aquí les dejo un teaser:

Pero el cine es amplio y ecléctico y, aunque muchos lo consideren como un medio que debe dedicarse a la exposición de narrativas, varios cineastas han decidido trascender esas cualidades para enfocarse en una exploración de la vida común y corriente, con todo lo banal y lánguido que esta implica, pero también con lo hermoso, mercurial e irrepetible que se encuentra en ella.
¿Y qué mejor manera para capturar estos momentos que filmando todo lo que nos rodea, como si la cámara fuera un cuaderno abierto, un diario, en el que se escriben los momentos de la vida de nuestros seres queridos y de nosotros mismos?

Lean el resto por acá.

Cartografías Radicales

2010-09-26T02:43:00.000-07:00

Mapa punteado de la ciudad de Detroit. Elaborado por Eric Fischer. Los puntos rojos representan a la población blanca, los azules la población negra, los anaranjados la población hispana y los verdes la asiática.

Hace algunos días me encontré con el flickr de Eric Fischer y su increíble colección de mapas punteados. Estos mapas lo que hacen es mostrar, con base en la información demográfica del censo del 2000, la distribución racial y étnica de algunas de las principales ciudades de los Estados Unidos.

Los mapas son interesantísimos, atractivos e informativos, mostrándonos de una manera directa y gráfica la naturaleza segregada de las ciudades estadounidenses. Detroit, ciudad de la que hablé aquí mismo hace unas semanas, es un caso paradigmático. El mapa (arriba) muestra claramente un centro mayoritariamente afroamericano (en azul) rodeado por expansivos suburbios habitados por blancos (en rojo). Aunque Detroit es un caso extremo, semejantes conclusiones se pueden sacar de las otras ciudades, incluso algunas que uno consideraría un poco más integradas como Nueva York y Chicago.

De hecho, fue un mapa punteado de Chicago, elaborado por Bill Rankin, el que sirvió de inspiración a Fischer para realizar sus propios mapas. Este mapa de Chicago cuenta con el agregado de que, no solo muestra la distribución racial, sino que también explora la distribución económica de la ciudad, lo cual nos enseña claramente que, por ejemplo, las zonas con menores ingresos económicos son aquellas dominadas por negros e hispanos mientras que las áreas más opulentas están pobladas principalmente por blancos.

Mapa punteado de la ciudad de Chicago. Elaborado por Bill Rankin. Medición del
nivel de ingreso per cápita, siendo los puntos de color azul los de menor ingreso y
los puntos de color rojo los de mayor ingreso.

Rankin, por su parte, es un historiador y cartógrafo de Harvard cuyo sitio web, R adical Cartography, se encuentra cargado de llamativos mapas que estudian desde los sistemas de transporte subterráneo estadounidenses hasta las posesiones territoriales en el Ártico, pasando por mapas circulares que buscan poner a prueba la hipótesis de la "dona" (la cual dice que las ciudades crean círculos concéntricos de riqueza y pobreza).

Llevo días obsesionado con estos mapas, intrigado por las posibilidades representativas que esconden. Una imagen vale más que mil palabras, dicen algunos, y este tipo de cartografía es una prueba gráfica y clara de las desigualdades raciales y socioeconómicas que se encuentran en las ciudades más importantes del mundo.

Sería interesante observar mapas parecidos pero enfocados en las ciudades de América Latina, África, Asia y Europa, para poder observar las dinámicas espaciales de diferentes zonas del mundo. Incluso sería interesante realizar un proyecto así con las ciudades de Costa Rica para descubrir el grado de segregación y suburbanización que ha venido sufriendo nuestro país. Sospecho que los resultados serían sorprendentes.

Aunque, claro, para eso primero tenemos que hacer el censo.

Cine en migración

2010-09-21T03:29:00.000-07:00

Este mini-ensayo fue publicado originalmente hace unos días en el blog del Observatorio de Migración de Costa Rica. Lo reproduzco aquí con unas mínimas alteraciones.

El Norte (dir. Gregory Nava, 1983)

La migración es un proceso que suele ser desestabilizador y doloroso para aquellos que deben emprenderlo, los cuales se ven obligados a abandonar sus lugares de origen para arribar a países en los que muchas veces son discriminados o tratados como inferiores. Pero las migraciones también esconden un potencial creativo enorme, dando la oportunidad de que las tradiciones autóctonas de los migrantes y la cultura propia del país que los recibe se combinen de las maneras más interesantes, muchas veces creando expresiones artísticas enteramente originales.

El cine no escapa de esa tendencia. Solo basta con observar la vasta influencia en que tuvieron en los anales del cine directores como Fritz Lang, Billy Wilder y Ernst Lubitsch, alemanes que huyeron de la Alemania Nazi para afincarse en Estados Unidos y dejar una marca indeleble en la historia de Hollywood.

Hoy en día los directores migrantes y las películas que exploran el tema de la migración son más predominantes que nunca, en parte gracias a un mundo cada vez más globalizado en el que las fronteras se hacen difusas y la migración (legal e ilegal) se convierte cada vez más en un tópico de discusión común.

Tal vez una de las primeras películas contemporáneas en explorar el tema de la migración fue El Norte (1983), dirigida por el mexicano-estadounidense Gregory Nava, en la que un par de hermanos huyen de una Guatemala en plena guerra civil para tratar de encontrar un mejor futuro en “el norte”. La película combina elementos del realismo mágico con la “road movie” para presentar una visión por momentos optimista, pero finalmente trágica, de la migración ilegal hacia los Estados Unidos.

El director japonés-estadounidense Cary Fukunaga años después realizaría Sin Nombre (2009), una película de temática similar a El Norte pero que involucra elementos actuales como, por ejemplo, la pertenencia a las Maras.

Goodbye Solo (dir. Ramin Bahrani, 2008)

Ramin Bahrani, un director iraní-estadounidense, es sin duda el principal exponente del cine de migrantes actualmente en Estados Unidos. Con películas como Man Push Cart (2005), Chop Shop (2007) y Goodbye Solo (2008), Bahrani explora las vicisitudes de diversos inmigrantes ilegales, ya sean pakistaníes, guatemaltecos o senegaleses, que intentan ganarse la vida de manera honrada en un ambiente muchas veces hostil pero que, finalmente, termina siendo un espacio para la amistad, la empatía y la superación.

En Europa, Fatih Akin, el director turco-alemán que recientemente fue el sujeto de un ciclo de cine en nuestro país, es uno de loso cineastas jóvenes más aclamados del continente. Reconocido por sus frenéticas películas en las que alemanes de origen turco se enfrentan a las diferencias culturales entre su nación de nacimiento y el hogar de origen de sus padres, Akin brinda una perspectiva diferente y fresca a un cine alemán que últimamente ha sido más conocido por explorar de su turbulento pasado político y militar.

La Haine (dir. Mathie Kassovitz, 1995)

Francia se ha dado a conocer en los últimos años por sus problemas con la integración social y cultural de sus minorías migrantes, especialmente árabes y africanos. El cine de ese país no se ha mantenido al margen del tema y ya desde 1995 el director Mathieu Kassovitz impactó al mundo cinematográfico con La Haine (El Odio), una visión cruda y realista de la vida de tres amigos en los problemáticos y segregados banlieue a las afueras de París. Otros directores de origen africano, como el argelino Rachid Bouchareb y el tunesino Abdellatif Kechiche, han continuado resaltando en celuloide la vida de los inmigrantes y su contribución a la historia francesa.

Latinoamérica también tiene su sub-género de películas de migrantes, si bien no cuentan con el alto perfil de sus contrapartes estadounidenses y europeas. Ejemplos recientes de esto se encuentran en Bolivia (2001), del argentino Israel Adrián Caetano, un retrato neorrealista de un inmigrante boliviano tratando de ganarse la vida en Buenos Aires, y en El Camino (2008) de la directora costarricense (nacida en Rusia y de origen iraquí y chileno) Ishtar Yasin, el cual vuelve al formato de la road movie para presentarnos la travesía de un hermano y hermana que salen de Nicaragua hacia Costa Rica en busca de su madre.

El Camino (dir. Ishtar Yasin, 2008)

Estas últimas dos películas (al igual que varias de las otras aquí mencionadas) tienen finales que acaban en desdicha y falsas promesas. Pero una visión más optimista e idiosincrática se encuentra en Jonas Mekas, uno de mis cineastas preferidos. Mekas es un inmigrante lituano que se convirtió en una de las figuras principales de la escena avant-garde neoyorquina de los 60’s y 70’s. Sus filmes cuentan con la particularidad de que en realidad son collages de las películas caseras filmadas compulsivamente por Mekas desde el momento en que llegó a Nueva York.

Películas como “Lost, Lost, Lost” (1976) y “Walden” (1969) no solo son sirven como documentación de la escena artística de Nueva York de su época, sino que también son un registro singular de la experiencia del inmigrante en una nueva tierra, llena de oportunidades y de novedosas posibilidades de expresión.

Jonas Mekas y su cámara

Mekas es uno de los fundadores de Anthology Film Archives, uno de los archivos de cine experimental más importantes del mundo, y recientemente volvió a Lituania , en medio de una gran expectativa, para inaugurar el Jonas Mekas Visual Arts Center, el espacio de experimentación artístico más notorio de ese país del Báltico. Un ejemplo más del hijo pródigo que regresa triunfal a su país luego de alcanzar el éxito afuera. La esperanza de todo inmigrante.

Requiem por Detroit? (Julien Temple, 2010)

2010-08-29T03:27:00.000-07:00

En posts anteriores en Discos La Chop Shop he tocado brevemente temas relacionados con afro-futurismo y distopía musical post-industrial, principalmente en relación con Robert Hood, su más reciente disco Omega y su trabajo en general con Underground Resistance, la agrupación de detroit techno más militante y políticamente provocadora.

En esa ocasión mencioné que el hecho de que el lugar de nacimiento del techno haya sido en Detroit no fue ningún accidente, ya que los inquietantes sonidos del género se corresponden con la lenta caída y ruina de la que supo ser una de las mayores ciudades norteamericanas. La música básicamente nos presenta una visión de Detroit como ciudad pionera de la post-industrialización primermundista.

Es ese carácter de Detroit como ciudad post-industrial que el cineasta Julien Temple explora en su reciente documental "Requiem for Detroit?", el cual fue realizado para la BBC y estrenado a inicios de este año. La tesis del documental es que Detroit es una ciudad en ruinas, desierta, peligrosa, sumida en la pobreza y abandonada a su suerte por sus antiguos ciudadanos adinerados (la mayoría blancos) que decidieron irse a vivir a los apacibles suburbios situados en las afueras de la urbe.

La película aprovecha para realizar un repaso por la historia de Detroit, poniéndole especial atención a los inicios de la industria automotriz y su impacto en el desarrollo de la ciudad. Cuna del fordismo, de la línea de ensamblaje y hogar de las Tres Grandes compañías automovilisticas de Estados Unidos, Detroit era un símbolo del futuro de la humanidad, una ciudad a la vanguardia mundial en los campos de mecanización y tecnología. Debido a esto, miles de personas migraron hacia la ciudad en busca de trabajo, convirtiendo a Detroit en la cuarta ciudad más grande de los Estados Unidos a mediados de siglo pasado. Dentro de esos trabajadores, se encontraba una gran cantidad de negros quienes, huyendo de la pobreza y la discriminación que sufrían en el Sur del país, realizaron la Gran Migración hacia Detroit (entre otras ciudades del Norte y Pacífico).

Pero la discriminación y el prejuicio no estaban ausentes en Detroit y los trabajadores negros y sus familias fueron obligados a vivir en barrios designados especialmente para su raza. Si un negro quería pasarse a vivir a un barrio de blancos, Temple nos cuenta, estos lo acosaban de tal manera que no había remedio más que irse del barrio. Lo que había en Detroit, como en muchas otras ciudades estadounidenses, era un estado virtual de apartheid en el que las zonas pobladas por negros contaban con servicios de menor calidad, provocando el descontento de su población.

Además, varios barrios afroamericanos fueron destruidos por el gobierno local con la intención de construir más carreteras y autopistas, aprovechando así el ímpetu automovilistico de la ciudad. Eventualmente los ghettos estallarían en llamas en 1967 en rebelión abierta contra los intereses políticos, económicos y sociales que los seguían discriminando.

Ante esta revuelta, la mayoría de blancos abandonaron la ciudad por los suburbios, al punto de que actualmente Detroit es una ciudad con una población negra del 81.3%. Pronto, la industria automotriz se vería severamente afectada por la competencia europea y japonesa y, al no poder reestructurarse, comenzó a perder su cuota de mercado. Las fábricas empezaron a cerrar, el desempleo aumentó vertiginosamente y con él también lo hizo la pobreza y la criminalidad. Por mucho tiempo dependiente de una sola industria, Detroit no encontró forma de superar la caída de las Tres Grandes. La crisis inmobiliaria y financiera de los últimos años vendría a ser el golpe final a los ya falseados cimientos de la ciudad.

El documental le dedica buena parte de su tiempo a relatar toda esta historia, con base en fotografías, newsreels, extractos de otras películas, sonidos de la variada tradición musical de la ciudad y entrevistas con algunos de sus habitantes nativos. Pero lo que en realidad le interesa a Temple es el presente de Detroit y la aparentemente desesperada situación en la que se encuentra.

Y es aquí cuando la película entra en terreno problemático. La estrategia seguida por Temple para mostrarnos la degradación de la ciudad es la de filmar a varios de sus entrevistados mientras conducen, usualmente en descapotados, por las calles de Detroit. Pero no son cualquier calle ya que, con unas pocas excepciones, da la impresión de que las áreas más visitadas por nuestros conductores-guías son aquellas que pertenecen a los barrios más económicamente deprimidos de la ciudad.

No solo eso, sino que Temple siente la necesidad de enfatizar el aspecto post-apocalíptico de estos barrios con la introducción de efectos de sonido "dramáticos" y "peligrosos" como balazos y el ruido de vidrios rompiéndose, lo cual le da un aspecto artificial al documental y da la impresión de de que la película no es tanto una visión de la ciudad tal como es, sino que sigue una visión particular de sus creadores.

Eso no tiene en sí nada de malo. Todos sabemos que es mentira que los documentales son completamente objetivos, tal cosa es imposible. Pero Temple, quién no conocía Detroit hasta unos meses antes de empezar a filmar el documental, evidentemente quedó fascinado por aquellas zonas de la ciudad que más han sufrido las vicisitudes económicas y por lo tanto enfocó su película en esa dirección. Esto va unido con un pensamiento que se encuentra plasmado por todo el documental de que Detroit es el primer ejemplo de la ciudad desarrollada del futuro, una ciudad "post-Americana" y post-industrial en la que las ruinas de los edificios abandonados empiezan a ser tomadas por la vegetación, las bandas de criminales peligrosos controlan los barrios y las calles de la ciudad se encuentran perturbadoramente vacías.

El último ejemplo, el de las calles de la ciudad en estado de solitud, parece especialmente manipulado por el director. En una escena, uno de los conductores asegura estar manejando por una de las arterias principales de Detroit en "hora pico" y la imagen nos muestra si acaso a 3 o 4 carros más pasando por la autopista. Cierto, Detroit ha perdido casi 2/3 de la población que tenía en los 50's. Pero esta es una ciudad que todavía cuenta con más de 900.000 habitantes. Ciudades más pequeñas como la nuestra, San José, sufren de congestiones viales considerables a todas esas horas. Es imposible que una ciudad como Detroit no las experimente.

Ese ejemplo se inscribe en esa línea de mostrar a Detroit como una ciudad de un futuro distópico. Al ver el documental, uno jura que en Detroit ya no vive nadie, excepto negros desempleados y drogadictos, pero eso claramente no es así. Detroit se sabe que es una ciudad problemática que enfrenta enormes desafíos pero Temple parece encontrar particular interés en los aspectos negativos de la ciudad, dejando de lado cualquier otro tipo de consideración acerca del presente de la ciudad. A excepción de, y esto vale la pena resaltarlo, un breve rayo de esperanza al final del documental, básicamente la razón por la que el título de la película tiene un signo de interrogación al final.

No, el futuro de Detroit no está en la revitalización económica e infraestructural del centro de la ciudad, ni en la atracción de mayores inversiones o en un mejoramiento del servicio de transporte público. El futuro de la ciudad, según Temple, pareciera encontrarse en actividades innovadoras como la agricultura urbana, la cual ha tomado auge en algunos sectores de la ciudad, especialmente en aquellos en que propiedades han sido quemadas o abandonadas. Esos terrenos dejados al olvido ahora son utilizados por los habitantes de esos barrios para sembrar huertas, ayudando a regenerar el aspecto visual y social de los barrios al mismo tiempo que garantiza una alimentación saludable a quienes se benefician de los productos del huerto, incluso con la posibilidad de comerciar el excedente.

Lamentablemente la película no ahonda en detalle acerca de iniciativas como esta o la del Projecto Heidelberg, un proyecto artístico ideado por Tyree Guyton que busca regenerar un barrio de Detroit por medio del arte. Las menciones a estas actividades son incluidas en una especie de epílogo que busca dejar espacio para la esperanza, pero el grueso de la película se enfoca en el "réquiem" más que en el "?".

Requiem for Detroit? es un documental interesante y provocador, recomendado para aquellos que quieran conocer más del ascenso y caída de una gran ciudad. Pero una más profunda exploración de las posibilidades de regeneración e innovación en las ciudades post-industriales del siglo XXI quedará como tarea pendiente para otro documental.

Requiem for Detroit? se puede ver entera aquí por medio de YouTube.

Café Lumiére / Reflexiones de un escritor improvisado / El Portalvoz

2010-08-24T03:33:00.000-07:00

La última vez que fuimos a Disneyworld, hace ya algunos años, mis padres decidieron rentar un carro y conducir ellos mismos. Por consiguiente, nos perdíamos casi diariamente. Mi padrastro, como todo hombre de cualquier clase social, no se inmutaba y nos aseguraba que no había de qué preocuparse, que pronto encontraría el hotel. Durante estos frecuentes paseos nocturnos por las calles de Orlando, yo miraba por la ventana, cegado por las brillantes luces del Primer Mundo.

Pero después de algunos días, el panorama me empezó a aburrir y poco a poco me fui dando cuenta de la razón por la que siempre nos perdíamos. No era exactamente porque mi padrastro fuera un conductor incompetente. Era, más que todo, porque cada entrada, cada cuadra y cada avenida eran prácticamente iguales la una de la otra.
- Las ciudades del futuro

Mi más reciente columna para 89decibeles fue publicada el jueves de la semana pasada. En ella hablo de las "ciudades del futuro" y de algunas películas que muestran una visión particular acerca de lo que el futuro puede traer para nuestra ciudades, con especial énfasis en Requiem for Detroit, un interesante documental del británico Julien Temple acerca de una de las ciudades más peligrosas y deprimidas de Estados Unidos (espero colgar un review de ese documental en los próximos días).

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La escritura de esta última columna fue interesante para mí ya que mi modus operandi al escribir estas columnas usualmente consiste en escoger un tema un par de semanas antes de la fecha de publicación, hacer una lista de películas vinculadas a ese tema, verlas y luego escribir la columna la noche antes o, incluso, en la madrugada del día de publicación.

Pero esta vez no escogí un tema sino que decidí enlazar varias de las películas que estuve viendo últimamente con la música de la que he escrito en Discos La Chop Shop y tratar de encontrar los puntos en común. Además, la empecé a escribir con varios días de antelación. El resultado de eso fue que la columna estaba quedando como una incoherente y fragmentada meditación acerca de Detroit, el techno, el afrofuturismo y la música militarista, ENTRE OTRAS COSAS.

Por ahí de las 2 de la mañana del mismo jueves pasado me di cuenta que no me gustaba para nada como estaba quedando, le alteré algunas cosas, agregué un par de menciones a películas y una que otra anécdota y, voilá, terminé con una columna dedicada a las ciudades del futuro.

Por alguna razón encuentro más beneficiosa esa manera un poco improvisada de escribir estas columnas. No es exactamente improvisada, las cosas de las que escribo llevan en mi mente un buen rato, pero el escribir la noche o madrugada antes del día de publicación me obliga a darle coherencia a mis pensamientos en una carrera contra el tiempo. Lo cual es bueno para un procrastinador como yo.

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Se me había olvidado anunciarlo, pero desde hace un par de semanas algunos de los posts de este blog y de Discos La Chop Shop serán re-publicados por El Porta (L) Voz, una revista cultural digital de la Asociación de Televisiones Educativas y Culturales Iberoamericanas. Hace un par de semanas re-publicaron un repaso a la filmografía del director chileno Andrés Wood que había escrito originalmente en este blog hace ya varios meses.

Pueden encontrarlo aquí, con fotos más grandes y, en general, una publicación más atractiva que la de este blog (y una mini-biografía de yours truly!).

Siempre quise ser un gángster (Samuel Benchetrit, 2007)

2010-07-27T01:20:00.000-07:00

Pero no en el siglo 21.

Eso es lo que nos parece decir Samuel Benchetrit en esta nostálgica película llena de humor negro. Compuesta por 4 viñetas separadas más un epílogo, Siempre quise ser un gángster es un filme dedicado a criminales fracasados, ladrones amateur y delincuentes cuyos mejores momentos sucedieron hace mucho tiempo. Lejos de exaltar la figura del gángster, como hasta cierto punto lo hace la película que inspiró su nombre, lo que hace Benchetrit es demostrarnos humoristicamente que la era del criminal glamouroso, atractivo e ingenioso ya pasó a la historia.

Pero, más allá de las buenas actuaciones y el fino guión, lo que logró que la película se me grabara en la mente, hasta el punto que ya la he visto 3 veces, es la conexión que realiza entre la desaparición del clásico gángster y la creciente alienación urbana de los suburbios franceses. Benchetrit sitúa a su película no en una ciudad (ni siquiera sabemos en qué parte de Francia ocurre la acción) sino en un entramado interminable de autopistas, funcionales edificios de apartamentos y restaurantes al borde del camino. Todas estas carreteras y edificaciones se ven prácticamente iguales la una de la otra, lo que resalta el sentimiento generalizado de desorientación del que sufren estos criminales frustrados.

Esta desorientación se observa más explícitamente en el segmento dedicado a los viejos gánsters retirados, quienes, al volver a los lugares de sus antiguas fechorías, encuentran una cafetería (en vez de su escondite) y un McDonald's (en lugar de un banco al que solían robar). Su intento por un último golpe en ese restaurante se ve frustrado, como al igual se ven frustrados casi todas las fechorías retratadas en esta película.

El viejo arquetipo del gángster cinematográfico se encuentra a sí mismo perdido en el estéril entramado de concreto de los suburbios modernos. ¿La pérdida de un iluso sueño infantil como metáfora del fracaso del plan urbano modernista? ¿Un ejemplo cinematográfico de determinismo ambiental en la mente criminal? Siempre quise ser un gángster es un ejemplo de una película que trasciende su tema principal para explorar temas que afectan a nuestras sociedades y ciudades contemporáneas.

Viendo estas imágenes, es evidente la influencia de Antonioni (especialmente películas como L'Avventura y L'Eclisse) en la concepción visual de Benchetrit para esta película. Y al igual que las cintas de Antonioni, este filme tiene a una atractiva actriz en su centro. Sin tener esa expresión de vacío existencial que caracterizaba a Monica Vitti, Anna Mouglalis logra reflejar una combinación de seguridad, tristeza y humor que evita que la película se pierda en sus ocasionales diálogos Tarantinescos.

Mouglalis, además de ser su pareja en la vida real, también será la actriz principal de la próxima película de Benchetrit, Chez Gino. Ojalá que sea solo el inicio de una fructífera colaboración en la pantalla grande.

En el Corazón de la Ciudad (No Hay Amor)

2010-07-27T01:00:00.000-07:00

Cuando era joven, más joven de lo que soy actualmente, solía decir que la ciudad no era lo mío. Que lo que a mí me gustaba era la vida en el campo. Una casa en la montaña, rodeada de pinos, envuelta en la bruma. Ese era el sueño. Pero con el paso del tiempo, y a pesar de mi disgusto generalizado por cosas como los molotes y ruidos excesivos que son características del entorno citadino, descubrí cada vez más que sufría de un inexplicable apego a la ciudad; llegando hasta el punto de darme cuenta que, si no estoy en la ciudad, me siento como un extraño.

-(No Hay Amor) En el Corazón de la Ciudad

Así empieza mi más reciente columna para 89db. En ella hablo un poco de mi relación ambivalente con la ciudad (en este caso, San José) al mismo tiempo que aprovecho para darle un repaso a algunas películas que han tocado el tema de la ciudad como eje central: Berlín: Sinfonía de una Gran Ciudad, Koyaanisqatsi, My Winnipeg, Of Time and the City, Los Angeles Plays Itself y London.

Aún cuando no soy una persona muy tolerante de aspectos como los gentíos, la contaminación y el ruido excesivo de las grandes ciudades del mundo, los intentos por capturarlas a estas en celuloide me fascinan. Es más, una película puede ser mediocre, que si logra capturar un ambiente urbano de alguna manera interesante, eso es todo lo que necesito para que me guste la película. En los próximos días espero exponer un poco más mi interés por la cinematografía urbana en este blog.

También el mes pasado publiqué una columna relacionada con el tema de los movimientos revolucionarios setenteros en los países desarrollados, utilizando como ejemplo a La Chinoise, The Baader-Meinhof Komplex y United Red Army. Pueden leer la columna aquí y el resto de mis columnas por acá.

Always for Pleasure (Les Blank, 1978)

2010-05-30T02:18:00.000-07:00

Aquí en La Chop Shop hemos estado siguiendo fielmente a Tremé, la nueva serie de nuestro genio de la televisión favorito, David Simon (ya he hablado de mi apreciación por su trabajo aquí). Una exploración de la ciudad de New Orleans unos meses después del paso devastador del Huracán Katrina, Tremé hasta el momento ha dejado de lado la indagación acerca de las instituciones y estructuras de poder que caracterizó a The Wire para enfocarse en las personas normales y corrientes de la ciudad que luchan por reconstruir sus vidas luego de la inundación.

Claro, el concepto de "normal y corriente" en New Orleans es un poco diferente al que nosotros probablemente podamos tener. Y eso es lo que en parte nos demuestra Always for Pleasure, un documental de Les Blank de 1978 que sirvió de inspiración para los creadores de Tremé a la hora de desarrollar la serie. A Blank lo conocía de un par de documentales centrados en el iconoclasta director alemán (y prócer aquí en el blog) Werner Herzog, Burden of Dreams y Werner Herzog Eats His Shoe, pero también ha hecho carrera realizando documentales acerca de algunas de las escenas musicales más incomprendidas de Estados Unidos como el tex-mex y la polka.

New Orleans y sus tradiciones culturales eran un tema natural para un documentalista como este y Always for Pleasure es el resultado de las grabaciones realizadas por Blank durante la época de carnaval en la ciudad. La película cuenta con pocas entrevistas y las que hay usualmente son muy cortas, lo que el documental intenta hacer no es tanto explicar New Orleans, sino experimentar New Orleans, vivirlo, de cierta manera. Por lo tanto, la cámara participa como uno más en los funerales característicos de la ciudad (jazz funerals, les dicen algunos), en las alegres segunda-líneas, en las celebraciones callejeras del Día de San Patricio (en NOLA, hasta los blancos bailan jazz en la calle) y, claro, en el famoso Mardi Gras.

Buena parte del documental se enfoca en los tribus indias de Mardi Gras, grupos de afro-americanos que se disfrazan con elaborados trajes de indios en fechas especiales como Mardi Gras y el Día de San José. Se dice que la tradición de vestirse como indios empezó como un tributo por parte de los negros a las tribus nativas que acogieron a esclavos fugitivos y lucharon contra el hombre blanco. Y como no puede faltar, también hay un segmento dedicado a la comida de New Orleans en el que nos enseñan como preparar "red beans and rice" y la manera correcta de comer crawfish (o "cangrejo de río").

Para los que han visto Tremé, algunas de estas cosas no serán nuevas. Pero siempre es más interesante ver estas tradiciones y expresiones culturales de primera mano. Si algo tiene de malo este documental, más bien, es que es muy corto. Con apenas 58 minutos de duración, uno se queda pidiendo más.

Otro documental que inspiró a David Simon para hacer Tremé es "Faubourg Tremé: The Untold Story of Black New Orleans" pero no lo he logrado encontrar. Always for Pleasure sí lo encontré, después de mucho escudriñar la web. Queda ampliamente recomendado para todos aquellos fanáticos de Tremé, amantes de New Orleans o simplemente aquellos que quieran dar una mirada a una de las ciudades más idiosincráticas, anárquicas y sorpresivas del continente.

Banjenlo aquí (megaupload).

Cámara africana

2010-05-09T02:12:00.000-07:00

De una forma similar, cuando los franceses y belgas introdujeron el cine a sus colonias en África, la proyección de películas estaba prohibida para los africanos. Esto porque se argumentaba que los africanos no entenderían lo que estaban viendo, se confundirían con las misteriosas imágenes y, por lo tanto, quemarían el lugar y se violarían a unas cuantas blancas. O, peor aún, a lo mejor a esos africanos se les ocurriría hacer sus propias películas y así podrían contar su propia versión de la historia. Para horror de aquellos viejos colonos europeos, lo que sucedió fue lo segundo.

-Luces africanas

A inicios de esta semana se publicó en 89decibeles mi más reciente columna, esta vez dedicada al cine africano. Ya que se asoma el Mundial y África está a punto de estar en la boca de todos, decidí acercarme al cine africano, del que honestamente no conocía prácticamente nada. Estas últimas semanas casi que solo me he dedicado a ver películas africanas y el resultado fue esa columna/artículo. A lo mejor en los próximos días escriba en este blog un poco más acerca de las películas que ví, pero por el momento les dejo la columna.

Y si quedaron con ganas de más, recuerden que pueden revisar todas las columnas que he escrito para 89decibeles aquí.

The White Stripes: Under Great White Northern Lights

2010-04-03T00:57:00.000-07:00

Si alguien me pregunta cuál es la banda más importante de la década pasada, seguro le respondería que son los White Stripes o Radiohead. Pero, si me presionan, probablemente me incline por los Stripes. A mí es que la música estadounidense tradicional me encanta y la forma en que los White Stripes la mezclan con ese sonido garage de Detroit termina por ganarle el pulso a las experimentaciones sónicas de los ingleses. Igual, mejor no compararlos.

En el departamento en que los Stripes definitivamente ganan es en el de la idiosincrasia. Desde las restricciones en su paleta de colores (solo usan el blanco, rojo y negro) hasta la historia de la supuesta relación hermano-hermana entre Meg y Jack, estos tipos han confundido a periodistas y fanáticos desde que se hicieron conocidos en la época del White Blood Cells.

Pues bueno, ahora, y después de un par de años en silencio, los Stripes regresan con un documental-concierto acerca de la gira que realizaron por Canadá en el 2007 para celebrar el décimo aniversario de la banda y de una vez promocionar su disco Icky Thump. Aunque siendo los Stripes lo que son, esta no iba a ser una gira como cualquier otra. No, la idea era visitar CADA UNA de las regiones y provincias canadienses (nada más el segundo país más grande del mundo) y, además de los shows programados, realizar mini-conciertos sorpresa en cualquier cafetería, parque o asilo de ancianos que se encontraran.

La premisa es suculenta y si algo se puede lamentar de este documental es que no vemos suficiente de estos conciertos improvisados ya que solo unos cuantos son presentados. El resto son amontonados en un montaje de, si acaso, 3 o 4 minutos. Es más, hay provincias enteras como Ontario y Saskatchewan de las que no vemos prácticamente nada. Uno asume que la banda las visitó pero en el documental brillan por su ausencia.

Ahora, eso es lo que no está, pero lo que SÍ está en el documental es oro. El documental básicamente está compuesto por tres fuentes de metraje: backstage de la gira, los conciertos y una entrevista en alguna cabina en quién-sabe-donde (dato curioso: en una parte de la entrevista aparece un tipo desconocido durmiendo en una cama detrás de Jack y Meg). De la entrevista no vamos a conocer nada muy personal acerca de Meg y Jack. O sea, Jack todavía asegura que Meg es su hermana mayor y el documental no va a contradecir nada de eso. Aunque sí es interesante escucharlo a Jack hablar de su gusto por las limitaciones auto-impuestas y como estas ayudan a que la creatividad florezca.

Lo más interesante del documental, entonces, son los conciertos y el backstage de la gira. Los Stripes son tremenda banda en vivo y las cámaras lo documentan de una manera espectacular. Aquí no hay nada de tecnología digital ni tomas acrobáticas al estilo de Shine a Light, no, para estar acorde con la preferencia análoga de la banda, casi todo está filmado en 16mm en blanco y negro (y un poco de rojo) que hace recordar a viejos rockumentales como Don't Look Back y Gimme Shelter. El resultado es una imagen granulada casi monocromática que le queda perfecta a la banda.

Con respecto al metraje de la gira, aquí es donde se nos presenta más a fondo la historia de dos tipos llamados Jack y Meg. En medio de las idiosincrasias de la gira (viajes en biplanos, conversaciones con alcaldes/traileros, bailes con miembros de los pueblos nativos canadienses), es en los momentos silenciosos en los que podemos conocer un poco más de la personalidad de los "hermanos". Por un lado, Jack, extrovertido, energético, inquieto; el ringleader de este circo. Por el otro lado, Meg, introvertida, tímida, silenciosa hasta el punto en que lo poco que dice tiene que ser subtitulado. En la escena final, Jack canta "White Moon" en un piano con Meg a su lado. Para quién exactamente están tocando no queda claro. El lugar pareciera ser alguna sala o salón sin audiencia aparente. Pero mientras Jack canta, Meg llora. Al final de la canción, Jack trata de consolar a Meg y la abraza.

La relación entre los dos, que en apariencia aparece distante pero que en realidad pareciera ser producto de una compenetración tan profunda que ya las palabras pasan a ser superfluas, bien puede considerarse como una relación entre hermana y hermano. Semanas después del fin de la gira por Canadá, Meg cayó en depresión y el resto de la gira fue cancelada. Los White Stripes se han mantenido en silencio desde entonces.

Bajenlo aquí o, si están forrados, compren el box set desde la página oficial de la banda.

Freaknik: The Musical

2010-03-20T01:45:00.000-07:00

Hubo una época, cuando tenía unos 15 años, en la que me convertí en un adicto a Adult Swim. Mientras otros esperaban el fin de semana para embarcarse en sus primeras experiencias alcohólicas y libidinosas, yo lo esperaba para ver a una albóndiga parlante. Y si estaba en una fiesta u otra actividad social, me devolvía corriendo a cachear la repetición.

Bueno, eso fue como por tres meses. Después de ese tiempo, llegué a la realización de que Adult Swim era una completa estupidez, excepto que uno se encontrara completamente drogado en algún dorm universitario. Y como yo no estaba ni drogado ni en un dorm universitario, decidí separarme amigablemente de Adult Swim.

Cinco años después, nuestros caminos se volvieron a unir brevemente. Esto porque a T-Pain, el bufón oficial de la corte del hip-hop, se le ocurrió producir un especial animado para Adult Swim llamado "Freaknik: The Musical". Freaknik era un festival de spring break iniciado en los 90's por los estudiantes de las universidades históricamente negras de Atlanta que creció tan rápidamente que para fin de esa década atraía a 250.000 fiesteros. Evidentemente, las autoridades de Atlanta no iban a soportar a 250.000 borrachos deambulando por su ciudad y le cerraron el chinamo a Freaknik.

Pues bueno, aquí T-Pain interpreta al Fantasma de Freaknik (Freaknizzle) quién regresa a la Tierra para realizar una última y definitiva versión del famoso festival. Parte del festival incluye una batalla de rap, por lo que un grupo de jóvenes raperos de Florida realizarán el viaje hasta Atlanta con la esperanza de ganarse un "lifetime supply of money, clothes, and hoes". Por otro lado, los miembros de la Boule, sociedad secreta formada por las vacas sagradas de la comunidad afroamericana, intentarán por todos los medios arruinar los planes de Freaknizzle.

El humor, en general, es bastante estúpido. Y el especial no es tan divertido como pudo ser. Pero T-Pain como Freaknizzle es una cosa brillante (con Auto-Tune y todo!). Si el programa se hubiera enfocado más en Freaknizzle y menos en en el viaje de los raperos, Freaknik: The Musical sería desde ya un clásico de culto moderno. A como quedó, es una entretenida curiosidad.

Incluye las voces de T-Pain, Lil' Wayne, Snoop Dogg, Big Boi, Cee-Lo, Lil' Jon, Andy Samberg y Bill Hader, entre otros.

Este clip TODAVÍA me mata de la risa:

Si no lo han visto (y probablemente no lo han visto), bajen el show entero aquí (en hotfile).

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Claudia Llosa (Perú)

2010-03-05T01:34:00.000-08:00

Visiten nuestro blog hermano, Discos La Chop Shop, para leer, bajar y escuchar un poco de la música "tradicional" peruana que aparece en estas películas.

Claudia Llosa nació el 15 de noviembre de 1976 en Lima, Perú. Es hija del director de cine Luis Llosa y sobrina del renombrado escritor y político peruano Mario Vargas Llosa. Se graduó como licenciada en Dirección de Cine en la Universidad de Lima y luego viajó a España para continuar sus estudios de cine en la Escuela de Artes y Cine TAI de Madrid. Luego tuvo la oportunidad de asistir al laboratorio de guiones del Festival de Sundance, en el que empezó a desarrollar el guión de lo que vendría a ser su ópera prima.

Madeinusa, lanzada en el 2006, se sitúa en un pequeño poblado indígena en los Andes peruanos llamado Manacuyana. Hasta ahí llega un hombre limeño, Salvador (Carlos de la Torre), quién, al no poder seguir su camino hasta una mina debido al mal tiempo, decide quedarse unos días en el pueblo. Ahí conoce a Madeinusa (Magaly Solier), quién se siente atraída por el extraño y tiene esperanzas de que él la lleve de regreso a Lima para buscar a su madre desaparecida. Aprovechando que se encuentran en la festividad del Tiempo Santo (los tres días desde Viernes Santo hasta el Domingo de Resurrección en los que, según la tradición del pueblo, Dios está muerto y por lo tanto puede ver los pecados), Madeinusa decide perder la virginidad con Salvador. Al mismo tiempo, Salvador encuentra una hostilidad cada vez mayor por parte de los pueblerinos quienes no están muy contentos con que un extraño haya arribado durante el Tiempo Santo.

Salgamos de lo evidente primero. La película se ve bellísima. Los dorados que uno imagina son comunes en un poblado a tanta altura sobre el nivel del mar (ya saben, el sol pega más directamente) están hermosamente retratados. Lo que es más, la locación en la que está filmada la película es idílica. Verdes campos, montañas nevadas, lagos cristalinos. Todos se ven hermosos. El primer tercio de la película incluso parece un documental etnográfico, todo es dedicado a las costumbres indígenas y el paisaje que los envuelve. La música es buen acompañante, lo único que pedimos de ella, y las actuaciones funcionan, especialmente la de Magaly Solier, que con suscara angulada y expresivos ojos negros puede decir mucho sin abrir la boca.

Bueno, todo eso muy lindo y correcto. Pero vamos a lo interesante. Como habrán notado al leer la sinopsis, la película está situada enteramente en un pueblo indígena durante la festividad del Tiempo Santo. Durante esta festividad, los indígenas, seguros de que Dios no los está viendo, le dan rienda suelta a sus instintos más primitivos. Toman chicha hasta el vómito, se roban los chanchos de las vecinas, manosean a las mujeres del pueblo y fornican con sus propias hijas. Difícilmente una muy buena imagen de los indígenas. ¿Qué termina de complicar el asunto? Que la fiesta del Tiempo Santo no existe. Ni tampoco existe el pueblo de Manacuyana. Todo es un invento de Llosa. Es cierto que los indígenas son bastante ignorados en la estrecha historia del cine peruano. Pero aquí llega Llosa, una limeña blanca de clase alta, al fin mostrándolos en el cine, pero como un grupo de borrachos y aprovechados incestuosos.

Y aquí entra en escena el personaje de Salvador. Éste es un personaje incomodo, colérico e ignorante de las tradiciones indígenas pero a la vez atraído por la belleza "exótica" de Madeinusa. El tipo nada más anda deambulando por el pueblo, tratando de perder el tiempo al mismo tiempo que se burla de los pueblerinos y, en una de esas, se la coge a Madeinusa mientras ésta está vestida de virgen (ya saben, por el Tiempo Santo y todo eso). ¿Qué nos quiere decir Llosa con este personaje y su interacción con los indígenas?

Aquí podemos escoger dos caminos: considerar que Llosa es racista (como más de uno considera a su tío) o que más bien está usando la ironía para criticar la típica representación del contacto entre blancos e indígenas. Veamos: el blanco limeño se llama Salvador (sí, el blanco protector de la civilización) quién llega al pueblo durante Tiempo Santo (en el que los indígenas caen en el oscurantismo) para salvar a Madeinusa (virginal, pura) de los indígenas primitivos con los que tiene que convivir y llevarla de regreso a Lima (la civilización, el centro). Eso es lo que la película nos presenta a primera vista. Pero me parece muy superficial considerar a esta como la lectura apropiada de la película.

Yo prefiero verlo así: el uso de Salvador como nombre del limeño blanco es irónico. Salvador no es ningún salvador ni mucho menos, es un tipo egoísta e incomprensivo que no soporta a los indígenas y cuyo destino final es una mina (o sea, la explotación). Lo único que consigue en el pueblo es cogerse (la forma en que tienen sexo solo merece el verbo coger) a la indígena atractiva y luego, un poco apenado, accede a llevarla a Lima con él. Pero Salvador no entiende a los indígenas y no solo no los entiende sino que no quiere entenderlos. Sus deseos, motivaciones y costumbres son inexplicables para él por lo que aún su tardía buena intención resulta fútil. Pero los indígenas no son ningunos santos, tampoco. Como los blancos, pueden ser egoístas, aprovechados e ignorantes.

Nadie se salva del ojo inquisidor de Llosa aunque su mensaje final resulta ser ambiguo. Es difícil negar que ante los ojos del público los indígenas quedan en una peor posición moral que Salvador. En mi opinión, y como ya lo expresé, Llosa está criticando solapadamente esa costumbre a simpatizar con el blanco y a horrorizarnos por las "salvajes" tradiciones indígenas. Pero es debatible si ese es el mensaje que la mayoría de la audiencia se va a llevar a casa.

La segunda película de Llosa, La Teta Asustada (2009), se enfoca en Fausta (Magaly Solier, de nuevo), una joven que vive con su familia en uno de los pueblos jóvenes a las orillas de Lima, asentamientos informales fundados a partir de los años 80 por inmigrantes del campo que huían de la violencia de las guerrillas. Fausta sufre lo que se conoce como "la teta asustada", una enfermedad en la que las madres que fueron violadas por los guerrilleros (o el Ejército) le transmiten el miedo y el sufrimiento a sus hijos por medio de la leche materna. Tal es el miedo que le tiene Fausta a la violación que recurre a meterse una papa en la vagina como forma de asegurarse que ningún hombre la querrá penetrar. La película comienza con la muerte de la madre de Fausta y sigue los esfuerzos de ésta para conseguir el dinero que le permita darle sepultura a su madre en el pueblo del que son originarias.

La Teta Asustada guarda muchas similitudes con su predecesora. Primero, cuenta con Magaly Soler en el papel principal. Segundo, se enfoca en una comunidad indígena. Tercero, presta gran atención a las costumbres y tradiciones de sus personajes. Cuarto, tiene influencias del realismo mágico, en el que la superstición se mezcla con la realidad para conformar las creencias de los indígenas. Pero si Madeinusa llevaba a un limeño a los Andes peruanos, en esta ocasión son los indígenas los que arribaron hasta Lima. Y llegaron para quedarse.

Como lo explica la sinopsis, los indígenas de La Teta Asustada emigraron debido a la violencia terrorista que castigó las zonas rurales del Perú, provocado por el largo conflicto entre la guerrilla del Sendero Luminoso y el Ejército peruano. A raíz de eso se provocaron gran cantidad de atrocidades, como las violaciones indiscriminadas, que obligaron a los habitantes de esas zonas a migrar a las dunas que rodean Lima. Esto provocó que las tradiciones propias de los indígenas y campesinos rurales se vieran mezcladas con las influencias modernizantes de la gran capital peruana.

Llosa le presta amplia atención a las prácticas culturales de estos personajes ya que la familia de Fausta tiene un negocio de planificación de matrimonios. Estas fiestas inevitablemente le parecerán, a nuestros ojos occidentalizados de clase media pa' arriba, como algo increíblemente kitsch y poco sofisticado, en el que los pobres de los barrios marginales intentan sin éxito imitar las costumbres de los citadinos al mismo tiempo que se niegan a eliminar a algunas de sus tradicionales rurales.

Esto le valió muchas críticas a Llosa, a quién acusaron de querer explotar una imagen atrasada del Perú para gusto de los mercados europeos en busca de exotismo tercermundista. A mí eso me parece a la típica reacción de la élite aburguesada que responde con escándalo ante cualquier trabajo que no presente a su país como una "sociedad moderna y avanzada". La película, al igual que Madeinusa, tiene una vocación etnográfica que me parece rescatable. Si así celebran sus matrimonios los habitantes de estos pueblos jóvenes, pues entonces vale la pena mostrarlo.

Con respecto a la película en sí, pues tiene un ritmo lento, más lento que Madeinusa. Llosa es una directora de lo que gusta llamarse cine-arte/cine-de-autor/cine-de-repertorio y esto usualmente implica que las películas se salen de los patrones convencionales de representación del tiempo y espacio. La cámara elige prestar su atención la mayor parte del tiempo a Fausta, la vemos cantando, caminando, limpiando, observando, cortándose las raíces de la papa que tiene en la vagina (no explícitamente, claro), etc. Toda la película descansa entonces en los hombres de Magaly Soler.

Para mí Soler cumple. Pero fiel al estilo de la película, su actuación es muy discreta y callada. El personaje de Fausta canta en quechua más de lo que habla. Pero como ya lo mencioné en relación con Madeinusa, el rostro y los ojos de Soler se me hacen muy expresivos y la joven guarda una belleza innegable. Más allá de los elementos culturales y etnográficos, esta es la historia de Fausta y de su miedo paralizante hacia los hombres y al mundo exterior en general. La represión interna de su personaje y de la actuación de Soler tienen sentido dentro del mundo de la película y, de alguna manera, representan la forma en que las heridas del pasado impiden a sociedad latinoamericanas como la peruana de avanzar en el camino al llamado progreso (sea lo que sea).

Claudia Llosa es una cineasta controversial que ha sido acusada de presentar una visión exótica del Perú, enfocándose en sus aspectos regresivos, primitivos y ordinarios. Pero también es de las pocas directoras latinas que se ha enfocado en las comunidades indígenas y en su cultura, incluso escogiendo a una indígena como actriz protagonista de sus dos películas (algo todavía más raro). En mi opinión, la mayoría de las críticas que le han sido dirigidas provienen de aquellos que estallan en furia ante cualquier representación negativa de su país o que consideran que los indígenas solo deben ser presentados como seres angelicales que viven en un contacto lírico con la naturaleza y que escapan de todos los vicios de nuestra vida moderna. O sea, los indígenas son todo lo que nosotros no somos. Llosa nos dice que no son tan distintos en ciertos aspectos como algunos piensan.

El asunto es complejo y se presta para mucha discusión. Yo no soy peruano ni experto en culturas indígenas por lo que puede que este análisis esté muy equivocado. Lo único que puedo afirmar es que Llosa me parece una cineasta valiente al tocar estos temas como el indigenismo, la pobreza y las secuelas del terrorismo y, aunque ninguna de sus dos películas me ha parecido particularmente sobresaliente, ciertamente la establecen como una de las cineastas más interesantes y comentadas de Latinoámerica. Para bien o para mal. Decídanlo ustedes, vean las películas.

La Teta Asustada se encuentra nominada al Premio Oscar a Mejor Película Extanjera. Es la primera película peruana en lograr esa distinción.

Y entonces repentinamente se nos quemó el queque

2010-02-27T21:10:00.000-08:00

En medio de tanta fiesta (?) se nos olvidó que hace unos días La Chop Shop cumplió 1 año de existencia. Fue exactamente el 23 de enero del 2009 cuando, llenos de optimismo, abrimos las puertas de este blog al mundo.

Bueno, en realidad optimismo no sobraba. Mis anteriores intentos por mantener un blog fracasaron miserablemente después del segundo post (a veces ni siquiera pasaban del primero). Nada indicaba que este iba a ser la diferencia. Pero por alguna alegre razón, y con excepción de unos meses sin actualizaciones, el blog se resistió a morir!

Saludos a todos los que nos leen, nos siguen y/o nos han comentado uno que otro post. No son muchos pero son más de los que pensé en un inicio!

También gracias a mis dos queridas colaboradoras: sue y Anuk. La primera nunca colaboró (yo creo que ni revisa el blog : p) y la segunda lo hizo solo una vez. Pero nuestras largas conversaciones de alguna manera se han visto reflejadas en las cyberpáginas de este blog, espero. Y no pierdo la esperanza de que algún día sue escriba ese esperado post acerca de los VAMPIROS ASESINOS. Gracias totales a ese hombre Alessandro Solís, con el que comparto objetivos y estimulantes conversaciones, y quién también está haciendo su hustle por diversas partes de la interweb. Por último, otro shout-out a Lucy La Gata Gángster por el diseño del blog (se ve mejor entre mayor sea la resolución, dice ella).

En los próximos días espero subir un pequeño comentario acerca de Las Playas de Agnes, la última película de Agnes Varda, y otra entrega de nuestra sección "Nuevos Cineastas Latinoamericanos" dedicado a la cineasta latina del momento, la peruana Claudia Llosa.

También recuerden visitar Discos La Chop Shop, adonde encontrarán lo más cooliao de la música promiscua.

Y ahora, para celebrar, bailemos todos con Homero la Danza de los Mirlos.

Un Proyecto Moderno

2010-02-25T03:10:00.000-08:00

Rut Blees Luxemburg es una fotógrafa alemana nacida en 1967. Creció en la histórica ciudad de Trier y a los 23 años partió a Londres para estudiar fotografía. Es en esa ciudad en la que ha realizado la mayor parte de sus trabajos, buscando explorar el "proyecto moderno" de la capital inglesa y cómo este se relaciona con su entorno natural y humano. Sus fotografías usualmente son tomadas de noche, en sectores poco reconocibles de la ciudad y utilizando luz natural, más que todo las luces de los postes y los edificios de apartamentos. Los humanos están completamente ausentes de las imágenes, lo que nos permite una mayor meditación acerca del espacio urbano y como nos vemos (o no nos vemos) reflejados en él.

Un edificio de apartamentos, un anuncio reflejándose en un pozo de agua en una calle, las sombras de un árbol en una pared, una autopista con una cancha de fútbol adyacente, un gran cine abandonado en Senegal; esos son el tipo de imágenes que favorece Luxemburg. Siempre con una cualidad luminosa y casi cinematográfica, reconocible pero a la vez ligeramente abstracta.

Algunas de sus imágenes les serán conocidas ya que han aparecido en la portada de dos populares discos lanzados en los últimos años: A Weekend in the City de Bloc Party y Original Pirate Material de The Streets, los dos excelentes discos (a mi parecer) que exploran una temática similar a la fotografías de Luxemburg: la vida en las grandes ciudades y el efecto que estas tienen en nosotros. De cierto modo, Rut Blees Luxemburg pone el escenario y The Streets y Bloc Party lo pueblan con sus personajes.

Para ver más fotos de Luxemburg: Union Gallery

Para comprar su libro: Commonsensual

Para bajar el Original Pirate Material: http://www.megaupload.com/?d=D242P06T

Para bajar el A Weekend in the City: http://www.mediafire.com/?0caomfdmxke

Y si tienen una resolución adecuada, podrán notar que una de sus fotografías, Vertiginous Exhilaration, forma parte del diseño de Discos La Chop Shop.

Burma VJ (Ostergaard, 2008)

2010-02-23T01:59:00.000-08:00

En setiembre del 2007, centenares de monjes budistas salieron a las calles de Birmania a protestar contra la dictadura de la junta militar y las condiciones de miseria general en las que vive la población. A las protestas, iniciadas luego de un abrupto aumento en el precio de la gasolina, pronto se le unieron miles de civiles quienes abandonaron el miedo y marcharon por las principales ciudades del país buscando un cambio.

La dictadura militar, después de unos días de indecisión, lanzó todo su aparato represor sobre los manifestantes, cerrando calles, prohibiendo reuniones de más de cinco personas, saqueando monasterios, arrestando monjes y dispersando violentamente a todos aquellos que se atrevieran a marchar. Después de unos días, las protestas se habían extinguido ante el temor a una matanza mayor.

Birmania es uno de los países más herméticos del mundo. El movimiento de los periodistas es sumamente restringido y no existe una prensa independiente legal. Pero sí existe un grupo de periodistas clandestinos quienes se sobreponen al riesgo de ser arrestados y perder su vida con tal de informarle al mundo entero lo que sucede al interior de Birmania. Esos periodistas fueron los que les proporcionaron las imágenes de las protestas de setiembre del 2007 a los medios internacionales y Burma VJ es un documental acerca de ellos.

Burma VJ sigue los pasos de "Joshua", uno de los líderes de la Democratic Voice of Burma, una estación satelital con base en Oslo que transmite clandestinamente noticias en contra del régimen militar hacia el interior de Birmania . Joshua es uno de los reporteros que logra capturar en vídeo las primeras protestas pero debe huir a Tailandia luego de ser arrestado. En Tailandia se convierte en el encargado de coordinar todas las labores de los reporteros birmanos durante las protestas.

El documental está compuesto principalmente por las imágenes capturadas por los reporteros durante esos días de setiembre en que una salida democrática a las protestas parecía posible. Es conmovedor ver el apoyo de la población a estas manifestaciones, aún conociendo el gran riesgo personal al que se enfrentaban. Al final de cuentas, esta no es solo la historia de un grupo de valientes reporteros, es también la historia de una nación que todavía guarda un ferviente anhelo de libertad aún teniendo en contra a uno de los regímenes más opresores del mundo. Pero el pueblo birmano ya no puede soportar tanta muerte y, apenas la dictadura militar suelta la violencia, no queda otra que dejar la lucha democrática para otro momento.

El documental, dirigido por el noruego Anders Ostergaard, logra mantener la tensión durante toda su duración, hasta llegar al trágico y triste desenlace. Una de las últimas imágenes grabadas por los reporteros antes de escapar hacia las zonas rurales para evadir el arresto fue la de un monje budista ensangrentado flotando boca abajo en un lago. Un recordatorio del precio que hay que pagar en Birmania por enfrentarse al poder militar.

Pero Joshua no se da por vencido. Decide volver a Birmania para reclutar a un nuevo grupo de reporteros que estén dispuestos a arriesgar su vida para mostrarle al mundo la dura realidad de su país. Y a lo mejor serán estos reporteros los encargados de documentar la ansiada transición a la democracia de la nación birmana.

Burma VJ se encuentra nominada al Oscar a Mejor Documental del año. La pueden bajar aquí.

Los 50 años del Congo

2010-02-15T00:53:00.000-08:00

Mientras buscaba información acerca de Baloji, el rapero belga-congoleño del cual escribí hace unos días en Discos La Chop Shop, me di cuenta de que este año (más precisamente el 30 de junio) la República Democrática del Congo cumple 50 años de vida independiente.

Ahora, no soy ningún experto en la historia del Congo, más allá de alguna ojeada en wikipedia y una que otra película. Aún así, no está de más decir que han sido unos 50 años bastante sufridos para la nación congoleña. Solo basta ver la cantidad de guerras y conflictos a las que se han tenido que enfrentar en los últimos 20 años, sin contar la pobreza, inseguridad y los gobiernos dictatoriales. Pero con la esperanza de que los próximos 50 años sean mejores, y aprovechando el post de Baloji en el que también mencionaba a Konono No.1, voy a postear tres de los trabajos artísticos no-musicales que más me han llamado la atención de este gran país centroafricano.

Primero está Patrice Lumumba, líder independentista del Congo y el primer Primer Ministro de esta nación en ser electo legalmente. Lumumba era un pan-africanista que denunció sin miedo la explotación colonial que sufrió su país durante el dominio belga (incluso frente a las narices del Rey de Bélgica) y que, durante su breve gobierno, luchó por mantener al Congo unido en tiempos de gran agitación. Después de tan solo 10 semanas de gobierno, fue derrocado y asesinado bajo circunstancias poco claras.

Raoul Peck, un cineasta de origen haitiano que vivió en el Congo durante su juventud, ha realizado dos películas acerca de Lumumba: un documental, Lumumba: La Mort du Prophete (1992), y un filme de ficción, Lumumba (2000). El documental no lo he logrado encontrar pero Lumumba si está disponible en la internet. No es una gran película y cae en algunas de las trampas en las que suelen caer este tipo de películas biográficas (simplificación, superficialismo, etc). Pero es una buena e interesante introducción a la vida de unos de los grandes líderes africanos del siglo pasado. La pueden encontrar para bajar aquí.

Segundo, tenemos a Sammy Baloji (sin relación con el rapero, que yo sepa), un fotógrafo y videoartista congoleño de 31 años de edad. Nacido en Lumumbashi, otrora centro industrial minero de la República Democrática del Congo, Baloji se ha dedicado a documentar la decadencia actual de su lugar de nacimiento y el legado colonial que todavía es posible observar. Su serie más aclamada, titulada Mémoire, superimpone fotografías de las minas abandonadas con imágenes en blanco y negro de los esclavos congoleños que fueron utilizados para trabajar en esas minas a inicios de siglo. Uniendo pasado con el presente, Baloji culpa tanto a las potencias coloniales como a las élites africanas post-independentistas por el estado de pobreza de su país. La serie entera se puede observar aquí (junto con el trabajo de muchos otros fotógrafos africanos).

Por último, están los sapeurs, seguidores del movimiento de la SAPE - La Societé des Ambianceurs et des Personnes Élégantes. Fundado por el músico congoleño Papa Wemba en los años 70's, la SAPE nació como una rebelión en contra de las políticas de "autenticidad" cultural propagadas por el dictador Mobutu (el mismo que derrocó a Lumumba). Bajo esta idea de autenticidad nacional, todos los congoleños debían usar ropas tradicionales del Congo como un repudio al "imperialismo". Papa Wemba dijo "ni mierda" y siguió usando los trajes de las más finas casas de moda europeas, volviéndose cada vez más exhuberante en su elección de vestuario.

Los seguidores de la SAPE son los sapeurs y es posible encontrarlos en muchos de los barrios de las dos capitales del Congo (Kinshasa-Brazzaville), incluso en algunos de los barrios más pobres de estas ciudades. Esto significa que no es para nada extraño ver a un tipo vestido con ropa valorada en miles de dólares al mismo tiempo que vive en una casa prácticamente en ruinas. Aquí es donde podemos criticar el materialismo rampante de estos sapeurs. Pero no lo vamos a hacer.

El punto es que la SAPE es una expresión cultural que incluso data de antes de Papa Wemba, desde la colonización existían africanos encantados con la forma de vestir de los europeos, por lo que es una más de las maneras en que los africanos han expresado su influencia colonial al mismo tiempo que se rebelan a sus condiciones de pobreza y a las políticas de nacionalismo cultural. Económicamente no tiene mucho sentido. Pero a los sapeurs no les importa. Solo les importa verse finos.

Aquí pueden ver un ensayo fotográfico acerca de los sapeurs por parte del español Héctor Mediavilla y aquí otro del italiano Franceso Giusti. Por acá hay un pequeño reportaje de la revista COLORS.

Ahora sí

2010-02-14T01:28:00.000-08:00

Ok.

Cierto, el blog no se volvió a actualizar a pesar de que hace casi 5 meses dije que lo iba a hacer. La universidad y la pereza se pusieron en el camino.

Pero como dice el título, ahora sí no hay tu tía. La Chop Shop vuelve y vuelve con todo.

Ese todo básicamente significa dos cosas: nuevo diseño (gracias a Luciana G. por eso!) y nuevo blog. Sí, La Chop Shop ahora tiene un blog hermano: Discos La Chop Shop. Como el nombre lo indica, ese blog estará dedicado más que todo a breves posts relacionados con la música mientras que este se mantendrá con posts más largos y ensayísticos dedicados principalmente al cine y otros temas no musicales que me llamen la atención.

Entonces ya saben, ustedes los dos gatos que visitan este blog: estamos de vuelta! Y ya que están aquí, aprovechen para pegarse una vuelta por el nuevo blog. Especialmente si les gusta la música medio tropicalona o africanesca y todo lo que se encuentre en el medio.

Y claro, volveremos con nuevos posts aquí en los próximos días.

Esta vez no es joda, lo prometo!

Café Lumiére

2009-09-22T00:32:00.000-07:00

Mas o menos así se ha visto este blog en las ultimas semanas. La razón: he estado procrastinando más de la cuenta. Pero sí tuve la fuerza de voluntad para escribir esta columna publicada en la excelente página/foro/refugio-de-seres-en-peligro-de-extinción 89decibeles. Habla del fin del cine o, mejor dicho, el fin de los cines. La idea es que sea una columna regular en donde hablaré de cosas relacionadas con el cine, aunque una que otra vez invitaré a algún cumbianchero para que nos alegre la noche con un buen bailongo en el Café.

Y bueno, para el par de gatos que revisan este blog, próximamente se viene una segunda parte del Jammin' que escribí hace unas semanas. Esta vez dejaremos atrás la radio para enfocarnos en la televisión. Y después de eso, seguiremos el trayecto por el cine latinoamericano con un vistazo al cine boliviano. Claro, todo eso pasará si dejo de perder el tiempo en estupideces como, por ejemplo, ver todos los hijueputas programas que da MTV.

Dale que uno puede tener un guilty pleasure. O varios.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Paz Encina (Paraguay)

2009-08-28T02:18:00.001-07:00

Paz Encina nace en 1971 en el Paraguay, un país con una historia cinematográfica muy limitada. Como lo de ella era el cine, se va a Argentina a estudiar en la Universidad del Cine de Buenos Aires, institución en la que consigue licenciarse en Cinematografía en el año 2001. Pero desde 1996 ya había empezado a obtener aclamación y galardones con cortos como "Rastros", "La siesta", "Los encantos del jazmín" y "Supe que estabas triste". Gracias a ese temprano éxito, logró atraer la atención de productores internacionales de la talla de Lita Stantic que la ayudarían a realizar su primera película.

La Hamaca Paraguaya (2006), primer película hablada en guaraní, se desarrolla íntegramente en un solo día, de amanecer a anochecer, en un aislado paraje selvático del Paraguay. El año es 1935 y la Guerra del Chaco, entre Paraguay y Bolivia, se encuentra en su etapa final. Nuestros protagonistas, Cándida (Georgina Genes) y Ramón (Ramón del Río), son una pareja de ancianos cuyo hijo, Maximiliano, se marchó con el ejército para combatir en la guerra. La mayor parte del día la pasan discutiendo acerca del paradero de su hijo, el extenuante calor que los envuelve, la perra que no deja de ladrar y la tristeza que los embarga a ambos. En el transcurso del día, se darán cuenta que la Guerra ya ha terminado y que su hijo nunca volverá a su lado.

Este filme ha sido reconocido por emplear un lenguaje visual muy riguroso y restrictivo, con un número muy limitado de planos y encuadres y una cámara completamente estática; durante más de la mitad de la película lo único que vemos es una lejana toma estática del claro en la selva en el que está colgada la hamaca. Los diálogos (todos en guaraní) aparecen solamente en voice-over, incluso los personajes nunca mueven sus bocas en cámara (aún cuando están hablando). El efecto es un poco desorientador, resaltando una falta de unidad interna, tal vez causada por la muerte del hijo soldado (el cual también tiene una aparición exclusivamente vocal que se podría describir como fantasmal).

La rigurosidad continúa con la cara de los dos personajes, las cuales nunca aparecen en close-up y lo más que vemos de ellas son tomas de perfil. Nunca vemos a los personajes de frente, la mayoría de tomas se encuentran a una distancia que hace difícil distinguirles los rasgos. Esto puede ser un comentario acerca de cómo los paraguayos, al prácticamente no tener un cine nacional, no tienen una cara ante el mundo exterior. O a lo mejor para indicar que estos dos personajes no son solo individuos sino que son representativos de toda la paraguayada, con su melancólico y colectivo anhelo por un futuro mejor. Lo que es cierto es que la relativa radicalidad formal de la película no está ahí por pura indulgencia sino que es el cimiento que sostiene toda la película.

Claro que Hamaca Paraguaya no es solamente una película aplaudible por su austeridad formal. El relato del filme vale la entrada por sí mismo, una conmovedora historia acerca del paso del tiempo, la desesperanza, la melancolía y la mortalidad contada de la manera más simple posible: con la incesante discusión de dos viejos cuyo deseo por la vida parece haber terminado y que parecen unirse solo por medio de la hamaca paraguaya, el símbolo del puente entre la vida y la muerte. Paz Encina ha comentado en entrevistas que en su película buscaba representar el temperamento del paraguayo: tranquilo y melancólico. Esa impresión es lo que nos queda después de ver Hamaca Paraguaya la cual cierra, en sus últimos segundos, con una tormenta que se avecina. Premonición tal vez de que, a pesar de que la Guerra ha terminado, los problemas para el Paraguay están lejos de resolverse.

La Hamaca Paraguaya ha sido presentada como la primera película producida en Paraguay desde los 70’s y la primera en haberse estrenado en Cannes. Investigando un poco más, me encontré con otras películas paraguayas (algunas en coproducción con Brasil) que se han filmado desde los años noventa. Pero encontrar algo de estas películas en la Internet es prácticamente imposible. Sospecho que en el mismo Paraguay las cosas no deben ser muy diferentes. Algo que no debería sorprender ya que, si consideramos su pobreza y estrecho mercado interno, Paraguay no es un país optimo para servir de terreno fértil para una industria cinematográfica. Aún así, cada pueblo se merece un cine nacional, un cine que permita darle una cara humana de ese país al resto del mundo. Paz Encina ha empezado ese proceso con su sobresaliente Hamaca Paraguaya, una de las mejores películas latinoamericanas de los últimos años y un más que digno debut del Paraguay en la escena cinematográfica internacional.

Encina se encuentra trabajando actualmente en su segunda película, "La belleza de la infancia".

Jammin' No. 1: Radio Alice

2009-08-12T00:56:00.000-07:00

Hace unos días vi la aclamada cinta italiana Il Divo, basada en la vida política de Giulio Andreotti, siete veces primer ministro de Italia durante la Guerra Fría. Más allá de que todavía estoy debatiendo a lo interno los meritos de la película (pasé de considerarla superficial a tenerla como una de las mejores películas que he visto recientemente), me llamó mucho la atención la banda sonora compuesta por el italiano Teho Teardo. Después de darme una vuelta por su página web, me encontré con que también había compuesto la música para otra película tana llamada Lavorare con Lentezza. Un impulso me llevó a bajar la película sin saber nada de ella.

No voy a hablar mayor cosa de la película porque ese no es el punto de esta entrada. Basta decir que a la película la disfruté harto; bien actuada, con fino guión co-escrito por los Wu Ming (un aclamado colectivo de escritores italianos cuyos trabajos se ven muy interesantes) y con una cinematografía granulada y oscura que le da un toque de "viejo" que me vuelve loco. Fiel a la tradición de Wu Ming, cuyos libros están disponibles para bajar gratuitamente en su página de internet, Lavorare con Lentezza también se puede bajar sin remordimiento de conciencia (ja!) aquí.

En todo caso, todo esto lo menciono con el fin de apuntar que el principal tópico de Lavorare con Lentezza es Radio Alice, la primera radio clandestina "mao-dadaísta" de Italia que nació, vivió y murió en la ciudad de Bologna durante los años 70 y que se dedicó a esparcir el evangelio de la emancipación sexual, la lucha contra la explotación obrera (Lavorare con Lentezza, o Trabajen Despacio, era una canción favorita de la emisora que llamaba a resistirse al trabajo) y, no podía faltar, la revolución contra el mundo burgués. La emisora en general representaba los puntos de vista del movimiento autonomista italiano que tuvo gran auge en la izquierda italiana durante los años de la "strategia della tensione". La estación eventualmente fue cerrada por ordenes de los carabinieri luego de una serie de confrontaciones violentas en la Universidad de Bologna que acabaron con un estudiante muerto (evento que es retratado en la película).

Radio Alice, como muchas otras de las expresiones contraculturales de su época, buscaba provocar a los conservadores y llamar a un cambio radical en las relaciones económicas y políticas: las clases obreras, explotadas por tantos años, debían tomar el control del poder. Su gran contradicción radicaba en que la mayoría de los entusiastas colaboradores de la radio eran jóvenes burgueses que, después de recibir la mejor educación que el dinero pudiera comprar, decidieron rebelarse contra la sociedad que los había criado. Y una revolución liderada por pretenciosos burgueses arrepentidos nunca iba a poder funcionar. A las clases trabajadores poco les importaba Dada o Mao o el sexo libre o la música psicodélica. Y es esa falta de conexión entre ambos grupos lo que llevó al fracaso de muchos de estos movimientos contraculturales.

Pero si bien el valor político revolucionario de estas propuestas ha sido mínimo, siempre me ha llamado mucho la atención su carácter artístico-estético-cultural. Radio Alice podrá haber hecho poco o nada para encender los fuegos de la revolución proletaria pero, como se muestra en la película, era un brillante espacio para una creatividad excéntrica y un vanguardismo que no tenían cabida en los medios comerciales. De las radios clandestinas actualmente queda muy poco. El advenimiento de la internet le ha brindado amplias herramientas a las personas para comunicarse con el resto del mundo. Ahora todos podemos tener blogs, colgar videos, producir podcasts e incluso mantener estaciones de radio por internet. En los años 60's o 70's tales facilidades no existían por lo que subvertir el monopolio comunicativo que ostentaban la radio, la televisión y el periódico era todavía más difícil y exhilarante. Lavorare con Lentezza logra capturar las (des)ilusiones de estas aventuras radiofónicas de manera muy amena.

Aún así, la radio no está muerta. En zonas rurales y países en vías de desarrollo a los que la revolución tecnológica no ha llegado con tanto ímpetu, las radios comunitarias siguen siendo una de las más efectivas fuentes de comunicación alternativa de índole social, política y artística. Pero un mayor análisis de ese fenómeno quedará para otro momento.

Por ahora, lléguenle a la atmosférica música de Taho Teardo mientras se leen un libro de Wu Ming y mensajean a los amigos para invitarlos en la noche a ver Lavorare con Lentezza. Por ahí a lo mejor se inspiran y empiezan una radio, eh. Y si saben italiano, o simplemente les interesan este tipo de cosas, por aquí y por acá pueden encontrar más información y audio de Radio Alice, incluidos clips de su primera y ultima transmisión.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Chile

2009-08-05T02:10:00.001-07:00

Tony Manero (Pablo Larraín, 2008)

Santiago, 1978. Estamos en plena dictadura de Pinocho y en el apogeo de su represión de disidentes al régimen pero, para Raúl Peralta (Alfredo Castro), un hombre taciturno e intenso de unos cincuenta años, lo más importante no es la política, sino una película. Saturday Night Fever, para ser exactos. Decidido a imitar perfectamente todo los movimientos de Tony Manero, el personaje interpretado por John Travolta en esa película, Raúl visita diariamente el cine local en el que, acompañado con su traje de Tony, recita en voz alta todos los diálogos de la película al mismo tiempo que estudia las rutinas de baile. Esto porque Raúl planea realizar una presentación coreográfica basada en la película en el pequeño escenario del bar-pensión en el que vive Para asegurarse de que tal presentación sea lo más exitosa posible, Raúl no se detendrá ante nada ni aceptara un no como respuesta. Aunque eso implique que tenga que recurrir al homicidio.

Raúl es un personaje inescrupuloso, frío y sin emociones que aún así pareciera tener un magnetismo que lo hace atractivo ante la gente. O por lo menos ese es el caso con las tres mujeres con las que vive quienes lo desean (inexplicablemente). sexualmente. lnescrupuloso pero atractivo? Suena familiar? Suena a típico dictador, suena a Pinocho. Raúl es el prototipo de hombre fuerte que nace en un ambiente de represión y autoritarismo. Individualista (él TIENE que ser el mejor imitador de Tony Manero), impune (comete sus asesinatos sin que nadie lo culpe de ellos), opuesto al cambio (rompe en furia cuando el cine deja de presentar Saturday Night Fever), obsesionado con las influencias externas (creo que ya quedó claro que el tipo es un imitador de Tony Manero) e incapaz de mantener relaciones afectivas (se muestra indiferente ante las mujeres que se sienten atraídas por él).

Y el resto de personajes? En realidad, no son muy diferentes. Obviando el comportamiento destructivo de Raúl, los demás miembros de la casa se sienten atraídos ante su virilidad (aunque irónicamente al tipo ni se le para) y combatividad. Y cuando no están tratando de llevarse a la cama a Raúl, prefieren ver shows de variedades en la televisión y montar coreografías de películas estadounidenses antes que actuar en contra del régimen (con la excepción de uno de los personajes, al cual Raúl casi que literalmente le caga encima). Visualmente, la película está filmada con cámara handheld y una iluminación oscura que le da un toque de claustrofobia muy apropiado. El mensaje es claro. Una sociedad que prefiere mirar al otro lado en vez de denunciar la impunidad es terreno fértil para la aparición de un ser humano inmoral.

Esta es la segunda película de Larraín. Anteriormente había debutado en el 2006 con Fuga.

La Sagrada Familia (Sebastián Campos, 2004)

Es Viernes Santo en una casa de playa en la costa chilena. Marco (Néstor Cantillana) y sus padres esperan la llegada de la novia de este, una estudiante de actuación llamada Sofía (Patricia López), quien pasará el fin de semana con ellos. Pero poco después del arribo de Sofía, la madre de Marco debe irse de emergencia a Santiago por lo que nada más quedan Sofía y los dos hombres, hijo y padre. Este ultimo empezará a sentir una atracción cada vez mayor por Sofía al mismo tiempo que Marco comienza a sentirse disgustado con el comportamiento provocativo de su novia por lo que busca la compañía de sus vecinos: la solitaria y callada Rita (Macarena Teke, mi futura esposa) y Aldo (Mauricio Diocares) y Pedro (Juan Pablo Miranda), una pareja gay en crisis.

Esta es probablemente la película chilena que me gustó más (sin que por eso sea la mejor, claro). Poco puedo hacer para resistirme ante este tipo de dramas medio romanticones que involucran a familias aburguesadas, locaciones atmosféricas y chicas sutilmente atractivas (ya mencioné a Macarena Teke?). Fuera de esos fetiches personales, el punto fuerte de la película es su naturalismo. Filmada en cámara digital y con la mayoría de diálogos improvisados, el filme tiene un carácter documentalesco muy marcado. Esto me parece bienvenido en este tipo de dramas familiares. Con eso no me refiero a que sea necesario que parezcan documentales pero si que tengan un naturalismo que nos permita pensar que estas personas puedan existir en vez de ser simplemente creaciones de un guionista.

Por ahí el punto débil de la película es que trata de incluir demasiados temas taboo en un solo paquete. El nombre de la película y el hecho de que sus acciones transcurran en un fin de Semana Santa evidentemente apuntan a criticar la doble moral en una sociedad que se dice públicamente religiosa pero que en el ámbito privado se comporta lejos del ideal católico. Pero el subplot de la pareja gay honestamente no va a ningún lado y pareciera ser incluido solo para molestar a los conservadores. Y bueno, hay un momento de la película en el que Marco se le viene en la cara a su novia. Pero eso ya es otro asunto.

Esta es la opera prima de Campos. Su segunda película, Navidad, fue estrenada este año.

En la cama (Matías Bize, 2005)

Daniela (Blanca Lewin) y Bruno (Gonzalo Valenzuela) hacen el amor apasionadamente en una habitación de motel apenas horas después de conocerse en una fiesta. Confrontados con tener que pasar todo el resto de la noche juntos, deciden empezar a hablar para conocerse un poco mejor. Para cuando amanezca y sea la hora de partir caminos, ambos habrán llegado a un clímax, no solo físico, sino también emocional.

En La Cama es un interesante experimento minimalista que bien podría funcionar de mejor manera como una obra de teatro (la trama de la película literalmente ocurre en una cama). Esto porque cinematográficamente no es muy interesante, el centro de atención son el guión y los actores. Más bien las pocas escenas en que el director trata de hacer algo “creativo” (como el uso de una split-screen) se sienten fuera de lugar. Los actores son adecuados, no tienen un exceso de carisma ni magnetismo pero son lo suficiente interesantes y realistas. El guión, lo principal, tiene altos y bajos. Las partes más emocionales suelen lograr su cometido, pero cuando los personajes hablan de banalidades para pasar el tiempo, pues uno desearía pasar el tiempo en otro lado. Al final, la película nos parece decir que no hay sexo sin amor. Lo uno es el complemente de lo otro. Y el sexo por puro placer carnal? Poco más que masturbación en pareja.

Esta es la segunda película de Bize. La primera, filmada en una sola toma ininterrumpida, fue "Sábado, una película en tiempo real"(2003). Su más reciente filme, ambientado en Barcelona, es Lo Bueno de Llorar.

Mi Mejor Enemigo (Alex Bowen, 2005)

Diciembre de 1978. Chile y Argentina están a días de comenzar un enfrentamiento armado por la disputa de la soberanía sobre un grupo de islas patagónicas. En el sur del país y cerca de la frontera con Argentina, una patrulla encargada con la misión de servir de avanzada para el ejército chileno rompe accidentalmente su brújula y se pierde en la inmensa monotonía de la Pampa. Sin saber si se encuentran en Chile o Argentina, deciden cavar una trinchera en espera de refuerzos. Pero, para su sorpresa, pronto encontrarán que una patrulla argentina se ha instalado a tan solo unos metros de donde se encuentran. Ambas patrullas, perdidas y sin saber exactamente cual es el estado bélico entre sus respectivos países, deberán escoger entre la cooperación o la hostilidad en medio de la soledad patagónica.

Para ser franco, las películas de guerra ya me tienen hasta el cuello. Y eso lo digo sabiendo que una de ellas, La Delgada Línea Roja, es (dependiendo al día) mi película favorita de todos los tiempos. Pero muchas películas de guerra se contentan con ponerte unas cuantas escenas épicas, muchas lagrimas, una decena de caras anónimas con casco con las que uno debería identificarse, un par de litros de sangre y empalagarte con el mensaje de que la guerra es fútil y estúpida. Y esta película nos dice lo mismo. La guerra es fútil y tonta porque en realidad todos somos hermanos. Nada nuevo. Claro, que en esta ocasión en realidad no hubo guerra. El conflicto chileno-argentino nunca estalló y ese es el punto curioso de este filme, ya que esa guerra-que-no-fue es un hecho que ha pasado desapercibido en los anales de la historia. Pero hasta ahí. llega lo interesante Si les gustan las películas pacifistas de guerra, no es mala opción. Está bien hecha, de eso no hay duda. Pero si ya están aburridos de ellas como yo, esta no aporta nada especial que no se haya visto antes.

Hasta el momento, esta es la única película de Bowen.

Paréntesis (Francisca Schweitzer y Pablo Solís, 2005)

Camilo (Francisco Perez-Bannen) tiene 28 años, sufre de insomnio, toma un coctel de pastillas cada mañana y trabaja por las noches en un negocio de video. Cansada de su actitud irresponsable e impredecible, su novia Pola (Sigrid Alegría) decide pedirle una semana de distanciamiento mutuo (el paréntesis del titulo) para reflexionar acerca de la dirección hacia la que va su relación. Camilo acepta deprimido resignándose a la idea de que ya perdió a la Pola. Pero durante esa semana, Camilo conoce a Mikela (Carolina Castro), una excéntrica adolecente de 16 años que le enseñará (sin darse cuenta) a vivir una vida más armoniosa, saludable y normal en cuanto a patrones de dormir se refiere.

Paréntesis se siente como una película realizada por estudiantes de cine recién graduados. Filmada en cámara digital y con poco presupuesto, Schweitzer y Solis condensan aquí todas sus influencias cinematográficas y todos los trucos que aprendieron en la universidad. Tanto así que da la sensación de que agotaron todas las herramientas del programa de software que utilizaron para editar la película. Pero no está mal, eh. La película se ve barata. Y la constante referencia a personajes del cine estadounidense ya perdió su gracia hace unos años (hay un personaje principal que es una obvia versión chilena de Silent Bob, por ejemplo). Pero es una película bonita con personajes excéntricos y entrañables (muy al estilo del cine indie gringo) pero que también explora, aunque no a mucha profundidad, el lado oscuro de esa excentricidad: los desordenes mentales (Mikela es esquizofrenica).

Este es el único largometraje realizado por ambos directores.

Play (Alicia Scherson, 2005)

Cristina (Viviana Herrera) es una enfermera indígena proveniente de las zonas rurales que cuida en un espacioso apartamento santiagueño a un moribundo anciano de descendencia húngara. Tristán (Andrew Ulloa) es un joven y exitoso arquitecto judío que acaba de ser abandonado por su esposa. A pesar de tener orígenes tan dispares, los caminos de ambos personajes se entrecruzarán cuando Cristina encuentra en la basura el maletín de Tristán y, con la información de él que encuentra ahí, decide empezar a seguirlo/espiarlo para averiguar más de este hombre tan diferente a ella.

De esta película no entendí nada. En serio, nada. Bueno, la película sí la entendí. Lo que no entiendo es el buen recibimiento que obtuvo (fue la película chilena más aclamada de su año) ¿Aparentemente la gente conectó con estos personajes? A mi me parecieron lo más aburridos del mundo. Imposible que me importara un comino lo que les pasara. A la esposa de Tristán (que supuestamente era la esposa perfecta y lo había dejado por ser un desinteresado) se le congelaba la sangre de lo fría que era. Tristán mismo era una hoja en blanco. Cierto, estaba sufriendo porque su esposa lo había dejado y su vida no iba a ningún lado. Pero no había mayor profundidad emocional, y la tibia actuación de Ulloa no ayuda en nada. Y Cristina, nuestra heroína, pues a la chica le gustaba Santiago. Y caminar. Y jugar Street Fighter. Y se sentía un poco sola entonces empezó a seguir a Tristán. Na’ más.

La película si le hace honor a su nombre, es juguetona. Algunas escenas tienen toques creativos (los tres personajes persiguiéndose sin darse cuenta, Cristina agarrando a golpes a una mujer como si fuera una pelea de Street Fighter). Y el filme nos deja con el mensaje perdurable de que los encuentros y separaciones de la vida son simplemente resultado de un juego de azar en el que un día nos podemos encontrar solo para nunca vernos más. Pero hasta ahí llega lo positivo que pude encontrar. A mucha gente le gustó, eso es claro, pero en lo que a mí me concierne, fue una perdida de tiempo.

Esta es la primera película de Scherson. Su segunda película, Turistas, fue estrenada recientemente.

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Próxima estación: el altiplano boliviano. Pero antes, una breve escala en Paraguay.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Andrés Wood (Chile)

2009-07-25T02:26:00.000-07:00

Hace unos días debería haber publicado una entrada relacionada con varias películas uruguayas que tuve la oportunidad de ver. Pero, a pesar de que ya la tenía terminada y lista para publicar, mi computadora murió súbitamente (aunque no el disco duro). Apenas pueda recuperar el artículo, lo subo. Pero mientras tanto, seguimos el recorrido cruzando los Andes hasta llegar a Chile.

Andrés Wood, nacido en 1965 y de descendencia irlandesa y escocesa, es probablemente el director más aclamado del cine chileno contemporáneo. A pesar de que siempre había sido aficionado del cine, sus estudios universitarios se orientaron inicialmente por el lado de la Economía. Pero una vez graduado, la afición pudo más y se trasladó a Nueva York para estudiar dirección de fotografía. A inicios de los 90 comenzó a trabajar en la realización de anuncios para la televisión al mismo tiempo que trabajaba en la creación de sus propios cortometrajes. Uno de ellos, Reunión de Familia, tendría gran suceso en festivales tanto en Chile como en el resto del mundo lo cual le daría el impulso a Wood para filmar su primera película.Historias de Fútbol (1997) está compuesta por tres segmentos, cada uno relacionado con el deporte más popular del mundo: el fútbol. La primera historia está basada en un cuento de Mario Benedetti y narra las tentaciones que hacen a un jugador de fútbol amateur de Santiago sucumbir ante los intentos de un dirigente por sobornarlo. La segunda historia, basada en un cuento de Raúl Pérez Torres y situada en pleno desierto de Calama, nos cuenta la alegría de un niño que logra hacerse dueño de una nueva bola de fútbol al mismo tiempo que debe enfrentar las carencias económicas que llevan a su madre a empeñar muchas de sus pertenencias. Y en la ultima historia, la única que es completamente original de Wood y sus co-guionistas, nos encontramos con un joven santiagueño que se encuentra varado en una isla del Archipiélago de Chiloé justo el mismo día que la selección chilena juega un importante partido eliminatorio para el Mundial. Por lo tanto, será invitado a la casa de un par de mujeres de la isla para que vea el partido, mujeres que están dispuestas en probar que la verdadera pasión de multitudes se encuentra en la cama en vez del campo de juego.

Los tres segmentos de la película están emparentados con el fútbol, por supuesto, pero primordialmente con el sacrificio que los diferentes personajes realizan por este juego. En la primera historia, el jugador de fútbol debe escoger entre aceptar el soborno y así sacrificar el espíritu del deporte y las esperanzas que tiene toda su comunidad en él o, por otro lado, anteponer su amor por el fútbol y negarse a recibir la recompensa monetaria. En la segunda historia, el niño debe tomar la decisión de empeñar su preciada bola de fútbol con tal de que su familia pueda seguir adelante económicamente, sacrificando de esta manera el juego ante necesidades más apremiantes. Y en la tercera historia, que tiene un tono más cómico y juguetón que las otras dos, son los hombres los que deben elegir cual “pasión de multitudes” es más importante: el fútbol o el sexo.

Historias de Futbol es un filme light, las historias no son más que adaptaciones de pequeños cuentos y eso se nota. Mayor profundidad no tienen. Pero Wood lo que quería era mostrar como el fútbol (o el deporte en general) siempre está presente en diferentes aspectos de nuestras vidas. Y al situar cada segmento en lugares diferentes de la geografía chilena, la película resalta el poder del fútbol para unir a una nación. Ya sea en un barrio de Santiago, en el desierto de Calama o en una isla en Chiloé, siempre se podrá encontrar esa obsesión por el llamado “juego más bello del mundo”.

Historia de Fútbol llegaría a tener gran aceptación por parte del público y la critica. Wood decidió seguirlo con El Desquite, una mini-serie para la Televisión Nacional de Chile basada en un trabajo del cantautor Roberto Parra acerca de la vida en los latifundios chilenos. Después de su emisión en televisión, Wood editó el documental y lo lanzó en 1999 a las salas de cine en una versión reducida de dos horas. Esta película es prácticamente imposible de encontrar en Internet y, aunque puse a trabajar horas extras al Google, no la pude encontrar. Por lo que pasamos ahora a la que en realidad es su segundo largometraje propiamente para el cine.

La Fiebre del Loco (2001) se centra en la caza del loco (un tipo de crustáceo marítimo en peligros de extinción muy degustado por los asiáticos) y los efectos que esta tiene en la pequeña localidad de Puerto Gala. El Canuto (Emilio Bardi), un oriundo de la zona que se fue a las ciudades a conseguir mejor suerte, logra convencer a su amigo Jorge (Luis Dobó) y a todo el pueblo de que vendan todo el “loco” que logren cazar a un empresario japonés que se asegurará de venderlo en su país natal. Por supuesto, el empresario japonés es un farsante y El Canuto simplemente está tratando de acumular una fortuna timando a todos los pescadores de su pueblo natal, incluido su supuesto amigo Jorge. Al mismo tiempo, un barco de prostitutas ancla en Puerto Gala con la intención de aprovechar la fuerte mezcla de deseo carnal y dinero que envuelve a los pobladores durante la caza del loco.

Más allá de que la película tenga sus personajes principales que son los encargados de realizar los eventos catalizadores de la trama, La Fiebre del Loco se enfoca más que todo en la comunidad entera de Puerto Gala y los efectos que la avaricia causada por la caza del loco tiene sobre ellos. Por supuesto, está el hombre capaz de engañar a su propio pueblo con tal de hacer dinero. Pero también están los demás hombres del pueblo quienes alegremente celebran su cacería acostándose con prostitutas sin siquiera tratar de escondérselo a sus esposas. Y estas últimas, las cuales al final de la película confrontan violentamente a las prostitutas, parecen estar más enojadas por el dineral que gastaron sus maridos en ellas más que por el hecho de que estos les hayan sido infieles. La avaricia lleva a estos personajes a herir a sus seres queridos. Los hombres hieren a sus esposas. Las esposas a las prostitutas. Y el Canuto a toda su comunidad. Todo por el dinero. Todo por la fiebre del Loco.

La Fiebre del Loco probablemente es mi película preferida de Wood. Aunque su trama principal no sea nada del otro mundo ni tenga el peso dramático de Machuca, su construcción de una comunidad pesquera en un lugar olvidado de Chile es memorable, llena de personajes idiosincráticos y de pequeños toques, como el programa de radio que se transmite cada noche en el pueblo, que le dan gran vitalidad a la película. Ya quisiera uno quedarse en Puerto Gala por más tiempo.

La tercera y más exitosa película de Wood es Machuca. Lanzada en el 2004 pero ambientada en el Chile de 1973, el filme se enfoca en los convulsos últimos meses del gobierno de Allende y los inicios del golpe de Estado de Augusto Pinochet. Gonzalo (Matías Quer) es un chico de clase media-alta que asiste a Saint Patrick, un exclusivo colegio católico de Santiago. El director de este colegio, el Padre McEnroe, decide adoptar una política de integración social que consiste en integrar gratuitamente a niños de clase baja provenientes de las poblaciones cercanas al colegio. Uno de estos niños es Pedro Machuca (Ariel Mateluna) quien desarrolla una amistad con Gonzalo, amistad que se verá amenazada conforme la sociedad chilena se va polarizando cada vez más y más.

Machuca es políticamente simplista, la película se reduce a presentar todo el conflicto chileno como si fuera solo una disputa entre ricos y pobres, con los ricos vestidos con ropas a la moda y siendo infieles con sus maridos y los pobres viviendo entre latas y sin siquiera agua potable. La misma película no busca tomar posiciones políticas muy fuertes pero aún así queda claro de que Wood (quien, al igual que el personaje de Gonzalo, estuvo en un colegio católico muy parecido al retratado en la película) tiene una visión negativa de los golpistas y de un sector de las clases altas a las que considera egoístas e insensibles con el sufrimiento de los menos afortunados. Pero esto no significa que el filme sea un panfleto izquierdista pro-Allende. Los héroes de la película no son los simpatizantes de uno u otro movimiento político, sino que son aquellos individuos, como el Padre McEnroe (basado en el director del colegio católico al que asistió Wood en su juventud), que buscaban la unión y la solidaridad entre todos los chilenos, sin importar su origen o condición socioeconómica.

Más allá del mensaje sociopolítico que nos quiera transmitir o no esta película, su éxito radica en lo humana y poderosa que es su trama principal. Abstrayéndose lo más que pueden del oscuro panorama político que se avecinaba, Gonzalo y Machuca buscan divertirse como los chicos que son, incluso experimentando los inicios de su despertar sexual. Pero esta amistad idílica y apolítica mucho no podría durar. Pronto incluso Gonzalo y Machuca se verían afectados por las fuerzas que llevaron a la partición de una sociedad, a la victoria de unos y a la derrota de otros. Fuerzas que provocaron heridas que perduran en la sociedad chilena, cicatrices que no han sanado.

Su ultima película, y probablemente la más ambiciosa, es La Buena Vida del 2008. Basada en historias verdaderas, la película relata eventos en la vida de cuatro personas que parecieran no tener nada que ver la una con la otra pero que inevitablemente se encontrarán en algún punto de la gran metrópolis santiagueña. Seguimos a Teresa (Aline Kuppenheim), una educadora sexual que sorpresivamente se da cuenta de que su hija quinceañera (Manuela Martelli) , con la que tiene una relación difícil, se encuentra embarazada. También tenemos a Edmundo (Roberto Farías), un cosmetólogo que sueña con abrir su propio salón de belleza por lo que solicita un préstamo al banco y ahí se enamora de Esmeralda (Manuela Oyarzún), la empleada bancaria que lo atiende. Mario (Eduardo Paxeco), por su parte, es un clarinetista talentoso y educado en Alemania pero que ve como su deseo de pertenecer a la Orquesta Filarmónica de Chile se desvanece en el aire al ser inexplicablemente rechazado después de realizar su audición. Y, por ultimo, está la historia de una prostituta (Paula Sotelo) afectada por algún tipo de enfermedad venérea pero que no puede recibir tratamiento ya que no tiene con quien dejar a su hijo pequeño.

Generalmente le tengo una gran desconfianza a las películas “corales”. Muchas veces el exceso de personajes, la gran cantidad de mini-tramas y la dependencia en convenientes coincidencia para que estas tengan sentido hacen que estas películas traten de hablar mucho pero sin decir nada. La Buena Vida, lamentablemente, no es la excepción. Todas las cuatro historias se sienten incompletas y no hay mayor hilo que las una. Cierto, todas tienen que ver con personajes que han experimentado algún tipo de perdida y que buscan cambios en su vida. También tienen en común que se sitúan en la ciudad de Santiago. Pero nada más. No se profundiza en las motivaciones y vicisitudes de estos personajes (los cuales, con la posible excepción de Edmundo, no son particularmente simpáticos ni interesantes), las historias no presentan nada nuevo y, lo más devastador en una película como esta, ninguna tiene algún “punch” emocional ya que no hay incentivo para involucrarse emocionalmente.

El personaje de la prostituta enferma es el más grande ejemplo de todos estos problemas. Ella pareciera representar a la parte de Santiago que es olvidada, por la que nada se hace, aquellos para los que los imponentes rascacielos de la ciudad son poco más que una imagen lejana que ven por su ventana. Pero hasta ahí llega la caracterización. El personaje no es más que un símbolo. No sabemos nada de ella. Aparece en un par de escenas y ya. Y se supone que tenemos que sentir algo ante su inevitable destino?

La Buena Vida sufre debido a que sus historias individuales no son lo suficientemente interesantes y dependen demasiado de las coincidencias y los encuentros aleatorios entre personajes para provocar un efecto emocional, como todas las películas corales. Pero, en este caso, no hay ningún efecto emocional. La película parece limitarse a decir “en Santiago viven toda clase de personas y todos están interconectados”. También dicen que existe el agua tibia, eh.

Andrés Wood se podría decir que es uno de esos directores que traen lo mejor de dos mundos: sus películas son lo suficientemente entretenidas y emocionales como para ser disfrutadas por el público en general pero son lo suficientemente estimulantes intelectualmente como para apaciguar a los snobs (como yo). Pero esa habilidad para entretener, emocionar y poner a pensar pareciera estar disminuyendo para pasar a una sensibilidad no tanto Hollywood-esca sino que más bien Miramax-esca, por definirlo de algún modo. Con esto me refiero a que pareciera compartir algunos atributos (como lo son el sobre-uso de música dramática, exceso de histrionismo; en fin, abuso de efectismos cinematográficos) con esas típicas películas que llegan a nuestros cines a fines e inicios de año con la expresa intención de lograr premios Oscar.

Algunas de esas tendencias ya se encuentran en Machuca (como ejemplo: ver la escena de la represión en la población en que vive Machuca casi al final de la película) pero ahí el hilo dramático era lo suficientemente fuerte como para sobreponerse. En su ultima película el hilo dramático es inexistente y tanto personaje y recurso técnico lo que pareciera buscar más bien es esconder la mediocridad inherente al guión. Aunque valga la aclaración La Buena Vida fue aclamada por muchos y ganó premios importantes, incluido el Goya a Mejor Película Extranjera. Seguro estoy en la minoría. Pero, por mi parte, espero que Wood se recupere de ese traspié y continué haciendo películas tan conmovedoras, interesantes y únicas como sus tres primeras.

Imaginadores

2009-07-21T00:59:00.000-07:00

Argentina, sin duda, es para Latinoámerica la vanguardia en lo que a producción de cómics se refiere por lo que se tenía merecido un documental que empezara el trabajo de recopilar visualmente su larga historia. Ese documental, dirigido por Daniela Fiore y lanzado el año pasado, es Imaginadores. Para aquellos interesados en el cómic (venga de donde venga) es imperdible ya que incluye entrevistas con algunos de los mejores guionistas y dibujantes que le ha dado la Argentina al mundo. Además tiene un diseño visual muy atractivo, lleno de animaciones, colores, cuadros y dibujos.

El aspecto negativo del documental es que se siente incompleto ya que no toma en cuenta ninguna historieta creada antes de 1940 y le pone mucha atención (merecidamente) a la llamada "edad de oro" del cómic argentino pero le dedica muy poco al estado de la industria en las ultimas dos décadas. Aún así, es un documental atractivo e informativo recomendado para todos aquellos que pensaban que solo en Estados Unidos o Europa se creaban cómics de calidad.

Aquí pueden encontrar los links para descargar la película (gracias al muy buen blog Café y Cigarillos).

Continuando con la importancia del cómic argentino en el contexto mundial, el caricaturista colombiano-costarricense Oki (Oscar Sierra Quintero) escribió un interesante artículo para el suplemento Ancora de La Nación que habla acerca de las contribuciones de este país sudamericano al cómic europeo. Lo pueden leer aquí.

Para seguir en Costa Rica, el Sistema Nacional de Bibliotecas (o Sinabi) subió a su página de internet algunos trabajos de 14 caricaturistas costarricenses de fines del siglo 19 e inicios del siglo 20. Todo un tesoro que demuestra que aquí mismo en Costa Rica la historieta siempre estuvo presente. Los pueden encontrar acá.

Por ultimo, un poco de historia acerca de la caricatura costarricense. Del ya mencionado Oki, tenemos dos artículos diferentes: uno habla de la lenta evolución de la historieta en nuestro país mientras que el otro trata la situación actual del cómic nacional (actual = 2003). Y de Ana Cecilia Sánchez, autora de la Historia del Humor Gráfico en Costa Rica (libro que no he podido conseguir), tenemos parte de su libro Caricatura y Prensa Nacional en Google Books. Como es usual, no se pueden leer todas las páginas. Pero como no creo que sea muy fácil de conseguir, permite por lo menos echarle una ojeada y disfrutar de las múltiples ilustraciones y caricaturas que contiene.

Interrumpimos Nuestra Programación Habitual...

2009-07-16T03:02:00.000-07:00

...para celebrar al Pincha campeón de América.

A pesar de no ser argentino, a Estudiantes lo sigo desde aquel Apertura 2006 en el que vinieron desde atrás para ganar un título que ya muchos le daban a Boca. Usualmente cuando veo alguna liga extranjera, me atrae más apoyar a los equipos subestimados. Ese Apertura fue el primer torneo argentino al que le puse atención de principio a fin y resultó que Estudiantes fue el equipo subestimado ante el poderío tradicional de Boca Juniors.

A partir de ese diciembre en que Estudiantes ganó la final en cancha de Vélez, le he puesto atención a las actuaciones del Pincha en todas las competencias que ha disputado, he visto todos los partidos que han transmitido por aquí y he leído bastante de la historia del club. El año pasado ví con desazón como se escapó la Sudamericana en Porto Alegre, a pesar de un valiente esfuerzo del equipo al llevar el partido al alargue.

Ayer, estaba que temblada de los nervios y la emoción durante los ultimos minutos del partido. Pero finalmente se dió, Estudiantes silenció las 60.000 almas que colmaron el Mineirao y volvió a ser campeón de todo un continente, repitiendo esas hazañas coperas de las que tanto he leído en los últimos años. A pura garra, huevos y talento, y de la mano de un líder envidiable como lo es Verón, Estudiantes vuelve a las primeras planas del fútbol mundial. Al lugar que le pertenece.

Salud Campeón!

P.D.: Uno de los mejores jugadores de la historia del fútbol costarricense, José Rafael "Fello" Meza, tuvo un breve paso por Estudiantes en la decáda de los 40's. Aquí pueden encontrar un pequeño repaso (con algunas citas de la prensa argentina de la época) escrito por Rodrigo Calvo de La Nación acerca del tiempo que estuvo Fello en el campeón de América.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (Uruguay)

2009-07-10T02:02:00.000-07:00

Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll nacieron en Montevideo en 1974. Se conocieron en la Universidad Católica de esa ciudad mientras estudiaban Comunicaciones, ahí empezaron a colaborar en cortometrajes. Luego de graduarse, pasarían a trabajar en publicidad y televisión, co-escribiendo y dirigiendo una serie animada titulada “El Service” y dos aclamados cortos: “Buenos y Santos” y “Victor y los Elegidos”. Al mismo tiempo, empezaron a trabajar en lo que vendría a ser su primera película.

25 Watts (2001), filmada en blanco y negro de 16 mm con un presupuesto de 200.000 dólares, retrata un día en la vida de tres jóvenes montevideanos: Leche (Daniel Hendler), un aparente bueno-para-nada quién está enamorado de su tutora de italiano, Javi (Jorge Temponi), quien tiene un trabajo conduciendo un carro cuyo altavoz anuncia las delicias de una marca de pasta y Seba (Alfonso Tort), un chico en plena (y retardada) maduración sexual que nunca ha visto una porno en su vida. A lo largo del día se encuentran con un sinnúmero de personajes, que van desde el vecino “especial” de Leche quien busca a su perro perdido por todo el vecindario hasta un frenético vendedor de droga conocido del hermano de Seba pasando por un repartidor de pizzas esquizofrénico y un chico que dice ser capaz de romper el record mundial de series con su bola de futbol.

La película es divertida y entretenida, con un estilo de comedia muy parecido al de las películas independientes americanas de finales de los 80’s e inicios de los 90’s. Directores como Richard Linklater, Kevin Smith y especialmente Jim Jarmusch (quién es mencionado en los créditos) aparecen como influencias, tanto en la manera de contar la historia como en el aspecto visual. Lo más aplaudible de la película es la naturalidad de sus actuaciones pero también lo bien estructurado de su guion. Algunas películas como estas dependen mucho del carisma de sus actores para tapar las carencias de un guión que no va a ninguna parte. Aquí Stoll y Rebella llevan a sus personajes a ninguna parte pero con un guión lleno de sutiles detalles comédicos (la película es dedicada a las abuelas de cada uno pero el personaje de la abuela pareciera estar en un permanente estado catatónico), ingeniosos hechos recurrentes (como la visión del perro en un coche de supermercado) y personajes secundarios que con sus breves apariciones dejan una gran impresión (como el patrón de Javi).

Por supuesto, 25 Watts es más que una simple comedia de chicos en el barrio. Al igual que los directores de la escena indie americana noventera, lo que Stoll y Rebella quieren reflejar es el vacío existencial de estos jóvenes, de ellos mismos y de la juventud uruguaya en general. No saben adonde ir ni adonde pertenecen ni cuales son las expectativas que se tiene de ellos ni cual es el futuro que un país como Uruguay les puede dar. Una anécdota contada repetidamente a lo largo del filme, que dice que el único uruguayo en el libro de records Guinness es un hombre que aplaudió sin parar por cinco días, representa este sentimiento de desencanto con una sociedad mediocre y conformista a la que no quieren pertenecer pero de la que tampoco parecieran poder escapar.

25 Watts obtuvo varios reconocimientos en festivales y se presentó en muchos de ellos pero fue con Whisky (2004) que Rebella y Stoll pondrían firmemente a Uruguay en el mapa cinematográfico mundial. El filme cuenta la historia de Jacobo Koller (Andrés Pazos), un solitario judío dueño de una pequeña fabrica de medias en un sector dilapidado de Montevideo, y de Marta (Mirella Pascual), la atenta y fiel supervisora de la fabrica. Ante la inminente visita de su hermano Herman (Jorge Bolani) quien viene desde Brasil para una ceremonia en honor de su difunta madre, Jacobo le pide a Marta que pretenda ser su esposa por unos días. Herman es un exitoso hombre de negocios, cuya fábrica de medias exporta a todo el Cono Sur, además de que se encuentra felizmente casado con dos hijas ya adultas. Jacobo es todo lo contrario a esto por lo que en un intento desesperado por no mostrarse tan patético ante su hermano, busca en Marta el papel de esposa temporal.

Si 25 Watts se inspiró en gente como Jarmusch, Whisky se inspira en directores como Aki Kaurismaki. Al igual que las películas del gran director finés, Whisky es un filme triste y, si no fuera por las constantes sonrisas que nos saca, se podría decir que es francamente deprimente. Jacobo bien podría ser una versión envejecida de alguno de los personajes de 25 Watts; viejo, solitario, antisocial, envidioso, en guerra con el mundo. Los mejores y más melancólicos momentos de la película ocurren en su segunda mitad cuando los tres viajan a Piriapolis, un balneario uruguayo que evidentemente ha vivido mejores épocas en el que los dos hermanos y Marta parecen querer recuperar un poco de su espíritu de juventud. El final, apropiadamente, es agridulce. Whisky nos habla de la soledad y de la tristeza de una manera sutil y económica en la que, para usar una frase cliché, un solo gesto de sus personajes dice más que mil palabras.

Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, con solo dos películas, estaban dejando claro que su destino era convertirse en unos de los mejores y más aclamados cineastas contemporáneos de Latinoamérica. Sus películas presentaban una visión divertida, crítica y melancólica de la vida en un país pequeño como Uruguay y, aunque sus influencias eran evidentes, lograban mostrar una voz particular que los diferenciaba del resto.

Lamentablemente, ese futuro de premios y aclamación no pudo concretarse. El 5 de julio del 2006, Rebella fue encontrado muerto de un disparo en la cabeza en su apartamento en Montevideo. Tenía una pistola a su lado y aparentemente, antes de suicidarse, había consumido media botella de whisky. Apenas tenía 32 años. Una gran pérdida para el cine uruguayo y latinoamericano.

Al momento de su muerte, Rebella y Stoll se encontraban trabajando en el guión de lo que sería su tercera película juntos. Stoll ahora se dedica a dirigir anuncios publicitarios.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Lisandro Alonso (Argentina)

2009-06-25T23:32:00.000-07:00

Lisandro Alonso, el más minimalista de los nuevos directores argentinos, nació en Buenos Aires en 1975. Estudió cine en la Universidad del Cine y trabajó como sonidista a finales de los 90’s en Mundo Grúa de Pablo Trapero. También fungió como director asistente en Sobre la Tierra de Nicolás Sarquis hasta que en el 2001, a los 26 años, logró realizar su primera película.

La Libertad nos muestra un día en la vida de Misael (interpretado por Misael Saavedra), un solitario leñador que trabaja en una finca en La Pampa argentina. Vemos a Misael cortando leña, defecando, almorzando, mojándose el pelo para combatir el calor, entregando troncos a un comprador de madera, conduciendo un carro, llenando el tanque de gasolina, matando un armadillo, escuchando la radio, etc. Y eso es básicamente todo. La película es sumamente naturalista y documentalesca con la cámara posicionada sobre Misael prácticamente durante la totalidad de su duración (excepto por una breve escena en que la cámara se “libera” y da vueltas por todo el bosque mientras Misael descansa), documentando todos sus movimientos y sus mínimas interacciones con otras personas (Alonso en general no es muy amigo del dialogo). Pero a pesar de su simplicidad, la película es también una exploración de la relación del hombre con la naturaleza.

Micael, quien vive solo adentro de la finca en que trabaja, pareciera tener una relación conflictiva con la vegetación que le rodea. No hay armonía, no hay sostenibilidad; el bosque es amenazante y hostil lleno de una cacofonía de sonidos que inundan los oídos en todo momento y no dan espacio para la tranquilidad. Micael responde quemando leña para sus fogatas, cortando arboles desde la raíz para ganarse su vida y cazando animales para alimentarse (en este caso, un armadillo). En la escena final de la película, el resplandor de los relámpagos de una tormenta en formación inunda la pantalla mientras Micael come armadillo. La naturaleza amenaza, Micael no claudica. La confrontación está puesta.

Alonso seguiría explorando la relación entre el hombre y la naturaleza en su segunda película, Los Muertos (2004), en la que un hombre llamado Argentino Vargas (interpretado por Argentino Vargas) es liberado de una prisión en Corrientes y viaja en búsqueda de su hija y nietos quienes viven en unas islas internadas en el corazón de un lago. Siguiendo el formato naturalista de su anterior película, aquí seguimos a Vargas en todas sus labores y predicamentos (incluida una extendida escena en la que degolla y destripa a una cabra). Pero si La Libertad llevaba esa contemplación a un punto de tedio, aquí la historia se mueve con un mejor ritmo que evita el aburrimiento (probablemente gracias a que esta es una road movie mientras que la anterior era, bueno, un tipo cortando leña).

En Los Muertos, la batalla entre la naturaleza y el hombre pareciera haber sido ganada por este último. Argentino es un hombre tranquilo y taciturno que, aún así, pareciera tener completo dominio sobre su entorno. Las islas y el lago en el que viaja durante gran parte de la película podrán ser calientes, misteriosas, llenas de insectos y de animales extraños para el espectador; pero Vargas pareciera conocer todos sus secretos. Aún cuando un enjambre de mosquitos o abejas se hace presente, Vargas ni se inmuta: sigue en su camino confiado de que nada le pasará. Pero si esa batalla parece haber sido ganado por el hombre, Los Muertos sugiere un confrontamiento mayor entre los mismos humanos: un personaje sugiere que el crimen por el que Vargas acabó en prisión fue el homicidio de sus hermanos, Vargas tiene sexo con una prostituta mientras las hijas de esta juegan semi-vestidas cerca de donde se consume el acto, la película inicia con cuerpos humanos ensangrentado en la selva mientras un hombre camina con sus manos llenas de sangre, en la ambigua escena final Argentino sostiene un machete antes de entrar a la choza con su nieto; todas estas escenas son un indicador de esa nueva tensión. Una vez que el hombre dominó a la naturaleza y los animales, solo le quedaba dominar a su propia especie.

Fantasma (2006), de apenas una hora de duración, es una especie de conclusión a la historia de Misael y Argentino, una manera para Alonso de unir el destino de estos dos personajes. A diferencia de los campos abiertos de las dos anteriores películas, el escenario de Fantasma se reduce a un solo edificio en el que se encuentra un pequeño cine en el cual se está exhibiendo Los Muertos. El actor principal de esa película, Argentino Vargas, deambula desorientado por el edificio hasta llegar a la sala en la que él y una joven, cuyo nombre y profesión nunca conocemos, son los únicos espectadores de la función. Al mismo tiempo, Misael ronda sin destino aparente los pasillos oscuros del edificio, algunos de los cuales parecen tan amenazantes y hostiles como la vegetación salvaje de La Libertad.

Lo que Alonso hace en Fantasma es resaltar la alienación del ser humano en la sociedad contemporánea. Lejos de la vitalidad y hostilidad con el entorno natural que los acompañaba en sus películas anteriores, Misael y Vargas se encuentran perdidos en un ambiente frío, estéril, descuidado y alienante. Fuera de su elemento natural, estos dos personajes no hacen más que perderse en esta selva de concreto. Pero Fantasma también pareciera cumplir una doble función: por un lado se puede considerar como un experimento con el que Alonso juega con las percepciones de naturalismo documentalista de sus películas. Al presentar a los actores (interpretándose a si mismos) viéndose pasivamente en la pantalla (interpretándose a si mismos), Alonso resalta el carácter ambiguo de sus películas, en el que los personajes no son tanto personajes sino que son figuras detenidas en el punto limítrofe entre la realidad y la ficción. Y por otro lado, Fantasma, muy al estilo de Goodbye Dragon Inn de Tsai Ming Liang, funciona como un comentario acerca de la muerte de los cines alternativos. Alonso se pone a sí mismo como ejemplo, poniendo en el centro de su película a un viejo cine casi desierto exhibiendo Los Muertos. Las audiencias abandonan los cines alternativos. Estos cines alternativos cierran. Y lo único que queda son fantasmas de un tiempo pasado.

En Liverpool (2008), seguimos a un marinero de nombre Farrel quien, al atracar su barco en el puerto patagónico de Ushuaia, decide bajar a tierra y visitar a su familia con la cual no tiene contacto desde hace mucho tiempo. Al mejor estilo de Alonso, la cámara se queda en Farrel recorriendo Ushuaia, viajando hasta el pueblito en el que vive su familia, comiendo, tomando licor (una botella es su fiel acompañante), durmiendo, viendo al horizonte, etc. Una vez que Farrel llega adonde su familia, queda claro que la conexión emocional entre estas personas es nula por lo que a la primera oportunidad él decide escabullirse de la casa y volver a su barco. Si esto fuera Los Muertos o La Libertad, seguiríamos con Farrel en el barco hasta que la película llegara a su fin. Pero en Liverpool Alonso hace algo que no había hecho en sus películas anteriores: cambia el punto de vista. Le decimos adiós a nuestro personaje principal y por los últimos 20-30 minutos de la película nos quedamos con su distanciada familia en el pequeño y frío pueblo en el que pasan su existencia, alejados de todo símbolo de civilización o de argentinidad.

Liverpool es notable también por su desarrollo de personajes, algo casi inexistente en sus anteriores películas. Aquí, si bien mínimamente, somos llamados a hacer una conexión emocional con los personajes, nos vemos forzados a reaccionar de alguna manera ante sus vicisitudes y su estilo de vida. Liverpool no es una película de conflictos entre el hombre contra la naturaleza o del hombre contra el hombre, es una película de la soledad de un hombre y su incapacidad para forjar relaciones afectivas con sus “seres queridos” ni con los lugares que visita. Un día es Ushuaia, otro día es Liverpool. No hay diferencia. Pero su familia, que se queda atrás, no tiene otra opción más que seguir con las labores diarias en un lugar congelado y olvidado por el tiempo.

Lisandro Alonso es un director único en el cine Latinoamericano. Jugando entre el límite de la ficción y el documental, se va meses antes de empezar la filmación a conocer la locación de sus películas, se queda viviendo ahí un tiempo, se mezcla con los nativos, aprende de su forma de vida y de su manera de pensar y los utiliza como actores principales en sus filmes. Sus películas se enriquecen de este naturalismo pero no se limitan a simplemente documentar, están llenas de subtextos y de significados cuya interpretación puede variar de espectador a espectador. La filmografía de Lisandro Alonso nos presenta un mundo en conflicto con la naturaleza, con los animales, con los seres humanos, con las emociones y con la cultura. Pocos directores latinos actuales han comunicado tanto con tan poca parafernalia técnica o histriónica.

En el próximo artículo de esta serie cruzamos el Río de la Plata para realizar una breve visita al cine de Uruguay.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Pablo Trapero (Argentina)

2009-06-08T17:32:00.000-07:00

Continuamos este repaso por los nuevos cineastas latinoamericanos con un director desconocido para mí hasta este momento: Pablo Trapero. Nacido en Ramos Mejía, provincia de Buenos Aires en 1971, realiza sus estudios como director en la Universidad del Cine en Buenos Aires. Durante este tiempo, filma dos cortometrajes: Mocoso Malcriado (1991) y Negocios (1993). En 1996 fundó junto con otros directores la compañía de producción “Cinematográfica Sargentina” con la que produjo en 1999 su opera prima.

En Mundo Grúa, Luis Margani interpreta a Rulo, un exitoso músico en la década de los 70’s que ahora se ve reducido a ser un obeso y divorciado desempleado en busca de cualquier trabajo que le permita ganar un poco de dinero. Con él vive su hijo veinteañero Claudio (Federico Esquerro, frecuente colaborador de Trapero tanto detrás como delante de la cámara), un perezoso y desmotivado músico de rock que pareciera estar siguiendo el mismo camino de su padre hacia un futuro de penurias económicas. El nombre de la película viene de un trabajo que consigue Rulo operando grúas en proyectos de construcción en Buenos Aires.

Mundo Grúa es una película en la tradición neorrealista más pura. Filmada en blanco y negro en stock de 16 mm, con varios actores no profesionales y un presupuesto casi inexistente; Trapero presenta la vida de la clase trabajadora argentina con un tono cómico y afectivo pero también presentando su lado más oscuro y desesperante (la ultima toma de la película muestra la mitad de la cara del Rulo iluminada por la luz y la mitad oscurecida por la sombra). La trama de la película es mínima, la película viene a preocuparse más por estos personajes lo cual puede llevar a escenas extendidas que parecen no adelantar la historia. Usualmente soy abierto a este tipo de enfoque narrativo, pero en algunas partes me dio la impresión de ser un mediometraje extendido innecesariamente. Algunos personajes no son lo suficientemente desarrollados como Adriana (con quien Rulo pareciera empezar una relación) o el mismo Claudio. Pero a pesar de mis reservas, Mundo Grúa es un debut muy auspicioso, con un personaje central memorable, que sorprendió a propios y extraños cuando fue estrenada en 1999.

El buen recibimiento obtenido por su debut le permitió a Trapero más recursos para realizar su segunda película, El Bonaerense (2002), la cual incluso fue seleccionada para la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Aquí el personaje principal es el Zapa, un cerrajero de un pequeño pueblo que se ve involucrado en un robo por lo que, para evitar ser apresado, huye a Buenos Aires. Una vez ahí, y gracias a las conexiones de su tío, logra entrar a la academia policial a pesar de tener una edad mayor al límite.

El Bonaerense es filmada a color pero con un estilo neo-realista, crudo y granulado muy parecido a Mundo Grúa. Pero si esa película se enfocó más que todo en el tema del desempleo, está trata este tema pero lo une con el problema de la corrupción sistematizada del aparato policial argentino. Pero la corrupción no se encuentra solo en la policía, esto es solo un síntoma de un problema cuyas raíces se encuentran en lo más profundo de las clases gobernantes. Para Trapero, Buenos Aires, el centro político y económico de Argentina, es sinónimo de corrupción y esta logra manchar tanto al político más ladrón como al policía de la estación más cercana. Pero por toda su crítica, El Bonaerense no moraliza, sino que toma un paso atrás y simplemente se encarga de mostrarnos su historia con una impersonalidad casi objetiva. Esta es la película más aclamada y conocida de Tropero; y con buena razón.

Justo cuando pensábamos que Trapero se iba a convertir en el director de la degradación social, nos tira una bola curva con Familia Rodante (2004), película en la que, como bien lo indica su nombre, una familia hace un viaje en una casa rodante de Buenos Aires hasta Misiones con la intención de asistir a una boda de un familiar que ni siquiera conocen. Esta es la película más light y accesible de Trapero por lo que tal vez pueda ser considerada como su menos estimulante. Pero si bien no es tan cargada como sus otros filmes, Familia Rodante es muy entretenida y disfrutable; con un gran ensemble de personajes que logran que los minutos se pasen volando.

Si bien la película no puede evitar caer en algunos clichés del genero de road movies (los desperfectos mecánicos del carro son la orden del día) las conflictivas relaciones entre los personajes y un subtexto de tensión sexual entre algunos de ellos mantienen la tensión dramática en un alto nivel. Mención especial tiene que ir para Graciana Chironi, la abuela de Trapero en la vida real, que interpreta a la matriarca de la familia y es la responsable de mantener unida a esta disparatada amalgama de personajes. Su expresión facial en los segundos finales de la película, que pareciera resumir todo su descontento con su familia y el estado de la sociedad en general, es un momento sobresaliente de toda la filmografía de Trapero.

Nacido y Criado, su cuarta película lanzada en el 2006, inicia de la manera más blanda y poco interesante posible: con una joven pareja de acaudalados y atractivos diseñadores de interiores quienes viven en su impecable casa modernista con su adorable hija de 7 años. Los primeros quince minutos de la película se encargan de presentar con lujo de detalles lo idílicamente aburrida que puede ser la cotidianidad de esta familia, hasta el punto que rápido se hace evidente que una catástrofe es inminente. En esto Trapero no falla: la familia sufre un grave accidente automovilístico y todo se va a la mierda.

En un tiempo indeterminado después del accidente, nos volvemos a encontrar con Santiago, el padre de la familia, quien ahora está viviendo una existencia precaria trabajando como operario de un aeropuerto prácticamente abandonado en la Patagonia argentina. Las condiciones climatológicas son hostiles, el trabajo es casi inexistente, el entretenimiento se reduce a una sola taberna de pueblo y la única compañía son sus compañeros de trabajo Robert y Cacique. Rápidamente se hace claro que Santiago está escapando de la memoria del accidente, por lo que frecuentemente es victima de ataques de rabia, convulsiones y alucinaciones. Nacido y Criado es una exploración de la culpa y el conflicto emocional en el que la severidad y adversidad del paisaje patagónico funcionan como reflejos del conflicto emocional que sufre Santiago en su interior. Un filme difícil, desconcertante y doloroso, Nacido y Criado es, en mi opinión, el punto alto de la filmografía de Trapero (aunque no sea una opinión muy compartida) y un gran ejemplo de su creciente dominio del lenguaje cinematográfico.

Leonera es la ultima película de Trapero y tuvo el merito de haber competido en la Selección Oficial del Festival de Cannes del año pasado. Julia (interpretada de una manera casi visceral por Martina Gusman, esposa de Trapero en la vida real y quien, en un mundo perfecto, se hubiera ganado toda clase de premios por esta actuación) es una joven acusada por el asesinato de su novio en confusas circunstancias que no quedan del todo claras. Mientras se determina si es inocente o culpable de ese delito, Julia es enviada a una prisión para mujeres en las afueras de Buenos Aires. Pero hay un dato de no menor importancia: Julia está embarazada por lo que es recluida con las demás prisioneras embarazadas o con hijos (aparentemente según la ley argentina, una mujer encarcelada puede criar a su hijo en prisión hasta que este cumpla 4 años) . Julia, quien al inicio no pensaba en otra cosa más que abortar, se ve confrontada con la obligación de criar a su hijo en un ambiente completamente inapropiado para esta labor.

Leonera es muchas cosas: una critica del sistema judicial argentino, una mirada a las deplorables condiciones carcelarias, una exploración de la organización social y personal formada por las reclusas de estos centros de detención. Pero, principalmente, Leonera trata de una mujer y el amor que tiene por su hijo. Instinto maternal a su más crudo es lo que Trapero nos presenta en esta película por medio de la habilidad de estas madres para hacer todo por sus hijos aún en las condiciones más desfavorables. Con Leonera, Trapero termina de explotar en la escena cinematográfica mundial con un trabajo maduro que demuestra notable seguridad narrativa y una excelente dirección de actores.

Antes de cerrar este articulo, un par de consideraciones con respecto a la filmografía en general de Trapero. La primera tiene que ver con la manera casi impresionista en que se desarrollan los personajes en estas películas. No siendo amigo de dar demasiado trasfondo en la vida de estos, Trapero se limita a darnos en cada escena breves pinceladas de la vida y personalidad de estos personajes, pinceladas que para el final de la película terminan formando un cuadro entero en el que nos sentimos familiarizados con estos personas aún cuando sabemos relativamente poco de su vida pasada. Los personajes son desarrollados poco a poco, sus cambios y sus transformaciones son manejadas de manera sutil y casi que sorpresiva; Trapero humaniza a estos personajes frente a nuestros propios ojos de una manera casi imperceptible.

El segundo aspecto tiene que ver con las locaciones en las que se desarrollan estas películas. En una reciente entrevista que leí, un músico holandés que vivió durante varios años en Argentina respondía a una de las preguntas (no recuerdo exactamente cuál era) diciendo que los bonaerenses, por su condición de vivir en un puerto, siempre habían tenido su mirada dirigida hacia afuera, hacia el otro lado del Atlántico. Pero que desde la crisis política y económica de inicios de década, los bonaerenses cada vez más veían para adentro y mostraban más interés por los encantos que guardaba su inmenso país. No sé que tan cierto sea esto, pero a como sea, Trapero es el representante cinematográfico de ese “ver para adentro”. Identificando a la ciudad capital directamente con esa corrupción que llevó a la crisis, Pablo Trapero busca en el interior de su país un lugar para exorcizarse de esa desintegración social con la que relaciona a los conglomerados urbanos de Buenos Aires. Ya sea Comodoro Rivadavia en el caso de Mundo Grúa, o Misiones en Familia Rodante, la Patagonia en Nacido y Criado o la frontera con Paraguay en Leonera; los personajes de estas películas siempre buscan escapar hacia un lugar más seguro, más inocente, más humano.

Si este artículo suena excesivamente positivo en algunas partes, me tendrán que disculpar. Estas películas no son perfectas y a todas se le pueden encontrar problemas, ya sea en su pacing, en el desarrollo de sus personajes secundarios o en su tendencia a dar vueltas alrededor de la trama antes de llegar al desenlace. Pero mi entusiasmo se debe a la siempre grata sorpresa de encontrar a un director del que no conocía nada y del que ahora ya no puedo esperar para ver su siguiente propuesta.

El Eternauta

2009-05-29T22:28:00.000-07:00

El Eternauta es una historieta argentina escrita por Hector Germán Oesterheld y dibujada por Francisco Solano Lopez. Fue publicada de 1957 a 1959 en la revista Hora Cero Semanal y ha sido reeditada en forma de libro varias veces a lo largo de los años. Se le considera uno de los trabajos más importantes de la historia del cómic argentino.

A grandes rasgos, El Eternauta trata de una invasión extraterrestre a la Tierra y de los esfuerzos de un puñado de argentinos para proteger al planeta y, de paso, salvarse a ellos mismos. Los extraterrestres, para apoderarse del planeta y esclavizar a los humanos, utilizan todo un arsenal de malévolas herramientas como nevadas radioactivas (prácticamente toda la historia se sitúa en una desolada Buenos Aires cubierta por la nieve), temibles bestias llamadas Gurbos que destruyen el pavimento con solo caminar en él, lanzarayos pulverizadores, etc. Pero a pesar de que las posibilidades de victoria son casi nulas, los pocos humanos sobrevivientes siguen luchando convencidos de que es mejor morir valientemente en batalla antes que pasar el resto de sus días como esclavos a merced de los invasores.

El Eternauta es una obra profundamente humanista en la que se rescatan valores como el coraje, la esperanza y, especialmente, la solidaridad al mismo tiempo que funciona como una critica contra el imperialismo y la amenaza de los golpes de estado militares que siempre estuvo latente en la Argentina de los tiempos de Oesterheld. Después de esta primera parte del Eternauta, Oesterheld publicaría una secuela con un contenido político más marcado lo que lo llevó a tener problemas con los regímenes autoritarios que gobernaron Argentina durante los años 60's y 70's.

El mismo Oesterheld resultó ser una víctima más de estos regímenes militares al ser secuestrado por la junta del llamado Proceso de Reorganización Social en 1977. Sus restos nunca fueron encontrados. Pero antes de morir, dejó una marcada influencia en el cómic argentino siendo El Eternauta probablemente su obra cumbre. Entretenida, emotiva, inconformista, triste y, a la vez, esperanzadora; El Eternauta es una prueba más del gran poder subversivo que pueden tener las historietas en nuestras sociedades.

Si pueden, comprenlo. Pero si no, en Taringa es posible encontrar muchos links para bajar el cómic original y sus secuelas. Aquí va uno de ellos y otros links de interés.

El Eternauta en Taringa
Hector German Oesterheld en Wiki
El Eternauta en Wiki

Lucrecia Martel actualmente se encuentra en pre-producción de una adaptación para el cine de El Eternauta. Se espera que sea estrenada en el 2010/2011.

Breves Notas Sobre Mi Reciente Viaje a Asia

2009-05-15T16:10:00.000-07:00

Viaje cinematográfico, por supuesto. Ya quisiera tener la plata para ir de verdad. Pero mientras eso ocurre, el cine tendrá que ser suficiente. Y con la calidad del cine asiático contemporáneo, hay con que mantenerme ocupado. Pero para empezar, un breve regreso en el tiempo.

Advertencia: estas notas serán todo menos breves.

Prólogo.

Tokyo Story (Yasujiro Ozu, 1953) . Necesité dos intentos diferentes para poder ver este clásico de la cinematografía mundial. La primera vez me quedé dormido a la mitad y la segunda vez tuve que luchar más de una vez contra el sueño. Esto no significa que la película sea mala pero si quiere decir que tiene su propio ritmo (sí, eso quiere decir que es bien lenta). Es una película contemplativa y sutil aún para estándares art-house y hay que entrar en su ritmo para poder disfrutarla, algo que no logré. Aún así, los temas que trata y las imagenes de la película son lo suficientemente poderosas como para resonar tiempo después de haberla visto. Y es el tema principal de la película la razón de esta regresión en el tiempo: la historia de Tokio en la posguerra es una de incesante urbanización e industrialización en la que las relaciones familiares tradicionales se ven desmembradas ante la nueva obsesión por la acumulación de riquezas materiales. Tokyo Story fue una de las primeras películas en documentar este cambio por lo que es notable su influencia en películas más actuales que también abordan esta tensión entre tradición y modernidad.

Ikiru (Akira Kurosawa, 1952). Mientras que Tokyo Story (lanzada apenas un año después) se enfocaba en el resquebrajamiento del núcleo familiar, Ikiru del maestro Kurosawa se enfoca en la obsesión por el trabajo como vía para mejorar el estatus socio-económico (el trabajo como estilo de vida, básicamente). Ikiru se puede traducir al español como "vivir" y eso es exactamente lo que la película trata de rescatar por medio de la conmovedora historia de un anciano moribundo en busca de un significado para su vida luego de años malgastados en un irrelevante trabajo burocrático. Si bien las observaciones planteadas por estas dos películas se reducían en ese momento a Japón, pronto, como veremos, se harían aplicables al resto de Asia.

Ahora si, a lo que vine.

Japón

Café Lumiere (Hou Hsiao Hsien, 2003). Hou en realidad es uno de los directores más aclamados de Taiwán pero esta película, concebida como manera de homenaje por el centenario del nacimiento de Yasujiro Ozu, fue filmada en su totalidad en Japón. En ella, Yoko es una reportera que se da cuenta sorpresivamente de que se encuentra embarazada. Ante las objeciones de sus padres, toma la decisión de criar a su hijo por su propia cuenta al mismo tiempo que desarrolla una especie de relación platónica con el dueño de una librería a la que suele frecuentar. Café Lumiere, como se podría esperar al ser un homenaje a Ozu, se encarga de explorar las complejidades de las relaciones familiares y las diferencias entre una nueva generación más liberal y la vieja generación tradicionalista de padres y abuelos. También es una meditación acerca del irresistible paso del tiempo y avance de la modernización (representado, como Ozu, por constantes tomas a trenes en movimiento). El estilo de Hou es sumamente calmado y sutil y la película en realidad no logra mayor efecto emocional en el espectador, pero los temas que trata la convierten en un apropiado inicio para este “viaje”.

Milennium Actress (Satoshi Kon, 2001). Aunque a muchos les guste tirarlo debajo del bus, el manga y el animé indudablemente son un aspecto importante de la cultura popular japonesa. Yo no soy un fanático del género (y honestamente no comprendo la FASCINACION de algunas personas por él) pero de vez en cuando aparecen películas que trascienden las idiosincrasias del género para convertirse en éxitos internacionales, por lo menos a nivel de festival. De Satoshi Kon había visto hace un tiempo su Tokyo Godfathers la cual me impresionó mucho por lo que decidí hurgar más en su filmografía. En Millenium Actress, Tachibana es un documentalista obsesionado por Chiyoko, una famosa actriz de tiempos de la posguerra que se ha convertido en una reclusa al llegar a la vejez. Tachibana decide filmar un documental acerca de su vida y es durante la entrevista con Chiyoko que la trama se desenvuelve ya que su vida es presentada por medio de flashbacks y clips de las películas en que actuó. Además, Tachibana y su camarógrafo aparecen como espectadores de los flashback de la vida de Chiyoko e incluso aparecen como actores en los clips de las películas. Esto hace que el distinguir entre lo que sucedió en la vida real, lo que es fantasía cinematográfica y lo que es la imaginación de Tachibana sea una misión prácticamente imposible.

Pero enfocarse excesivamente en comprender esto es perderse el punto de la película ya que el objetivo de esta es representar precisamente eso: la dificultad de separar entre la ficción y la verdad a la hora de contar una vida y los múltiples "personajes" que una persona puede encarnar a lo largo de los años. Y obviamente, con su recreación de clips de películas japoneses, Millenium Actress también termina siendo una celebración del cine y del papel que este puede tener en nuestras vidas.

Taiwán

Rebels of the Neon God (Tsai Ming Liang, 1992). Quien pensará en los niños? Tsai piensa en ellos. O mejor dicho, en los adolescentes., cuyas crisis de identidad provocadas por los vertiginosos cambios sociales los convierten en uno de los grupos más afectados psicológicamente por la globalización. En este caso, tenemos a Hsiao Kang, un colegial alienado de sus padres que decide huir de casa y perderse en las calles y centros comerciales del Dios de Neón:la ciudad de Taipei. Ahí encontrará a Ah Tze, un joven ladronzuelo a quien Hsiao admira y envidia por su habilidad para manejarse en la ciudad de manera suelta y relajada. Rebels of the Neon God es la primera película de Tsai, uno de los directores más importantes del cine asiático contemporáneo, por lo que se pueden esperar las típicas fallas de una opera prima: falta de enfoque, problemas de estructura, poca experiencia del director, etc. Pero para aquellos como yo que tienen una fascinación por las representaciones cinematográficas de las grandes metrópolis, Rebels of the Neon God es una disfrutable travesía por la desorientación física y psicológica provocada por una ciudad ultra moderna pero a la vez emocionalmente fría como Taipei.

Filipinas

Summer Heat o Kaleldo (Brillante Mendoza, 2006). Filipinas tiene una industria de cine independiente y underground de larga tradición, a pesar de que su impacto en el tour festivalero ha sido mínimo. O así lo era hasta que llegó Brillante Mendoza, director cuyas películas han recibido reacciones muy mezcladas pero que ha logrado una de las hazañas necesarias para ganar prestigio internacional: convertirse en un favorito del Festival de Cannes. Mendoza ha filmado 8 películas desde su debut en el 2005 con la controversial Masajista, siendo esta su segunda película. Kaleldo es un drama familiar que sigue a tres hermanas, sus problemas amorosos y las cicatrices emocionales que les ha dejado su dominante padre. La historia no es nada que no se haya visto antes y la película en sí no es innovadora pero lo que si presenta una seguridad narrativa que permite a Kaleldo convertirse en un drama solido que empieza dubitativamente pero termina siendo interesante y conmovedor, especialmente el segmento enfocado en la hermana lesbiana y la interacción de la familia con su novia.

Tailandia

Tears of the Black Tiger (Wisit Sasanatieng, 2000). Tres años antes de que Apichatpong Weerasethakul alcanzara aclamación internacional con Blissfully Yours, Tears of the Black Tiger fue la película que puso al cine tailandés contemporáneo en el mapa al convertirse en la primera película tailandesa en ser seleccionada para competir en Cannes. Pero mientras que el cine de Weerasethakul está lleno de simbolismos a veces difíciles de descifrar, Tears of the Black Tiger es una película de puro entretenimiento que funciona como parodia de las películas de acción tailandesas de los 60’s (las cuales parecieran ser una mezcla de clichés provenientes del western de Hollywood y Bollywood) y como una celebración de todo lo kitsch y excesivo. Apropiadamente, los diálogos son genéricos y la trama, un romance imposible entre un bandido de clase baja y la correcta hija de un gobernador, no podía ser más predecible. Pero la explosión de colores sobresaturados, las escenas de acción exageradas, la “épica” banda sonora y la inventiva visual generalizada son suficientes como para hacer de Tears of the Black Tiger todo un espectáculo. A Tarantino de seguro le encantó esta mierda.

Hong Kong

Election (Johnnie To, 2005). Hablando de Tarantino, esta fue su película favorita del 2005. Election es una película del género de crimen en la que dos hombres pelean por el poder interno en una de las tríadas de Hong Kong. Al oír esa descripción uno bien podría pensar en que la película es pura matazón y baño de sangre. Pero en realidad la violencia es relativamente mínima (lo más seguro con la intención de que cuando aparezca se sienta como algo significativo en vez de algo monótono) y el filme se enfoca más en la conflictiva relación entre los dos hombres luchando por el liderazgo de la organización. Al parecer, no solo las familias tradicionales se han desintegrado durante la época de globalización. La “familia” criminal de la Tríada también ha sufrido problemas en la Hong Kong verticalmente celestial (podrá verse el cielo en Hong Kong estando uno en la calle?). Pero la película se queda a medio camino entre ser un estudio psicológico o una película de acción por lo que en ninguno de los dos frentes satisface. Es entretenida y para los fanáticos de este tipo de películas puede ser una muy buena opción, pero probablemente no es la mejor introducción al cine contemporáneo de Hong Kong.

Chungking Express (Wong Kar Wai, 1994). Esa introducción se la dejamos al mundialmente aclamado Wong Kar Wai, conocido por sus exploraciones de la cultura urbana de su natal Hong Kong. Wai favorece las escenas de noche, las calles congestionadas, los silencios atmosféricos y las miradas cómplices, todo acompañado con nostálgicas bandas sonoras. Y en Chungking Express es posible encontrar todas estas características. La película está dividida en dos historias relacionadas que comparten la “soda” Midnight Express como locación principal: en una un policía llamado He Qiwu, quien tiene dificultades para superar el rompimiento de su relación con su novia, intenta seducir el día de su cumpleaños a una misteriosa mujer de peluca amarilla y conexiones en el bajo mundo. En la segunda historia otro policía (quien no pareciera tener ningún tipo de relación con el primero) de igual manera sufre un reciente rompimiento sentimental al mismo tiempo que Faye, la nueva empleada del Midnight Express, se enamora de él.

Chungking Express muchas veces resulta ser visualmente intoxicante; pocos pueden filmar el caos organizado de una ciudad como Hong Kong de la manera tan estilizada que lo hace Wai. Pero si bien la película siempre logra mantener la atención, algunas secuencias se pasan de largas y pueden resultar excesivamente "quirky". Esto principalmente aplica para la segunda historia, la cual dura el doble que la primera pero es menos interesante que esta. Pero Wong Kar Wai rara vez falla y aunque esta película no llega a las alturas de un In The Mood for Love sí tiene suficientes elementos como para hacerla una parada recomendada.

Y bueno, hasta aquí llegó la plata (o el espacio en el disco duro). Quedan pendientes países como China, Malasia y Corea. Será para la próxima.

El autor recientemente se dio cuenta de que le atraen perdidamente las mujeres asiaticas. Probablemente estas películas tuvieron algo que ver.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Israel Adrián Caetano (Argentina)

2009-04-27T20:22:00.000-07:00

Israel Adrían Caetano nació en Montevideo, Uruguay pero desde su adolescencia vive en Argentina, país en el que ha realizado la mayor parte de su carrera profesional. Después de estudiar cine en Francia y Argentina, se dedicó a trabajar en televisión, filmar videos musicales y producir cortometrajes (uno de los cuales, Cuesta Abajo, ganó en 1994 un premio especial del Instituto Argentino de Cine). Su debut en la gran pantalla se daría hasta 1998 con la película que, según algunos, dio inicio a lo que se conoce como la Nueva Ola del Cine Argentino. Sea o no el verdadero responsable de iniciar este pseudo-movimiento (más un nombre dado por la prensa que otra cosa), no hay duda de que Caetano es uno de los cineastas más reconocibles y premiados (y evidentemente el más bonachón) de esta camada de directores argentinos.

Pizza, birra, faso es el nombre de este primer largometraje. Realizado con bajo presupuesto y actores novatos con una banda sonora cargada de cumbia (la música de los barrios populares argentinos), la película es una tragicómica visión de la juventud argentina en tiempos de cambio e incertidumbre socio-económica. Cordobés (Héctor Anglada) y Pablo (Jorge Sesan) son los líderes de una pequeña banda de ladronzuelos que se dedican a robar a los clientes de taxistas cómplices. Aunque Cordobés tiene una novia embarazada que le exige buscar un trabajo legítimo, los personajes masculinos no parecen estar muy preocupados por ganarse la vida honradamente prefiriendo timar y vagabundear la mayor parte del tiempo.

Como quedará evidente pronto, el interés de Caetano por los excluidos y outsiders de la sociedad es una característica de su filmografía y en esta película los personajes son victimas de una doble exclusión; además de jóvenes, son criminales y vagabundos. Aún con esto, la película no es un drama de realismo social sino que se encuentra más interesada en explorar las incertidumbres de una juventud que no está del todo segura acerca de cual es su lugar en la sociedad. La película misma no está muy segura del tono que desea lograr, ya que si bien se puede considerar como una tragicomedia, en general no es lo suficientemente cómica y se podría considerar que termina siendo demasiado trágica. Pero Pizza, birra, faso, a pesar de esos problemas que se le pueden achacar a la inexperiencia, es un debut auspicioso que retrata de manera convincente a un sector de la juventud argentina durante los años Menem.

Caetano repite el tema de los excluidos ahora sí siguiendo una vena más de denuncia social, con Bolivia lanzada en el 2001. Producida durante 3 años y filmada en blanco y negro con stock de 16mm que recuerda al neorrealismo europeo de la posguerra (tanto así que todos los personajes llevan el nombre de los actores que los interpretan), Bolivia cuenta la historia de un cocinero boliviano (Freddy Flores) y una mesera paraguaya (Rosa Sánchez) que trabajan como ilegales en una cafetería de Buenos Aires y la discriminación que enfrentan en su diario vivir.

A pesar de que Caetano simpatiza claramente con estos inmigrantes (recordemos que él mismo es uno de ellos), se cuida de no santificarlos en exceso e, incluso, nos lleva a simpatizar un poco con la situación económica que también afecta a los argentinos nativos que los lleva a desahogarse por medio de la xenofobia y el racismo. Contrario a lo que parece ser por el tema que toca, Bolivia es una película discreta y sobria (por lo menos hasta el final) que no busca sentimentalismo falsos o simplificaciones convenientes. Una mención especial se merece la música de Los Kjarkas, agrupación boliviana de música andina, cuyas canciones acompañan los pocos montajes con música no-diegética que ocurren en el filme.

La cumbia vuelve con un western contemporáneo ambientado en los barrios populares de la ciudad capital, Un Oso Rojo de 2002. Oso (Julio Chávez, actualmente en Epitafios de HBO) es un ladrón recientemente liberado de prisión quien busca volver a empezar una relación con su hija a quien apenas conoce al mismo tiempo que regresa a sus viejas andadas en el crimen. Oso es un criminal al mejor estilo del western o cine noir; duro, serio, de pocas palabras, temperamental y con un cigarro colgado perpetuamente de su boca. Otros aspectos de la película dibujan paralelismos con esos géneros: las calles sin asfaltar del barrio en que vive la hija de Oso recuerdan ligeramente a un pueblo del Oeste, el bar al cual frecuenta Oso se asemeja a una versión moderna de la vieja taberna y su exesposa recuerda a una clásica “damisela en peligro” que se enamora del anti-héroe en contra de su mejor juicio.

Lanzada justo después de los peores momentos de la crisis económico-política de Argentina, Un Oso Rojo trata temas tópicos como las penurias económicas de las clases populares y el creciente anti-autoritarismo. La correlación de un robo a mano armada con el himno nacional argentino representa una critica explicita hacia la clase política del país pero toda la película es un ejemplo de anti-autoritarismo al seguir las andanzas de un criminal quien se encarga de abatir símbolos de autoridad y de resolver cuentas pendientes con aquellos supuestos aliados que terminaron traicionándolo. En esta ocasión, Caetano utiliza otra vez al outsider pero con la intención de representar parte de la furia e impotencia que se encontraba en la sociedad argentina a inicios de década.

Si en Un Oso Rojo Caetano experimentó con elementos del western y el cine noir, con Crónicas de una Fuga (2006), su más reciente película, se encargaría de utilizar elementos del cine de terror para relatar la historia verdadera de Claudio Tamburrini (Rodrigo de la Serna), un portero de futbol que fue acusado erróneamente de pertenecer a un grupo terrorista en tiempos de la dictadura militar en Argentina. La película se enfoca en el tiempo que Claudio tuvo que estar detenido en la Mansión Seré, lugar en el que fue victima de torturas y abusos hasta que, junto con otros prisioneros, decidió jugarse la chance y escapar.

La Casa, tanto en su exterior como en su interior, es filmada al estilo de una típica casa embrujada, con ángulos distorsionados, sombras y colores oscuros por todo lado interrumpidos por el ocasional relámpago, y, especialmente, un diseño de sonido lleno de sonidos inquietantes, truenos en la lejanía y notas de piano desorientadoras. Interesantemente, la película resulta ser más claustrofóbica y tenebrosa en las pocas escenas que ocurren afuera de la casa ya que aquí es donde la película logra dar aunque sea una pincelada de la atmosfera que uno podría encontrar en una sociedad atemorizada bajo un estado policial. Pero a excepción de esos momentos, Crónicas de una Fuga es la película más débil de Caetano, con un enfoque demasiado limitado y excesivamente estilizado de lo que pudo ser una interesante exploración del sufrimiento de una sociedad durante una de sus etapas más oscuras.

Israel Adrian Caetano podrá no ser el director más simbólico, conceptual o visualmente interesante del Nuevo Cine Argentino, pero si es el más accesible. Lo positivo de esa accesibilidad es que no implica que su trabajo sea superficial y genérico, más bien todo lo contrario; su filmografía (especialmente sus primeras tres películas) nos muestra a un director de películas con un alcance universal pero al mismo tiempo muy personales al que no le da miedo experimentar con géneros y estilos diferentes. Y si se le presta atención, sus películas revelan sutilezas que presentan una visión intensamente política de la Argentina contemporánea.

Caetano se encuentra actualmente en la filmación de su quinto largometraje, No Necesitamos de Nadie.

Las Ciudades Invencibles de Camilo José Vergara

2009-04-16T00:17:00.000-07:00

Camilo José Vergara es un sociólogo chileno radicado en Nueva York desde 1970. A partir de ese año, Vergara se ha dedicado a tomar miles de fotografías de su ciudad adoptiva, documentando en el proceso los profundos cambios que esta metrópolis ha sufrido en las ultimas cuatro décadas. Especial atención le ha deparado Vergara a las zonas más pobres o descuidadas de la ciudad y los libros que hasta el momento ha publicado se encargan de re-evaluar la importancia de estas zonas por medio de un estudio de las causas del descuido que las llevaron hasta ese punto de deterioro y los procesos de revitalización y gentrificación (en los cuales usualmente se expulsa a los pobres de la zona para atraer a la clase media-alta) que se han llevado a cabo en los últimos años.

Mi primer contacto con Vergara fue fortuito. Buscando un libro fotográfico dedicado a trenes y sus estaciones (sí, desde hace unos años tengo una fascinación por los trenes, especialmente los subterráneos) me encontré en internet con "Subway Memories", libro en el cual Vergara presenta una colección de sus fotografías dedicadas al subterráneo neyorquino. Lo que más me llamó la atención al leer el libro fue la abundancia de imagenes dedicadas a los barrios más pobres por los que pasa este subterráneo. En esas imagenes el centelleante centro de Manhattan con su infinidad de rascacielos no es más que un espejismo lejano para aquellos neoyorquinos que se ven confinados a los deprimentes ghettos o slums de la ciudad. Sus otros libros, los cuales no he tenido la oportunidad de leer, también tratan temas relacionados a estas comunidades y demás construcciones como iglesias y cementerios que se pueden encontrar en ellas.

A partir del 2004, y gracias a una donación de la Fundación Ford, Vergara ha subido a la internet su proyecto más ambicioso. Bajo el nombre de Invincible Cities, esta página web almacena todas sus fotografías tomadas en tres comunidades: Harlem, Richmond (California) y Camden (Nueva Jersey). Lo que hace a este proyecto especialmente interesante es que Vergara suele fotografiar los mismos edificios y barrios repetidamente a través de los años entonces, por ejemplo, podemos observar 5 fotografías de la misma esquina del Harlem pero una tomada en 1976, otra en 1988, otra en 1995 e incluso se encuentran imagenes capturadas en este mismo año 2009. Todo esto nos da una perspectiva privilegiada para poder comparar los cambios que han sufrido estas comunidades, cambios que muchas veces suceden sin que los mismos residentes se den cuenta. El poder darle seguimiento a estos cambios inevitablemente desemboca en una mayor apreciación por los ambientes urbanos que nos rodean y las historias que llevan consigo a través de los años.

Sería interesante realizar un proyecto de esta manera en San José, especialmente en tiempos en que una modernización de esta ciudad se plantea como una seria posibilidad. Lo consideremos esteticamente agradable o no, el paisaje urbano que nos rodea es parte importante de nuestra historia e identidad y no merece ser olvidado.

Invincible Cities

Libros de Camilo José Vergara en Amazon

Wiki

Favela Chic?

2009-04-07T02:45:00.000-07:00

Desde ya hace unos años se ha hecho evidente un interés internacional por los asentamientos informales de los países en vías de desarrollo. Aunque estos asentamientos siempre han existido en las mayores ciudades del mundo, en los últimos 30 años se han multiplicado debido a las crisis económicas y al descuido del sector público que sufrieron estos países por muchos años. Pero es en las favelas de Río de Janeiro en las que la mayor cantidad de atención se ha depositado. Recopilaciones de música, pinturas, exposiciones fotográficas, páginas de internet, series de televisión y películas han proliferado en los últimos años dando muestra del creciente interés por estas comunidades tanto adentro como afuera de Brasil. Este interés internacional por las favelas no es exactamente algo nuevo, Michael Jackson ya había grabado este video musical a mediados de los noventa, pero se puede decir que se intensificó con el lanzamiento en el 2003 de la película Ciudad de Dios del director Fernando Meirelles, uno de los mayores éxitos del cine mundial de los últimos tiempos, al punto que obtuvo cuatro nominaciones para los Oscar (usualmente poco inclusivos con películas en idiomas extranjeros).

Enfocándose en las vivencias de un chico aspirante a fotógrafo apodado Busca pé, la película sigue, con un ritmo pulsante y mucha creatividad visual, la historia de la comunidad de Cidade de Deus desde sus inicios en los años 60 como un bien intencionado proyecto urbanístico hasta finales de los 80 cuando Busca pé busca salir de lo que ahora se ha convertido en una densamente poblada y peligrosa favela.

Ciudad de Dios es una película excitante, siempre entretenida, siempre energética; es una intoxicante explosión de color y pólvora en el medio de un lugar que rara vez se ha visto fuera de Brasil. Pero, al final de cuentas, Ciudad de Dios es una película enamorada de los criminales que retrata. Es cierto que el personaje principal, Busca pé, es un joven que se ha mantenido alejado del crimen. Pero también es cierto que es uno de los personajes menos interesantes y menos desarrollados. Su labor se reduce a ser la personificación en cámara de nuestros ojos. Si alguien hiciera una versión de la película sin Busca pé, la diferencia sería mínima (algo irónico considerando que la película dice ser basada en sus vivencias). Lo que a los creadores de Ciudad de Dios les interesa es Ze Pequeño, el narcotraficante sociópata que no lo piensa ni medio segundo antes de de desatar una lluvia de balas; y Benny, su mejor amigo y la voz de la cordura que evita que Ze Pequeño cause un derramamiento de sangre más grande de la cuenta.

Benny es el típico criminal con corazón de oro. Trafica drogas pero en realidad se preocupa más por pasarla bien y mantener la paz y buena vibra que otra cosa. Es un hippie que vende drogas para ganar dinero pero en realidad su corazón no está en ello. Es el personaje con el que más se simpatiza y, por supuesto, acaba muerto. Su completo opuesto (los opuestos se atraen aparentemente) es Ze Pequeño, quien a los 9 años ya había efectuado una masacre innecesaria en un motel al que estaba robando. Benny es la roca que mantiene en terreno seguro el edificio tambaleante que es Ze Pequeño. Al morir Benny, Ze Pequeño llora y nosotros lloramos con él.

La película parece decirnos que Ze Pequeño es un humano también. Que los criminales de la favela como él también son humanos capaces de formar relaciones afectivas. Pero mi principal problema con la película es que durante todo el resto del tiempo Ze Pequeño es mostrado como un psicópata adicto a la sangre que igual hubiera cometido asesinatos aunque hubiera nacido en un lindo suburbio de algún país primermundista. No hay nada que nos haga creer que el haber nacido en un ambiente violento es la causa de su comportamiento ya que la imagen de la favela que se nos presenta durante su niñez en los años 60 es una dominada por criminales inofensivos que reparten sus ganancias con el pueblo. Si acaso Mané Galinha, un personaje secundario que apenas aparece en el último tercio de la película, puede verse como un ejemplo de una persona normal empujada a cometer actos criminales debido a las circunstancias sociales que lo aprisionan. Pero Ze Pequeño simplemente mata por matar.

Mi otro problema con la película es su aspecto visual. En resumidas cuentas, la película es una belleza. Los colores son exóticos y provocadores. La cámara se mueve como si estuviera en el centro de acción. La banda sonora está llena de ritmos frenéticos. Nos emocionamos, nos deleitamos con ella, nos deja al borde de nuestro asiento. Hasta el punto de que a veces queremos estar ahí. En el medio de una favela. Con balas pasándonos a centímetros de nuestros cuerpos. Pero si hay algún lugar en el que no quisiéramos estar en la vida real es en una favela.

Ahora, no dudo de que estos lugares puedan tener su colorido y su idiosincrasia. Pero como otros documentales y películas nos lo muestran, las favelas son lugares sumamente peligrosos en los que una vida inocente puede extinguirse en cuestión de segundos. En Ciudad de Dios casi todo lo vemos desde la perspectiva de los criminales, invencibles con sus pistolas en mano y listos para abatir al que se les ponga enfrente. La policía, frecuentemente acusada de abusos, está prácticamente ausente. De la misma manera, los conflictos entre pandillas de favelas vecinas ni se mencionan.

Como ya lo mencioné, la película termina en los años 80, justo cuando unos niños peligrosamente violentos empiezan a aterrorizar a la Ciudade que años después, nos informa la película, vendrían a dominar. Nos queda la sensación de que a partir de ese momento las cosas en la favela solo empeoraran. Pero si la situación de verdad empeoró, entonces Ciudad de Dios funciona poco más que como un nostálgico álbum de recuerdos en la que las fotos de Punta pé nos devuelven a una época en la que los criminales tenían un corazón de oro y los únicos que causaban problemas eran aquellos con serios problemas mentales. Esto resulta evidente en una de las escenas de la película en la que Ze Pequeño celebra cuando una foto de él y su pandilla aparece en la portada de un periódico. Da la sensación de que si Ze Pequeño hubiera visto esta película, hubiera comprado cientos de copias para regalárselas a todos sus conocidos.

Pero entonces que otras perspectivas cinematográficas de las favelas podemos encontrar? Perspectivas que nos den un mayor contexto y nos permitan conocer más de la realidad social de estos lugares y el peligro que en ellas abunda. Con ese propósito escogí cuatro de las películas relacionadas con el tema que han sido lanzadas en los últimos años .

La primera de ellas y, la más vieja, es Noticias de una Guerra Particular, documental dirigido por Kátia Lund (luego co-directora de Ciudad de Dios) que funciona como una especie de estado de la cuestión y que causó controversia cuando fue transmitido en la televisión brasileña en 1998 debido a su presentación sin tapujos de la vida en las favelas. En el documental, Lund se interna en una de las favelas de Río para entrevistar tanto a civiles como a vendedores de droga los cuales explican el funcionamiento de la comunidad y los desafíos que enfrentan cada día.

Lo que queda claro al escuchar a los entrevistados es que la autoridad civil en las favelas es inexistente. Ni el gobierno ni la policía tienen mayor autoridad ya que, desde la perspectiva de los residentes de la favela, estos solo existen para proteger a las elites y así mantener el status quo de una sociedad injusta. Los narcos dominan el morro y, aunque son una autoridad inestable y peligrosa, desde la perspectiva de los civiles por lo menos son una autoridad.

Del lado de los narcotraficantes, se muestra como estos son involucrados en el negocio desde niños ya que es, irónicamente, lo único que los va a sacar adelante. Los modelos a seguir de estos niños no son doctores, ingenieros o artistas, son los tipos duros de la calle que se enfrentan sin miedo a la policía en mortales tiroteos que acaban con la vida de cualquiera que se atraviese. El objetivo final no es obtener una educación. Es matar policías, conseguir dinero, vestirse bien y conseguir mujeres.

La policía también se encuentra representada en el documental con entrevistas a varios oficiales. Uno de ellos se muestra especialmente crítico, no con los narcos de las favelas, sino con la clase alta y las elites políticas. El mencionado oficial critica que son los ricos los principales proveedores de dinero para los narcos ya que son los que les compran las mayores cantidades de droga. Por lo tanto, los “playboys” y los “alemanes” (como les llaman en las favelas) son también un enemigo. Se quejan de la policía pero la policía es la ultima línea que defiende los resorts exclusivos de estos ricachones del ataque de los criminales de las favelas (se resalta el hecho de que estos narcos tienen armas rusas, israelíes, estadounidenses y suizas que ni siquiera la policía de Rio tiene).

La imagen que termina pintando este documental es la de un desalentador círculo vicioso. Los policías odian a los narcos debido a los policías que estos matan. Los narcos odian a los policías debido a los excesos de estos al entrar a la favela. La guerra se termina volviendo personal. El resultado final siempre es el mismo: la muerte. Ya sea de un policía, de un criminal o de un inocente.

La siguiente película es Bus 174, documental del director José Padilha y lanzado en el 2002. Tomando como punto de partida el secuestro del autobús 174 por parte de un joven llamado Sandro en Rio de Janeiro, este documental explora el mundo de las favelas y de los niños que terminan saliendo de ellas solo para vivir una existencia deprimente en las calles de la ciudad. El documental se enfoca en Sandro quien nació en una de las favelas más peligrosas de Río y presenció como asesinaban a su madre a puñaladas cuando tenía tan solo 6 años. Huérfano, se va a vivir a las calles con otros niños de la favela. Ahí pasaban su tiempo drogándose con pegamento, pidiendo dinero a turistas y, cuando esto no era suficiente para sobrevivir, robándolo. Cuando tenía 10 años, Sandro presenció la Masacre de la Candelaria, suceso en el que un grupo de policías asesinaron a sangre fría a 8 de los niños con los que Sandro vivía en la acerca enfrente de la Iglesia de la Candelaria.

El resto de la vida de Sandro se limitaría a drogas, asaltos y estancias en la cárcel. Eso seguiría así hasta ese día de junio del 2000 en el que, aparentemente drogado, secuestraría un bus cerca del parque Jardim Botánico de Río de Janeiro. Exactamente que buscaba lograr Sandro con este secuestro es algo difícil de explicar. Sandro no tenía demandas específicas que hacerle a la policía. No tenía cómplices. No buscaba dinero. No buscaba matar a nadie. El secuestro de la única manera que puede dársele sentido es viéndolo como un grito de auxilio desesperado. La película deja claro que Sandro cometió un crimen. Pero también resulta evidente que Sandro no es ningún Ze Pequeño, no era alguien que secuestraba buses o robaba por el puro placer de hacerlo. Al contrario, era un joven cuya vida entera había sido una sucesión de tragedias hasta que en una de esas tragedias encontró el final de su vida.

La segunda película de Padilha y su primera de ficción es Tropa de Elite, una de las películas más populares en la historia reciente de Brasil y sorpresiva ganadora (inexplicablemente si me preguntan) del Oso de Oro en el Festival de Berlín del 2007. Mientras que Bus 174 se enfocaba más en las dificultades de crecer en una favela al mismo tiempo que presentaba una imagen un tanto negativa de la policía carioca, Tropa de Elite busca presentar el lado de la policía y su visión particular de los problemas en las favelas. Por eso, Tropa de Elite es basada en un libro del mismo nombre escrito por un sociólogo brasileño junto con miembros del Batallón Policial de Operaciones Especiales (o BOPE) de Rio de Janeiro. Es este batallón el encargado de entrar en las favelas más peligrosas de la ciudad.

El filme se enfoca en tres personajes: el Capitán Roberto Nascimento quien, debido al reciente nacimiento de su hijo, decide retirarse y sus dos posibles reemplazantes Gouveia y Matías. El Capitán es fuerte, violento y frío) Gouveia es impulsivo pero determinado a mantener el orden y Matías es abierto, calmado y analítico. Es a este ultimo al que la película le dedica el mayor tiempo ya que, al mismo tiempo que trabaja en la policía, estudia filosofía en la universidad lo que lo lleva a entablar amistades con varios jóvenes que critican regularmente las acciones de la policía.

En la película, vemos las carencias con las que tiene que lidiar el departamento de policía. Carencias que llevan a muchos policías a pasarse al “lado oscuro” y colaborar con las mismas pandillas que deberían estar deteniendo (por ejemplo, oficiales corruptos proveen muchas de las armas que se utilizan en las favelas a cambio de una buena suma de dinero). Lo que es más, es tanta la corrupción que se encuentra en la policía que un policía honesto eventualmente va a ser eliminado por sus mismos colegas debido al riesgo que representa. El punto más interesante que hace la película, y que ya había sido mencionado en los dos documentales anteriores, es la culpa implícita que tiene una sociedad que se indigna fácilmente por los abusos de los policías al mismo tiempo que no hacen mayor cosa por mejorar la situación de los habitantes de las favelas.

Varios críticos en el tiempo que salió esta película la atacaron por “fascista” y por favorecer un exterminio total de los narcos de las favelas por parte de la policía. Esto debido a que la BOPE es representada como poco más que una maquina de matar bien aceitada. En mi caso, el efecto fue todo lo contrario. A pesar de sus intentos, es claro que Padilha no tiene la misma simpatía con los policías que la que tiene con los habitantes de las favelas. La de Sandro en Bus 174 era una historia relatada como una tragedia humana de alto nivel emotivo. En Tropa de Elite, prácticamente todos los policías excepto Matias son retratados como monigotes violentos, corruptos y sin conciencia. Incluso el Capitán Nascimento, a pesar de que se le intenta dar un lado más humano con el inminente nacimiento de su primer hijo, termina siendo poco más que un matón uniformado. La película deja claro que fueron las circunstancias de violencia imperante las que llevan a estos policías a convertirse en miembros del escuadrón elite (elite en asesinatos y torturas), de la misma forma que fue la violencia y muerte imperantes las que llevaron a Sandro a secuestrar un bus. Pero la BOPE es retratada de una manera tan mecánica y desinteresada que pronto el desenlace se vuelve predecible y aburrido.

Favela Rising es la última de las películas que reseñaré en este artículo con la idea de cerrar en una nota optimista, después de tanta violencia y muerte. Este documental de Jeff Zimbalist habla acerca de Anderson Sá, creador y líder del movimiento cultural Afro-Reggae, el cual combina poesía y denuncia social con ritmos africanos y altos niveles de energía. Afro-Reggae nace cuando Anderson se da cuenta que la única manera de que él y otros como él puedan salvarse de un sangriento destino es por medio de la cultura y la información. Pero competir con el crimen, las drogas y el dinero no es una tarea fácil y Sá es muy consciente de que por cada niño o joven que logre involucrar en su movimiento habrá otros tres listos para unirse a las bandas de narcotráfico. Aún así, él y sus colaboradores del movimiento Afro-Reggae están comprometidos con lo que llaman el efecto Shiva, la habilidad de sacar algo nuevo, creativo y bello de la destrucción de las favelas.

Favela Rising es la primera película de las reseñadas en la cual sus sujetos se abstienen de criticar a la sociedad y al gobierno. Incluso las críticas a la policía son menores comparadas con los otros documentales. Es aquí en la que por primera vez se plantea la idea de un cambio desde adentro; si el gobierno y la seguridad no llegan a las favelas, entonces en las mismas favelas nacerá una conciencia de que solo ellos como residentes son los que tienen la obligación de mejorar las condiciones de vida de sus comunidades. Ciertamente algo difícil, como lo muestra en detalle el mismo documental, pero no imposible.

Las audiencias en general buscan el escapismo. Y aún cuando se busca una visión de la realidad, se espera que contenga filtros que eliminen la crudeza existente en el mundo. En Ciudad de Dios se nos dan las herramientas para celebrar la emocionante vida de los criminales en todo su colorido y pulsante esplendor (escapismo) al mismo tiempo que se nos presenta a cuentagotas la cruda realidad detrás de los bailes al ritmo de James Brown (visión de la realidad filtrada). Al ver Ciudad de Dios pretendemos asquearnos de la violencia al mismo tiempo que nos entrenemos al observar al equivalente de ratones corriendo en su jaula.

Las otras películas aquí mencionadas podrán tener sus fallas (particularmente Tropa de Elite) pero por lo menos buscan que entendamos a estos personajes, no que simpaticemos con ellos. Intentan hacernos comprender la tragedia de sus vidas, no que sintamos la emoción de sus persecuciones a balazos. La favela es un lugar serio, desesperanzador y sofocante. Claro que hay colorido y hay intentos de superación. Pero como nos lo muestra Favela Rising, aún esos rayos de sol siempre están bajo el riesgo de ser eclipsados por una violencia siempre presente.

Noticias de una Guerra Particular, Bus 174, Tropa de Elite y Favela Rising se hacen preguntas importantes acerca de la sociedad, el arte, la autoridad, la corrupción, el consumo y venta de drogas y como se relacionan con la condición de las favelas. Gracias a Ciudad de Dios estas otras películas se han hecho más conocidas alrededor del mundo. Pero gran la parte de la audiencia no cinéfila va a ver solo Ciudad de Dios y va a pensar que las favelas son un lugar violento y peligroso pero a la vez excitante y exótico. No encontramos causas ni consecuencias, la violencia es simplemente obra de sociópatas de fácil dedo en el gatillo. Estando las favelas tan lejos de nosotros, se corre el riesgo de eliminar el sonido de las balas y enfocarnos solo en lo atractivo. En lo chic.

Ry Cooder y su Trilogía Californiana

2009-03-27T00:11:00.000-07:00

Ry Cooder, maestro de la guitarra slide en una carrera que lleva ya casi cuatro décadas, ha sido más reconocido en los últimos años por su participación en bandas sonoras para películas de cineastas como Wim Wenders y, principalmente, por organizar y producir la reunión del afamado Buena Vista Social Club. Fue hasta el 2005 que Cooder volvió a trabajar en un proyecto completamente personal, lanzando ese año el primer disco de lo que vendría a ser una trilogía de discos conceptuales dedicados a su California natal.

Chávez Ravine es un disco/documento histórico que busca relatar la historia de la desaparecida comunidad angelina de Chavez Ravine y su eventual destrucción para dar lugar a lo que vendría a ser el Dodger Stadium. Chávez Ravine estaba poblada a mediados del siglo pasado principalmente por inmigrantes mexicanos y Cooder, sabiamente, decide darle gran espacio a voces mexicanas, algunas de las cuales, como la del padre de la música chicana Lalo Guerrero, vivieron en Chávez Ravine antes de su destrucción. Por lo tanto, el lenguaje tanto vocal como musical del disco en su mayoría es el español por lo que se repasan géneros originados al sur del Río Grande como los corridos, los guaraches, el boogie y la rumba.

Líricamente, el disco nos presenta incontables perspectivas que nos ilustran una nostálgica imagen de lo que eran las comunidades hispanas de Los Ángeles en los años 50. Tenemos a estadounidenses maravillados al ver por primera vez a Chávez Ravine, a la exasperada madre quejándose de la rebelión de su hija adolescente, a los pachucos peleándose con los marinos estacionados en Los Ángeles durante la guerra, a los administradores de la ciudad planeando la destrucción de la comunidad, al operador de la bulldozer encargado de traerse abajo las casas, al melancólico anciano rememorando acerca del viejo barrio y, como pieza central, la visita de un extraterrestre que trata infructuosamente de alertar a la comunidad de su inminente destrucción. Y para aquellos que se nos para el pecho con cualquier mención de Costa Rica en algún medio internacional el disco cierra con un poema costarricense titulado Luz y Sombra (el cual Cooder dice que encontró por primera vez escrito en un árbol durante una visita a nuestros bosques nublados) el cual sirve como una especie de celebración de aquellos tiempos en que los humanos nos encontrábamos rodeados más por arboles y plantas que por edificios y autopistas.

Con el segundo disco de la trilogía, lanzado en 2007 bajo el titulo de My Name Is Buddy, Cooder pone su atención en las primeras décadas del siglo XX, época fértil para lo que fue el inicio de la organización laboral estadounidense y sus luchas por mejores condiciones de trabajo. Estados Unidos, siendo una sociedad liderada por magnates a los que siempre les fue más conveniente exaltar el mito del éxito individualista, le pasó el bulldozer por encima a estos tiempos de rebelión sindicalista pero, al igual que con Chávez Ravine, Cooder lo rescata de los escombros para relatar la historia de una Norteamérica ahora desconocida.

En esta ocasión los protagonistas son un gato rojo llamado Buddy, un ratón de nombre Lefty y el Reverendo Tom, un sapo negro (con la aparición especial de J. Edgar Hoover representado como un cerdo intolerante). Ellos tres recorrerán toda California organizando y participando en huelgas laborales, viajando en trenes, sufriendo golpizas por parte de la policía, huyendo de pueblos racistas, quejándose del desinterés de los políticos para con la clase trabajadora y, por supuesto, enamorándose de simples chicas de granja (como dato interesante, en este disco también aparece un extraterrestre, en este caso, un perro verde). My Name is Buddy nos lleva por un viaje musical que nos recuerda el folk, blues, country y bluegrass que hizo famosos a artistas como Pete Seeger (el cual, a sus ochenta y pico de años, aparece en el disco). Musical y líricamente es un disco menos exuberante que el Chavez Ravine pero no por eso menos nostálgico por una época en que la solidaridad y la hermandad eran una prioridad para gran número de estadounidenses.

El ultimo capitulo de esta trilogía es I, Flathead el cual se enfoca principalmente en la vida y milagros de Kash Buk, un corredor de automóviles en los desiertos salinos de California (el “flathead” del título es un tipo de motor para un Ford). Manteniéndose fiel a sus costumbres, Cooder nos recuenta esta vez también a una subcultura olvidada de corredores de automóviles que viajan hasta las temperaturas inaguantables del desierto con el único motivo de darle rienda suelta a su adrenalina. Líricamente, el disco es menos coherente y lineal (probablemente debido a que la historia viene relatada principalmente en un libro que acompaña el disco). Pero nos remite a una época de forajidos inquietos cuyas casas eran moteles y cuya vida era dedicada a sus carros de carreras. En el camino encontrarán amor, lujuria, dolor y, no podían faltar, extraterrestres. Musicalmente no es tan interesante como los anteriores dos discos, sigue un mapa musical relativamente predecible con roots rock, folk, country, música tex-mex, etc. Pero es un más que disfrutable punto final para esta trilogía californiana (además de que incluye una de las mejores canciones en estos tres discos, 5000 Country Music Songs).

Ry Cooder volvió de su estancia en Cuba con una celebración de su país natal. Pero no es una celebración ciegamente patriótica, sino que lo que busca es resaltar esas cualidades que hacen de Estados Unidos una gran nación: su diversidad, solidaridad y libertad para hacer de la vida lo que cada uno quiera con ella. Los villanos de estos discos son, apropiadamente, las fuerzas de la represión, la intolerancia y el egoísmo. En su totalidad, esta trilogía funciona como un comentario político de repudio a los valores que han venido a definir a Estados Unidos desde los años de Reagan de la misma manera que funciona como una celebración de la música y cultura de la nación más grande del mundo.

Links:

Chavez Ravine (Rapidshare)

My Name Is Buddy (Rapidshare)

I, Flathead (mediafire)

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Lucrecia Martel (Argentina)

2009-03-15T19:57:00.000-07:00

Este es el primero de lo que se espera sea una serie regular de perfiles dedicados a algunos de los más interesantes directores nuevos de Latinoamérica. Para empezar, nos trasladamos al sur del continente para reseñar el trabajo de la directora argentina Lucrecia Martel.

Lucrecia Martel nació en 1966 en la ciudad de Salta al norte de Argentina. Es en esta zona cercana a Chile y Bolivia en la que se encuentran las ultimas comunidades de indígenas argentinos, maltratados históricamente por gobiernos que se han encargado de profundizar la identidad euro céntrica del país. Hasta el momento todas sus películas han sido filmadas y localizadas en esta ciudad y sus pueblos aledaños, una particularidad especialmente importante si consideramos que Argentina es un país sumamente centralizado en su capital Buenos Aires, la cual está localizada a miles de kilómetros de Salta.

Martel asistió a varias escuelas de cine durante su formación, aunque se considera a sí misma como una autodidacta ya que su mejor educación la recibió viendo películas, leyendo libros y simplemente pensando libremente. En 1988 filmó su primer corto El 56, seguido por Piso 24 y Besos Rojos. En 1995 su corto Rey Muerto apareció como parte del filme antológico Historias Breves I, el cual daría a conocer al mundo cinematográfico algunas de las nuevas voces que vendrían a definir el cine argentino del nuevo milenio. En ese mismo año trabajo en la serie de televisión D.N.I. pero sería hasta el año 2001 en que Martel, a los 34 años, completaría su opera prima.

La Ciénaga empieza con una surreal escena en la que un grupo de adultos intoxicados caminan sin dirección ni rumbo en un completo aturdimiento al lado de una sucia piscina. Mecha (Graciela Borges), dueña de la casa y anfitriona de lo que en algún momento fue una fiesta, resbala y cae al piso hiriéndose en el proceso con el vidrio de un vaso de champagne que sostenía en el momento de la caída. Pero a pesar de que Mecha está visiblemente herida sin poder levantarse, ninguno de los demás adultos se ofrece a ayudarla estando muy ocupados con su propio estupor alcohólico. Tienen que ser sus hijas quienes salen corriendo desde la casa a ayudarla y llevarla al hospital.

Estos primeros minutos de La Ciénaga funcionan como el marco en el que vendrían a dibujarse las siguientes dos películas de Martel. La Ciénaga es una película que habla de la desconexión de los adultos con el mundo que los rodea. La Mecha, rodeada por una familia extendida que no puede controlar, asolada por el extremo calor del verano salteño y acompañada por un incompetente esposo obsesionado por verse más joven, se refugia en el alcohol y en la comodidad de su cuarto para no enfrentar la realidad que la rodea. Su prima, Tali (Mercedes Morán), aunque en apariencia más centrada y contenta con su vida, también se encuentra en busca de una salida al sentirse atrapada al igual por su gran familia, su pequeño apartamento que no da abasto y su responsable pero sobreprotector esposo. Ambas planean un viaje a Bolivia para escapar momentáneamente de sus vidas, un viaje que desde el inicio tiene pocas posibilidades de concretarse.

Este sentimiento de claustrofobia y opresión experimentado por los dos personajes principales es otra constante en el cine de Martel. En este caso, esta claustrofobia se ve representada en la hacienda de Mecha la cual, deteriorada, lúgubre y llena de sombras, se levanta como otra barrera más que se impone en el camino de los personajes. La hacienda es un refugio ante el trajín de la ciudad pero también es una prisión que detiene a sus habitantes en un caluroso momento detenido en el tiempo. Las mujeres, confrontadas con ese opresivo presente, deciden escaparse de la realidad lo que las hace desconectarse no solo entre si mismas sino que también con sus propios hijos. Las hijas e hijos de Mecha y Tali viven su realidad aparte, descubriendo su naciente sexualidad en el medio de este claustrofóbico ambiente y comportándose muchas veces de una manera más racional que la de los adultos. Martel claramente siente una mayor conexión con sus actores más jóvenes, conexión que se volverá más explicita en su segunda película.

La Niña Santa (2006) toma lugar casi que completamente en el interior de un viejo hotel en el que viven Amalia (María Alche), una adolescente religiosa en pleno despertar sexual, y su madre Helena (Mercedes Morán), una atractiva mujer cuyo ex-esposo (y padre de Amalia) recientemente ha anunciado que tendrá mellizos con su nueva pareja. Además, en el hotel en el que viven, el cual es propiedad de la familia de Helena, se está realizando un congreso de doctores psiquiátricos. Uno de ellos, el callado y socialmente torpe Doctor Jano (Carlos Belloso), pronto mostrara un interés especial tanto por Helena como por Amalia.

Algunos de los temas que se empezaron a explorar en La Ciénaga serán desarrollados más profundamente en esta película. Un aspecto clave de La Niña Santa, que apenas fue tocado en un par de escenas en la película anterior, es el de la religiosidad. Amalia y su mejor amiga Josefina reciben constantemente lecciones de religión en las que se discuten repetidamente temas relacionados con la vocación de la mujer para una vida dedicada a Dios. Las chicas, a pesar de que reaccionan burlonamente a lo dicho en las clases, se ven muy influenciadas por ellas y esa religiosidad llega a tomar un papel preponderante en el despertar sexual de ambas, especialmente de Amalia.

A diferencia de las chicas, los adultos en la película carecen de espiritualidad alguna. Más bien, se hunden en la resignación y el vacío emocional. Esto es ciertamente el caso de Helena quien prefiere encerrarse en la familiar estructura del hotel en el que creció antes de seguir con su vida, a diferencia de su ex esposo. Los hombres de la película son todavía más débiles. El hermano de Helena lleva años sin hablar con sus hijos que se encuentran en Chile pero no encuentra el valor para llamarlos. Y el Dr. Jano, en apariencia calculador e inteligente, se encuentra prisionero de sus propios deseos carnales que lo dejan en una situación moralmente inaceptable. La Niña Santa rescata la inocencia de la juventud y critica la evasión y resignación de la clase media-alta argentina, la cual al verse enfrentada con una realidad complicada prefiere encerrase en su propio mundo. A mí parecer, una de las mejores películas latinoamericanas de los últimos años.

La tercera, y hasta ahora última película de Martel, pondrá explícitamente en el tapete esta inmovilidad de una clase media-alta sorprendida al toparse con eventos cuyo desenlace no esperaban. En La Mujer Sin Cabeza (2008), una atractiva mujer de edad media llamada Verónica (María Onetto) atropella a un perro mientras conduce descuidada por una solitaria carretera. Al escuchar el golpe, se detiene brevemente pero luego decide seguir con su camino sin bajarse del carro para observar la gravedad del daño que infligió. Pronto empieza a ser carcomida por la culpa. Habrá sido de verdad un perro? O habrá atropellado más bien a una persona? Porque no se bajó a revisar como lo habría hecho cualquier persona sensible?

Si en La Ciénaga y en La Niña Santa los personajes adultos compartían espacio con jóvenes y niños cuya inocencia y sentido de descubrimiento los ponían como la contraparte de los confusos adultos, en La Mujer Sin Cabeza el enfoque se traslada completamente a una sola persona, la mujer del titulo. A diferencia de las otras películas, no hay gran ensemble de actores propio del lugar en que están ubicados (una gran hacienda o un hotel). En La Mujer Sin Cabeza la cámara se enfoca completamente en la mujer, observando con detalle su incapacidad para llegar a término con el accidente del que fue culpable. Poco a poco, Verónica pierde contacto con su familia y amigos hasta llegar a habitar un mundo en el que su propia cabeza se encuentra rodeada por una niebla que la hace incapaz de comprender el mundo que la rodea.

La Mujer Sin Cabeza es la película más claustrofóbica, desbalanceada y macabra de Martel, recordando incluso en unos breves momentos a la obra de Lynch. En esta película ya no hay haciendas u hoteles o hijas en descubrimiento sexual ni doctores atractivamente enigmáticos, aquí solo hay una mujer y la prisión mental en la que se ha encerrado. No solo eso, sino que esta película viene a desarrollar uno de los temas que Martel había introducido silenciosamente en sus dos anteriores películas: el maltrato que sufren los indígenas en Argentina. Borrados casi que completamente de la historia del país, en las pocas ciudades en las que se les encuentra como en Salta se dedican a realizar trabajos mal remunerados como el de mucama, lavacarros o cocineros. La Niña Santa empieza con unos niños indígenas jugando con su perro al lado de la carretera, mismo perro que Verónica atropellaría tan solo minutos después. Pero, como ya se mencionó, en su mente queda la duda de si en verdad atropelló al perro. O habrá atropellado a uno de los indígenas? No tiene forma de saberlo. Ella simplemente siguió con su camino sin mirar atrás.

Las películas de Martel, en general, están llenas de ricas metáforas abiertas a la interpretación del espectador. Pero sus películas evitan hundirse bajo el peso de su simbolismo (aunque esto no es del todo cierto con La Mujer sin Cabeza, película especialmente difícil y desconcertante que no será del agrado de muchos). Estas tres películas están realizadas por una mano experta que sabe manejar los hilos narrativos y emocionales y combinarlos de manera apropiada con sus inclinaciones más simbólicas para lograr trabajos que se pueden analizar y sentir al mismo tiempo. No son películas para todos, no es entretenimiento puro. Pero tampoco son intelectualismos excesivamente desligados. Martel siempre guarda un nivel de simpatía con sus personajes que nos hace entender sus comportamientos y decisiones al mismo tiempo que los criticamos. Probablemente la más exitosa y respetada de los directores del Nuevo Cine Argentino, Martel es perceptiva y critica, desnudando a sus personajes hasta revelar contradicciones que no solo son muy argentinas, sino que también son universales.

"Fake Empire"

2009-03-15T12:11:00.000-07:00

"Fake Empire" fue lanzada como la primera canción de un disco llamado Boxer, del 2007, su autoría: The National, esa banda de la foto tomada en la boda del productor del disco. Para escuchar la canción mientras lee lo siguiente, aquí.

Bienvenido, 2007.

No convenceré para que sea el himno de una generación, la mejor canción de una década, mucho menos aquello que quiera tener en repeat toda mi vida. No soy nadie para eso, no tengo la reputación, es el oyente que se dará cuenta de lo que se perdió por dos años, talvez.

La atmósfera que crea la portada; una fotografía en blanco y negro, parejas bailando y una banda al frente; es la que refleja el sentimiento de quedarse viendo a lo largo del disco. Oscura pero, a la vez, tan pasiva.

Unas notas de piano, suave y tranquilo como siempre, y la sensación de estar ahí, en la boda de la fotografía, en una silla simplemente poniendo atención, empiezan una canción que, lo admito, quiero escuchar por el resto de mi vida.

Stay out super late tonight.
Picking apples, making pies.
Put a little something in our lemonade and take it with us.
We're half awake in a fake empire.

Una voz de 25 cigarrillos al día que parece no esforzarce ni ser vehemente y solo estar ahí para decir lo que quiere decir. Probablemente no vaya a hacer nada al respecto pero pudo comunicar sus ideas. La comunicación es excelente y, aunque no hay retroalimentación per se, todos creemos saber lo que aquella estrofa y las otras dos significan.

...Aunque estemos medio despiertos/medio dormidos en un imperio falso.

Tiptoe through our shiny city.
With our diamond slippers on.
Do our gay ballet on ice.
Bluebirds on our shoulders.
We're half awake in a fake empire.

Las distracciones después de esta estrofa son mayores, una batería que parece querer hacer lo que sea pero es otro engaño; a tempo, perfecta armonía con bajo. Y esas distracciones al fin de cuentas son mucho más importantes que todo lo demás, con estas tenemos poco control de todo lo que nos rodea. Estas distracciones incluyen trompetas al final, un aterrizaje inofensivo.

Turn the light out say goodnight.
No thinking for a little while.
Let's not try to figure out everything at once.
It's hard to keep track of you falling through the sky.
We're half awake in a fake empire.

Ese Presidente de Alguna República, aún con buenas intenciones, no lo logrará. Dos seres humanos hundidos en el amor, por más perfecto que aquello sea, no lo lograrán. Mejor no tratemos de encontrarle sentido a todo de una sola vez, no lo lograremos. Esperemos no hayan consecuencias por aquello que vamos a posponer pero ocupamos disfrutar de EL viaje.

Cierto que hay que disfrutarlo mientras dure, mientras estemos semi-despiertos.

Juzgue usted, personalmente la selecciono como una de las mejores obras de arte de nuestros tiempos. "Fake Empire", ¡señoras y señores!

klub7

2009-03-08T00:20:00.000-08:00

klub7 es un colectivo de 6 diseñadores y artistas alemanes cuyo nombre nos puede llevar a relacionarlos mentalmente con aquel recordado grupo de pop inglés que tanto nos gustaba en nuestra pre-adolescencia (una de sus canciones incluso fue cantada a lágrima viva en mi graduación de primaria). Pero este klub7 no podía estar más lejos de ese otro club de 7. Estos se enfocan principalmente en un street art políticamente correcto.

Aunque la mayoría del street art suele ser subversivo y clandestino, los chicos buenos de klub7 le piden permiso a los dueños de las paredes antes de empezar a hacer su trabajo. Una vez que cuentan con el visto bueno del dueño, llenan las paredes de gráficos y figuras coloridas que poco o nada tienen que ver con crítica social.

Ahora más bien son los dueños de los edificios los que les piden que hagan trabajos en sus paredes. Pero tampoco se limitan solo a la calle, sino que también se sienten cómodos trabajando en las paredes de tiendas, galerías, clubs y casas particulares. De la misma manera, han realizado portadas de discos y campañas publicitarias para diseñadores de moda.

En fin, esto es el street art hecho comercio. Dejando atrás el anti-materialismo y la ilegalidad, klub7 celebra todo lo placentero, lo colorido y lo atractivo. En el camino, ha embellecido las paredes de su Halle natal hasta llegar a participar en algunas de las exposiciones de arte más importantes del mundo. Y como en La Chop Shop también nos gusta lo colorido y atractivo, desde hoy uno de los murales de klub7 acompaña el ahora un poco menos aburrido diseño de nuestro blog.

Para terminar, aquí queda un pequeño reportaje que les hicieron en el programa Arts21 de DW-TV (el cual se transmite en Costa Rica los domingos a las 00:30 a.m.).

KLUB7 on DW-TV from KID CASH // KLUB7 on Vimeo.

Página oficial con decenas de imagenes y videos con ejemplos del trabajo del colectivo.