Café Lumiére

Mas o menos así se ha visto este blog en las ultimas semanas. La razón: he estado procrastinando más de la cuenta. Pero sí tuve la fuerza de voluntad para escribir esta columna publicada en la excelente página/foro/refugio-de-seres-en-peligro-de-extinción 89decibeles. Habla del fin del cine o, mejor dicho, el fin de los cines. La idea es que sea una columna regular en donde hablaré de cosas relacionadas con el cine, aunque una que otra vez invitaré a algún cumbianchero para que nos alegre la noche con un buen bailongo en el Café.

Y bueno, para el par de gatos que revisan este blog, próximamente se viene una segunda parte del Jammin' que escribí hace unas semanas. Esta vez dejaremos atrás la radio para enfocarnos en la televisión. Y después de eso, seguiremos el trayecto por el cine latinoamericano con un vistazo al cine boliviano. Claro, todo eso pasará si dejo de perder el tiempo en estupideces como, por ejemplo, ver todos los hijueputas programas que da MTV.

Dale que uno puede tener un guilty pleasure. O varios.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Paz Encina (Paraguay)

Paz Encina nace en 1971 en el Paraguay, un país con una historia cinematográfica muy limitada. Como lo de ella era el cine, se va a Argentina a estudiar en la Universidad del Cine de Buenos Aires, institución en la que consigue licenciarse en Cinematografía en el año 2001. Pero desde 1996 ya había empezado a obtener aclamación y galardones con cortos como "Rastros", "La siesta", "Los encantos del jazmín" y "Supe que estabas triste". Gracias a ese temprano éxito, logró atraer la atención de productores internacionales de la talla de Lita Stantic que la ayudarían a realizar su primera película.

La Hamaca Paraguaya (2006), primer película hablada en guaraní, se desarrolla íntegramente en un solo día, de amanecer a anochecer, en un aislado paraje selvático del Paraguay. El año es 1935 y la Guerra del Chaco, entre Paraguay y Bolivia, se encuentra en su etapa final. Nuestros protagonistas, Cándida (Georgina Genes) y Ramón (Ramón del Río), son una pareja de ancianos cuyo hijo, Maximiliano, se marchó con el ejército para combatir en la guerra. La mayor parte del día la pasan discutiendo acerca del paradero de su hijo, el extenuante calor que los envuelve, la perra que no deja de ladrar y la tristeza que los embarga a ambos. En el transcurso del día, se darán cuenta que la Guerra ya ha terminado y que su hijo nunca volverá a su lado.

Este filme ha sido reconocido por emplear un lenguaje visual muy riguroso y restrictivo, con un número muy limitado de planos y encuadres y una cámara completamente estática; durante más de la mitad de la película lo único que vemos es una lejana toma estática del claro en la selva en el que está colgada la hamaca. Los diálogos (todos en guaraní) aparecen solamente en voice-over, incluso los personajes nunca mueven sus bocas en cámara (aún cuando están hablando). El efecto es un poco desorientador, resaltando una falta de unidad interna, tal vez causada por la muerte del hijo soldado (el cual también tiene una aparición exclusivamente vocal que se podría describir como fantasmal).

La rigurosidad continúa con la cara de los dos personajes, las cuales nunca aparecen en close-up y lo más que vemos de ellas son tomas de perfil. Nunca vemos a los personajes de frente, la mayoría de tomas se encuentran a una distancia que hace difícil distinguirles los rasgos. Esto puede ser un comentario acerca de cómo los paraguayos, al prácticamente no tener un cine nacional, no tienen una cara ante el mundo exterior. O a lo mejor para indicar que estos dos personajes no son solo individuos sino que son representativos de toda la paraguayada, con su melancólico y colectivo anhelo por un futuro mejor. Lo que es cierto es que la relativa radicalidad formal de la película no está ahí por pura indulgencia sino que es el cimiento que sostiene toda la película.

Claro que Hamaca Paraguaya no es solamente una película aplaudible por su austeridad formal. El relato del filme vale la entrada por sí mismo, una conmovedora historia acerca del paso del tiempo, la desesperanza, la melancolía y la mortalidad contada de la manera más simple posible: con la incesante discusión de dos viejos cuyo deseo por la vida parece haber terminado y que parecen unirse solo por medio de la hamaca paraguaya, el símbolo del puente entre la vida y la muerte. Paz Encina ha comentado en entrevistas que en su película buscaba representar el temperamento del paraguayo: tranquilo y melancólico. Esa impresión es lo que nos queda después de ver Hamaca Paraguaya la cual cierra, en sus últimos segundos, con una tormenta que se avecina. Premonición tal vez de que, a pesar de que la Guerra ha terminado, los problemas para el Paraguay están lejos de resolverse.

La Hamaca Paraguaya ha sido presentada como la primera película producida en Paraguay desde los 70’s y la primera en haberse estrenado en Cannes. Investigando un poco más, me encontré con otras películas paraguayas (algunas en coproducción con Brasil) que se han filmado desde los años noventa. Pero encontrar algo de estas películas en la Internet es prácticamente imposible. Sospecho que en el mismo Paraguay las cosas no deben ser muy diferentes. Algo que no debería sorprender ya que, si consideramos su pobreza y estrecho mercado interno, Paraguay no es un país optimo para servir de terreno fértil para una industria cinematográfica. Aún así, cada pueblo se merece un cine nacional, un cine que permita darle una cara humana de ese país al resto del mundo. Paz Encina ha empezado ese proceso con su sobresaliente Hamaca Paraguaya, una de las mejores películas latinoamericanas de los últimos años y un más que digno debut del Paraguay en la escena cinematográfica internacional.

Encina se encuentra trabajando actualmente en su segunda película, "La belleza de la infancia".

Jammin' No. 1: Radio Alice

Hace unos días vi la aclamada cinta italiana Il Divo, basada en la vida política de Giulio Andreotti, siete veces primer ministro de Italia durante la Guerra Fría. Más allá de que todavía estoy debatiendo a lo interno los meritos de la película (pasé de considerarla superficial a tenerla como una de las mejores películas que he visto recientemente), me llamó mucho la atención la banda sonora compuesta por el italiano Teho Teardo. Después de darme una vuelta por su página web, me encontré con que también había compuesto la música para otra película tana llamada Lavorare con Lentezza. Un impulso me llevó a bajar la película sin saber nada de ella.

No voy a hablar mayor cosa de la película porque ese no es el punto de esta entrada. Basta decir que a la película la disfruté harto; bien actuada, con fino guión co-escrito por los Wu Ming (un aclamado colectivo de escritores italianos cuyos trabajos se ven muy interesantes) y con una cinematografía granulada y oscura que le da un toque de "viejo" que me vuelve loco. Fiel a la tradición de Wu Ming, cuyos libros están disponibles para bajar gratuitamente en su página de internet, Lavorare con Lentezza también se puede bajar sin remordimiento de conciencia (ja!) aquí.

En todo caso, todo esto lo menciono con el fin de apuntar que el principal tópico de Lavorare con Lentezza es Radio Alice, la primera radio clandestina "mao-dadaísta" de Italia que nació, vivió y murió en la ciudad de Bologna durante los años 70 y que se dedicó a esparcir el evangelio de la emancipación sexual, la lucha contra la explotación obrera (Lavorare con Lentezza, o Trabajen Despacio, era una canción favorita de la emisora que llamaba a resistirse al trabajo) y, no podía faltar, la revolución contra el mundo burgués. La emisora en general representaba los puntos de vista del movimiento autonomista italiano que tuvo gran auge en la izquierda italiana durante los años de la "strategia della tensione". La estación eventualmente fue cerrada por ordenes de los carabinieri luego de una serie de confrontaciones violentas en la Universidad de Bologna que acabaron con un estudiante muerto (evento que es retratado en la película).

Radio Alice, como muchas otras de las expresiones contraculturales de su época, buscaba provocar a los conservadores y llamar a un cambio radical en las relaciones económicas y políticas: las clases obreras, explotadas por tantos años, debían tomar el control del poder. Su gran contradicción radicaba en que la mayoría de los entusiastas colaboradores de la radio eran jóvenes burgueses que, después de recibir la mejor educación que el dinero pudiera comprar, decidieron rebelarse contra la sociedad que los había criado. Y una revolución liderada por pretenciosos burgueses arrepentidos nunca iba a poder funcionar. A las clases trabajadores poco les importaba Dada o Mao o el sexo libre o la música psicodélica. Y es esa falta de conexión entre ambos grupos lo que llevó al fracaso de muchos de estos movimientos contraculturales.

Pero si bien el valor político revolucionario de estas propuestas ha sido mínimo, siempre me ha llamado mucho la atención su carácter artístico-estético-cultural. Radio Alice podrá haber hecho poco o nada para encender los fuegos de la revolución proletaria pero, como se muestra en la película, era un brillante espacio para una creatividad excéntrica y un vanguardismo que no tenían cabida en los medios comerciales. De las radios clandestinas actualmente queda muy poco. El advenimiento de la internet le ha brindado amplias herramientas a las personas para comunicarse con el resto del mundo. Ahora todos podemos tener blogs, colgar videos, producir podcasts e incluso mantener estaciones de radio por internet. En los años 60's o 70's tales facilidades no existían por lo que subvertir el monopolio comunicativo que ostentaban la radio, la televisión y el periódico era todavía más difícil y exhilarante. Lavorare con Lentezza logra capturar las (des)ilusiones de estas aventuras radiofónicas de manera muy amena.

Aún así, la radio no está muerta. En zonas rurales y países en vías de desarrollo a los que la revolución tecnológica no ha llegado con tanto ímpetu, las radios comunitarias siguen siendo una de las más efectivas fuentes de comunicación alternativa de índole social, política y artística. Pero un mayor análisis de ese fenómeno quedará para otro momento.

Por ahora, lléguenle a la atmosférica música de Taho Teardo mientras se leen un libro de Wu Ming y mensajean a los amigos para invitarlos en la noche a ver Lavorare con Lentezza. Por ahí a lo mejor se inspiran y empiezan una radio, eh. Y si saben italiano, o simplemente les interesan este tipo de cosas, por aquí y por acá pueden encontrar más información y audio de Radio Alice, incluidos clips de su primera y ultima transmisión.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Chile

Tony Manero (Pablo Larraín, 2008)

Santiago, 1978. Estamos en plena dictadura de Pinocho y en el apogeo de su represión de disidentes al régimen pero, para Raúl Peralta (Alfredo Castro), un hombre taciturno e intenso de unos cincuenta años, lo más importante no es la política, sino una película. Saturday Night Fever, para ser exactos. Decidido a imitar perfectamente todo los movimientos de Tony Manero, el personaje interpretado por John Travolta en esa película, Raúl visita diariamente el cine local en el que, acompañado con su traje de Tony, recita en voz alta todos los diálogos de la película al mismo tiempo que estudia las rutinas de baile. Esto porque Raúl planea realizar una presentación coreográfica basada en la película en el pequeño escenario del bar-pensión en el que vive Para asegurarse de que tal presentación sea lo más exitosa posible, Raúl no se detendrá ante nada ni aceptara un no como respuesta. Aunque eso implique que tenga que recurrir al homicidio.

Raúl es un personaje inescrupuloso, frío y sin emociones que aún así pareciera tener un magnetismo que lo hace atractivo ante la gente. O por lo menos ese es el caso con las tres mujeres con las que vive quienes lo desean (inexplicablemente). sexualmente. lnescrupuloso pero atractivo? Suena familiar? Suena a típico dictador, suena a Pinocho. Raúl es el prototipo de hombre fuerte que nace en un ambiente de represión y autoritarismo. Individualista (él TIENE que ser el mejor imitador de Tony Manero), impune (comete sus asesinatos sin que nadie lo culpe de ellos), opuesto al cambio (rompe en furia cuando el cine deja de presentar Saturday Night Fever), obsesionado con las influencias externas (creo que ya quedó claro que el tipo es un imitador de Tony Manero) e incapaz de mantener relaciones afectivas (se muestra indiferente ante las mujeres que se sienten atraídas por él).

Y el resto de personajes? En realidad, no son muy diferentes. Obviando el comportamiento destructivo de Raúl, los demás miembros de la casa se sienten atraídos ante su virilidad (aunque irónicamente al tipo ni se le para) y combatividad. Y cuando no están tratando de llevarse a la cama a Raúl, prefieren ver shows de variedades en la televisión y montar coreografías de películas estadounidenses antes que actuar en contra del régimen (con la excepción de uno de los personajes, al cual Raúl casi que literalmente le caga encima). Visualmente, la película está filmada con cámara handheld y una iluminación oscura que le da un toque de claustrofobia muy apropiado. El mensaje es claro. Una sociedad que prefiere mirar al otro lado en vez de denunciar la impunidad es terreno fértil para la aparición de un ser humano inmoral.

Esta es la segunda película de Larraín. Anteriormente había debutado en el 2006 con Fuga.

La Sagrada Familia (Sebastián Campos, 2004)

Es Viernes Santo en una casa de playa en la costa chilena. Marco (Néstor Cantillana) y sus padres esperan la llegada de la novia de este, una estudiante de actuación llamada Sofía (Patricia López), quien pasará el fin de semana con ellos. Pero poco después del arribo de Sofía, la madre de Marco debe irse de emergencia a Santiago por lo que nada más quedan Sofía y los dos hombres, hijo y padre. Este ultimo empezará a sentir una atracción cada vez mayor por Sofía al mismo tiempo que Marco comienza a sentirse disgustado con el comportamiento provocativo de su novia por lo que busca la compañía de sus vecinos: la solitaria y callada Rita (Macarena Teke, mi futura esposa) y Aldo (Mauricio Diocares) y Pedro (Juan Pablo Miranda), una pareja gay en crisis.

Esta es probablemente la película chilena que me gustó más (sin que por eso sea la mejor, claro). Poco puedo hacer para resistirme ante este tipo de dramas medio romanticones que involucran a familias aburguesadas, locaciones atmosféricas y chicas sutilmente atractivas (ya mencioné a Macarena Teke?). Fuera de esos fetiches personales, el punto fuerte de la película es su naturalismo. Filmada en cámara digital y con la mayoría de diálogos improvisados, el filme tiene un carácter documentalesco muy marcado. Esto me parece bienvenido en este tipo de dramas familiares. Con eso no me refiero a que sea necesario que parezcan documentales pero si que tengan un naturalismo que nos permita pensar que estas personas puedan existir en vez de ser simplemente creaciones de un guionista.

Por ahí el punto débil de la película es que trata de incluir demasiados temas taboo en un solo paquete. El nombre de la película y el hecho de que sus acciones transcurran en un fin de Semana Santa evidentemente apuntan a criticar la doble moral en una sociedad que se dice públicamente religiosa pero que en el ámbito privado se comporta lejos del ideal católico. Pero el subplot de la pareja gay honestamente no va a ningún lado y pareciera ser incluido solo para molestar a los conservadores. Y bueno, hay un momento de la película en el que Marco se le viene en la cara a su novia. Pero eso ya es otro asunto.

Esta es la opera prima de Campos. Su segunda película, Navidad, fue estrenada este año.

En la cama (Matías Bize, 2005)

Daniela (Blanca Lewin) y Bruno (Gonzalo Valenzuela) hacen el amor apasionadamente en una habitación de motel apenas horas después de conocerse en una fiesta. Confrontados con tener que pasar todo el resto de la noche juntos, deciden empezar a hablar para conocerse un poco mejor. Para cuando amanezca y sea la hora de partir caminos, ambos habrán llegado a un clímax, no solo físico, sino también emocional.

En La Cama es un interesante experimento minimalista que bien podría funcionar de mejor manera como una obra de teatro (la trama de la película literalmente ocurre en una cama). Esto porque cinematográficamente no es muy interesante, el centro de atención son el guión y los actores. Más bien las pocas escenas en que el director trata de hacer algo “creativo” (como el uso de una split-screen) se sienten fuera de lugar. Los actores son adecuados, no tienen un exceso de carisma ni magnetismo pero son lo suficiente interesantes y realistas. El guión, lo principal, tiene altos y bajos. Las partes más emocionales suelen lograr su cometido, pero cuando los personajes hablan de banalidades para pasar el tiempo, pues uno desearía pasar el tiempo en otro lado. Al final, la película nos parece decir que no hay sexo sin amor. Lo uno es el complemente de lo otro. Y el sexo por puro placer carnal? Poco más que masturbación en pareja.

Esta es la segunda película de Bize. La primera, filmada en una sola toma ininterrumpida, fue "Sábado, una película en tiempo real"(2003). Su más reciente filme, ambientado en Barcelona, es Lo Bueno de Llorar.

Mi Mejor Enemigo (Alex Bowen, 2005)

Diciembre de 1978. Chile y Argentina están a días de comenzar un enfrentamiento armado por la disputa de la soberanía sobre un grupo de islas patagónicas. En el sur del país y cerca de la frontera con Argentina, una patrulla encargada con la misión de servir de avanzada para el ejército chileno rompe accidentalmente su brújula y se pierde en la inmensa monotonía de la Pampa. Sin saber si se encuentran en Chile o Argentina, deciden cavar una trinchera en espera de refuerzos. Pero, para su sorpresa, pronto encontrarán que una patrulla argentina se ha instalado a tan solo unos metros de donde se encuentran. Ambas patrullas, perdidas y sin saber exactamente cual es el estado bélico entre sus respectivos países, deberán escoger entre la cooperación o la hostilidad en medio de la soledad patagónica.

Para ser franco, las películas de guerra ya me tienen hasta el cuello. Y eso lo digo sabiendo que una de ellas, La Delgada Línea Roja, es (dependiendo al día) mi película favorita de todos los tiempos. Pero muchas películas de guerra se contentan con ponerte unas cuantas escenas épicas, muchas lagrimas, una decena de caras anónimas con casco con las que uno debería identificarse, un par de litros de sangre y empalagarte con el mensaje de que la guerra es fútil y estúpida. Y esta película nos dice lo mismo. La guerra es fútil y tonta porque en realidad todos somos hermanos. Nada nuevo. Claro, que en esta ocasión en realidad no hubo guerra. El conflicto chileno-argentino nunca estalló y ese es el punto curioso de este filme, ya que esa guerra-que-no-fue es un hecho que ha pasado desapercibido en los anales de la historia. Pero hasta ahí. llega lo interesante Si les gustan las películas pacifistas de guerra, no es mala opción. Está bien hecha, de eso no hay duda. Pero si ya están aburridos de ellas como yo, esta no aporta nada especial que no se haya visto antes.

Hasta el momento, esta es la única película de Bowen.

Paréntesis (Francisca Schweitzer y Pablo Solís, 2005)

Camilo (Francisco Perez-Bannen) tiene 28 años, sufre de insomnio, toma un coctel de pastillas cada mañana y trabaja por las noches en un negocio de video. Cansada de su actitud irresponsable e impredecible, su novia Pola (Sigrid Alegría) decide pedirle una semana de distanciamiento mutuo (el paréntesis del titulo) para reflexionar acerca de la dirección hacia la que va su relación. Camilo acepta deprimido resignándose a la idea de que ya perdió a la Pola. Pero durante esa semana, Camilo conoce a Mikela (Carolina Castro), una excéntrica adolecente de 16 años que le enseñará (sin darse cuenta) a vivir una vida más armoniosa, saludable y normal en cuanto a patrones de dormir se refiere.

Paréntesis se siente como una película realizada por estudiantes de cine recién graduados. Filmada en cámara digital y con poco presupuesto, Schweitzer y Solis condensan aquí todas sus influencias cinematográficas y todos los trucos que aprendieron en la universidad. Tanto así que da la sensación de que agotaron todas las herramientas del programa de software que utilizaron para editar la película. Pero no está mal, eh. La película se ve barata. Y la constante referencia a personajes del cine estadounidense ya perdió su gracia hace unos años (hay un personaje principal que es una obvia versión chilena de Silent Bob, por ejemplo). Pero es una película bonita con personajes excéntricos y entrañables (muy al estilo del cine indie gringo) pero que también explora, aunque no a mucha profundidad, el lado oscuro de esa excentricidad: los desordenes mentales (Mikela es esquizofrenica).

Este es el único largometraje realizado por ambos directores.

Play (Alicia Scherson, 2005)

Cristina (Viviana Herrera) es una enfermera indígena proveniente de las zonas rurales que cuida en un espacioso apartamento santiagueño a un moribundo anciano de descendencia húngara. Tristán (Andrew Ulloa) es un joven y exitoso arquitecto judío que acaba de ser abandonado por su esposa. A pesar de tener orígenes tan dispares, los caminos de ambos personajes se entrecruzarán cuando Cristina encuentra en la basura el maletín de Tristán y, con la información de él que encuentra ahí, decide empezar a seguirlo/espiarlo para averiguar más de este hombre tan diferente a ella.

De esta película no entendí nada. En serio, nada. Bueno, la película sí la entendí. Lo que no entiendo es el buen recibimiento que obtuvo (fue la película chilena más aclamada de su año) ¿Aparentemente la gente conectó con estos personajes? A mi me parecieron lo más aburridos del mundo. Imposible que me importara un comino lo que les pasara. A la esposa de Tristán (que supuestamente era la esposa perfecta y lo había dejado por ser un desinteresado) se le congelaba la sangre de lo fría que era. Tristán mismo era una hoja en blanco. Cierto, estaba sufriendo porque su esposa lo había dejado y su vida no iba a ningún lado. Pero no había mayor profundidad emocional, y la tibia actuación de Ulloa no ayuda en nada. Y Cristina, nuestra heroína, pues a la chica le gustaba Santiago. Y caminar. Y jugar Street Fighter. Y se sentía un poco sola entonces empezó a seguir a Tristán. Na’ más.

La película si le hace honor a su nombre, es juguetona. Algunas escenas tienen toques creativos (los tres personajes persiguiéndose sin darse cuenta, Cristina agarrando a golpes a una mujer como si fuera una pelea de Street Fighter). Y el filme nos deja con el mensaje perdurable de que los encuentros y separaciones de la vida son simplemente resultado de un juego de azar en el que un día nos podemos encontrar solo para nunca vernos más. Pero hasta ahí llega lo positivo que pude encontrar. A mucha gente le gustó, eso es claro, pero en lo que a mí me concierne, fue una perdida de tiempo.

Esta es la primera película de Scherson. Su segunda película, Turistas, fue estrenada recientemente.

-------------------------------------------------------------------------------------------------
Próxima estación: el altiplano boliviano. Pero antes, una breve escala en Paraguay.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Andrés Wood (Chile)

Hace unos días debería haber publicado una entrada relacionada con varias películas uruguayas que tuve la oportunidad de ver. Pero, a pesar de que ya la tenía terminada y lista para publicar, mi computadora murió súbitamente (aunque no el disco duro). Apenas pueda recuperar el artículo, lo subo. Pero mientras tanto, seguimos el recorrido cruzando los Andes hasta llegar a Chile.

Andrés Wood, nacido en 1965 y de descendencia irlandesa y escocesa, es probablemente el director más aclamado del cine chileno contemporáneo. A pesar de que siempre había sido aficionado del cine, sus estudios universitarios se orientaron inicialmente por el lado de la Economía. Pero una vez graduado, la afición pudo más y se trasladó a Nueva York para estudiar dirección de fotografía. A inicios de los 90 comenzó a trabajar en la realización de anuncios para la televisión al mismo tiempo que trabajaba en la creación de sus propios cortometrajes. Uno de ellos, Reunión de Familia, tendría gran suceso en festivales tanto en Chile como en el resto del mundo lo cual le daría el impulso a Wood para filmar su primera película.Historias de Fútbol (1997) está compuesta por tres segmentos, cada uno relacionado con el deporte más popular del mundo: el fútbol. La primera historia está basada en un cuento de Mario Benedetti y narra las tentaciones que hacen a un jugador de fútbol amateur de Santiago sucumbir ante los intentos de un dirigente por sobornarlo. La segunda historia, basada en un cuento de Raúl Pérez Torres y situada en pleno desierto de Calama, nos cuenta la alegría de un niño que logra hacerse dueño de una nueva bola de fútbol al mismo tiempo que debe enfrentar las carencias económicas que llevan a su madre a empeñar muchas de sus pertenencias. Y en la ultima historia, la única que es completamente original de Wood y sus co-guionistas, nos encontramos con un joven santiagueño que se encuentra varado en una isla del Archipiélago de Chiloé justo el mismo día que la selección chilena juega un importante partido eliminatorio para el Mundial. Por lo tanto, será invitado a la casa de un par de mujeres de la isla para que vea el partido, mujeres que están dispuestas en probar que la verdadera pasión de multitudes se encuentra en la cama en vez del campo de juego.

Los tres segmentos de la película están emparentados con el fútbol, por supuesto, pero primordialmente con el sacrificio que los diferentes personajes realizan por este juego. En la primera historia, el jugador de fútbol debe escoger entre aceptar el soborno y así sacrificar el espíritu del deporte y las esperanzas que tiene toda su comunidad en él o, por otro lado, anteponer su amor por el fútbol y negarse a recibir la recompensa monetaria. En la segunda historia, el niño debe tomar la decisión de empeñar su preciada bola de fútbol con tal de que su familia pueda seguir adelante económicamente, sacrificando de esta manera el juego ante necesidades más apremiantes. Y en la tercera historia, que tiene un tono más cómico y juguetón que las otras dos, son los hombres los que deben elegir cual “pasión de multitudes” es más importante: el fútbol o el sexo.

Historias de Futbol es un filme light, las historias no son más que adaptaciones de pequeños cuentos y eso se nota. Mayor profundidad no tienen. Pero Wood lo que quería era mostrar como el fútbol (o el deporte en general) siempre está presente en diferentes aspectos de nuestras vidas. Y al situar cada segmento en lugares diferentes de la geografía chilena, la película resalta el poder del fútbol para unir a una nación. Ya sea en un barrio de Santiago, en el desierto de Calama o en una isla en Chiloé, siempre se podrá encontrar esa obsesión por el llamado “juego más bello del mundo”.

Historia de Fútbol llegaría a tener gran aceptación por parte del público y la critica. Wood decidió seguirlo con El Desquite, una mini-serie para la Televisión Nacional de Chile basada en un trabajo del cantautor Roberto Parra acerca de la vida en los latifundios chilenos. Después de su emisión en televisión, Wood editó el documental y lo lanzó en 1999 a las salas de cine en una versión reducida de dos horas. Esta película es prácticamente imposible de encontrar en Internet y, aunque puse a trabajar horas extras al Google, no la pude encontrar. Por lo que pasamos ahora a la que en realidad es su segundo largometraje propiamente para el cine.

La Fiebre del Loco (2001) se centra en la caza del loco (un tipo de crustáceo marítimo en peligros de extinción muy degustado por los asiáticos) y los efectos que esta tiene en la pequeña localidad de Puerto Gala. El Canuto (Emilio Bardi), un oriundo de la zona que se fue a las ciudades a conseguir mejor suerte, logra convencer a su amigo Jorge (Luis Dobó) y a todo el pueblo de que vendan todo el “loco” que logren cazar a un empresario japonés que se asegurará de venderlo en su país natal. Por supuesto, el empresario japonés es un farsante y El Canuto simplemente está tratando de acumular una fortuna timando a todos los pescadores de su pueblo natal, incluido su supuesto amigo Jorge. Al mismo tiempo, un barco de prostitutas ancla en Puerto Gala con la intención de aprovechar la fuerte mezcla de deseo carnal y dinero que envuelve a los pobladores durante la caza del loco.

Más allá de que la película tenga sus personajes principales que son los encargados de realizar los eventos catalizadores de la trama, La Fiebre del Loco se enfoca más que todo en la comunidad entera de Puerto Gala y los efectos que la avaricia causada por la caza del loco tiene sobre ellos. Por supuesto, está el hombre capaz de engañar a su propio pueblo con tal de hacer dinero. Pero también están los demás hombres del pueblo quienes alegremente celebran su cacería acostándose con prostitutas sin siquiera tratar de escondérselo a sus esposas. Y estas últimas, las cuales al final de la película confrontan violentamente a las prostitutas, parecen estar más enojadas por el dineral que gastaron sus maridos en ellas más que por el hecho de que estos les hayan sido infieles. La avaricia lleva a estos personajes a herir a sus seres queridos. Los hombres hieren a sus esposas. Las esposas a las prostitutas. Y el Canuto a toda su comunidad. Todo por el dinero. Todo por la fiebre del Loco.

La Fiebre del Loco probablemente es mi película preferida de Wood. Aunque su trama principal no sea nada del otro mundo ni tenga el peso dramático de Machuca, su construcción de una comunidad pesquera en un lugar olvidado de Chile es memorable, llena de personajes idiosincráticos y de pequeños toques, como el programa de radio que se transmite cada noche en el pueblo, que le dan gran vitalidad a la película. Ya quisiera uno quedarse en Puerto Gala por más tiempo.

La tercera y más exitosa película de Wood es Machuca. Lanzada en el 2004 pero ambientada en el Chile de 1973, el filme se enfoca en los convulsos últimos meses del gobierno de Allende y los inicios del golpe de Estado de Augusto Pinochet. Gonzalo (Matías Quer) es un chico de clase media-alta que asiste a Saint Patrick, un exclusivo colegio católico de Santiago. El director de este colegio, el Padre McEnroe, decide adoptar una política de integración social que consiste en integrar gratuitamente a niños de clase baja provenientes de las poblaciones cercanas al colegio. Uno de estos niños es Pedro Machuca (Ariel Mateluna) quien desarrolla una amistad con Gonzalo, amistad que se verá amenazada conforme la sociedad chilena se va polarizando cada vez más y más.

Machuca es políticamente simplista, la película se reduce a presentar todo el conflicto chileno como si fuera solo una disputa entre ricos y pobres, con los ricos vestidos con ropas a la moda y siendo infieles con sus maridos y los pobres viviendo entre latas y sin siquiera agua potable. La misma película no busca tomar posiciones políticas muy fuertes pero aún así queda claro de que Wood (quien, al igual que el personaje de Gonzalo, estuvo en un colegio católico muy parecido al retratado en la película) tiene una visión negativa de los golpistas y de un sector de las clases altas a las que considera egoístas e insensibles con el sufrimiento de los menos afortunados. Pero esto no significa que el filme sea un panfleto izquierdista pro-Allende. Los héroes de la película no son los simpatizantes de uno u otro movimiento político, sino que son aquellos individuos, como el Padre McEnroe (basado en el director del colegio católico al que asistió Wood en su juventud), que buscaban la unión y la solidaridad entre todos los chilenos, sin importar su origen o condición socioeconómica.

Más allá del mensaje sociopolítico que nos quiera transmitir o no esta película, su éxito radica en lo humana y poderosa que es su trama principal. Abstrayéndose lo más que pueden del oscuro panorama político que se avecinaba, Gonzalo y Machuca buscan divertirse como los chicos que son, incluso experimentando los inicios de su despertar sexual. Pero esta amistad idílica y apolítica mucho no podría durar. Pronto incluso Gonzalo y Machuca se verían afectados por las fuerzas que llevaron a la partición de una sociedad, a la victoria de unos y a la derrota de otros. Fuerzas que provocaron heridas que perduran en la sociedad chilena, cicatrices que no han sanado.

Su ultima película, y probablemente la más ambiciosa, es La Buena Vida del 2008. Basada en historias verdaderas, la película relata eventos en la vida de cuatro personas que parecieran no tener nada que ver la una con la otra pero que inevitablemente se encontrarán en algún punto de la gran metrópolis santiagueña. Seguimos a Teresa (Aline Kuppenheim), una educadora sexual que sorpresivamente se da cuenta de que su hija quinceañera (Manuela Martelli) , con la que tiene una relación difícil, se encuentra embarazada. También tenemos a Edmundo (Roberto Farías), un cosmetólogo que sueña con abrir su propio salón de belleza por lo que solicita un préstamo al banco y ahí se enamora de Esmeralda (Manuela Oyarzún), la empleada bancaria que lo atiende. Mario (Eduardo Paxeco), por su parte, es un clarinetista talentoso y educado en Alemania pero que ve como su deseo de pertenecer a la Orquesta Filarmónica de Chile se desvanece en el aire al ser inexplicablemente rechazado después de realizar su audición. Y, por ultimo, está la historia de una prostituta (Paula Sotelo) afectada por algún tipo de enfermedad venérea pero que no puede recibir tratamiento ya que no tiene con quien dejar a su hijo pequeño.

Generalmente le tengo una gran desconfianza a las películas “corales”. Muchas veces el exceso de personajes, la gran cantidad de mini-tramas y la dependencia en convenientes coincidencia para que estas tengan sentido hacen que estas películas traten de hablar mucho pero sin decir nada. La Buena Vida, lamentablemente, no es la excepción. Todas las cuatro historias se sienten incompletas y no hay mayor hilo que las una. Cierto, todas tienen que ver con personajes que han experimentado algún tipo de perdida y que buscan cambios en su vida. También tienen en común que se sitúan en la ciudad de Santiago. Pero nada más. No se profundiza en las motivaciones y vicisitudes de estos personajes (los cuales, con la posible excepción de Edmundo, no son particularmente simpáticos ni interesantes), las historias no presentan nada nuevo y, lo más devastador en una película como esta, ninguna tiene algún “punch” emocional ya que no hay incentivo para involucrarse emocionalmente.

El personaje de la prostituta enferma es el más grande ejemplo de todos estos problemas. Ella pareciera representar a la parte de Santiago que es olvidada, por la que nada se hace, aquellos para los que los imponentes rascacielos de la ciudad son poco más que una imagen lejana que ven por su ventana. Pero hasta ahí llega la caracterización. El personaje no es más que un símbolo. No sabemos nada de ella. Aparece en un par de escenas y ya. Y se supone que tenemos que sentir algo ante su inevitable destino?

La Buena Vida sufre debido a que sus historias individuales no son lo suficientemente interesantes y dependen demasiado de las coincidencias y los encuentros aleatorios entre personajes para provocar un efecto emocional, como todas las películas corales. Pero, en este caso, no hay ningún efecto emocional. La película parece limitarse a decir “en Santiago viven toda clase de personas y todos están interconectados”. También dicen que existe el agua tibia, eh.

Andrés Wood se podría decir que es uno de esos directores que traen lo mejor de dos mundos: sus películas son lo suficientemente entretenidas y emocionales como para ser disfrutadas por el público en general pero son lo suficientemente estimulantes intelectualmente como para apaciguar a los snobs (como yo). Pero esa habilidad para entretener, emocionar y poner a pensar pareciera estar disminuyendo para pasar a una sensibilidad no tanto Hollywood-esca sino que más bien Miramax-esca, por definirlo de algún modo. Con esto me refiero a que pareciera compartir algunos atributos (como lo son el sobre-uso de música dramática, exceso de histrionismo; en fin, abuso de efectismos cinematográficos) con esas típicas películas que llegan a nuestros cines a fines e inicios de año con la expresa intención de lograr premios Oscar.

Algunas de esas tendencias ya se encuentran en Machuca (como ejemplo: ver la escena de la represión en la población en que vive Machuca casi al final de la película) pero ahí el hilo dramático era lo suficientemente fuerte como para sobreponerse. En su ultima película el hilo dramático es inexistente y tanto personaje y recurso técnico lo que pareciera buscar más bien es esconder la mediocridad inherente al guión. Aunque valga la aclaración La Buena Vida fue aclamada por muchos y ganó premios importantes, incluido el Goya a Mejor Película Extranjera. Seguro estoy en la minoría. Pero, por mi parte, espero que Wood se recupere de ese traspié y continué haciendo películas tan conmovedoras, interesantes y únicas como sus tres primeras.

Imaginadores

Argentina, sin duda, es para Latinoámerica la vanguardia en lo que a producción de cómics se refiere por lo que se tenía merecido un documental que empezara el trabajo de recopilar visualmente su larga historia. Ese documental, dirigido por Daniela Fiore y lanzado el año pasado, es Imaginadores. Para aquellos interesados en el cómic (venga de donde venga) es imperdible ya que incluye entrevistas con algunos de los mejores guionistas y dibujantes que le ha dado la Argentina al mundo. Además tiene un diseño visual muy atractivo, lleno de animaciones, colores, cuadros y dibujos.

El aspecto negativo del documental es que se siente incompleto ya que no toma en cuenta ninguna historieta creada antes de 1940 y le pone mucha atención (merecidamente) a la llamada "edad de oro" del cómic argentino pero le dedica muy poco al estado de la industria en las ultimas dos décadas. Aún así, es un documental atractivo e informativo recomendado para todos aquellos que pensaban que solo en Estados Unidos o Europa se creaban cómics de calidad.

Aquí pueden encontrar los links para descargar la película (gracias al muy buen blog Café y Cigarillos).

Continuando con la importancia del cómic argentino en el contexto mundial, el caricaturista colombiano-costarricense Oki (Oscar Sierra Quintero) escribió un interesante artículo para el suplemento Ancora de La Nación que habla acerca de las contribuciones de este país sudamericano al cómic europeo. Lo pueden leer aquí.

Para seguir en Costa Rica, el Sistema Nacional de Bibliotecas (o Sinabi) subió a su página de internet algunos trabajos de 14 caricaturistas costarricenses de fines del siglo 19 e inicios del siglo 20. Todo un tesoro que demuestra que aquí mismo en Costa Rica la historieta siempre estuvo presente. Los pueden encontrar acá.

Por ultimo, un poco de historia acerca de la caricatura costarricense. Del ya mencionado Oki, tenemos dos artículos diferentes: uno habla de la lenta evolución de la historieta en nuestro país mientras que el otro trata la situación actual del cómic nacional (actual = 2003). Y de Ana Cecilia Sánchez, autora de la Historia del Humor Gráfico en Costa Rica (libro que no he podido conseguir), tenemos parte de su libro Caricatura y Prensa Nacional en Google Books. Como es usual, no se pueden leer todas las páginas. Pero como no creo que sea muy fácil de conseguir, permite por lo menos echarle una ojeada y disfrutar de las múltiples ilustraciones y caricaturas que contiene.

Interrumpimos Nuestra Programación Habitual...

...para celebrar al Pincha campeón de América.

A pesar de no ser argentino, a Estudiantes lo sigo desde aquel Apertura 2006 en el que vinieron desde atrás para ganar un título que ya muchos le daban a Boca. Usualmente cuando veo alguna liga extranjera, me atrae más apoyar a los equipos subestimados. Ese Apertura fue el primer torneo argentino al que le puse atención de principio a fin y resultó que Estudiantes fue el equipo subestimado ante el poderío tradicional de Boca Juniors.

A partir de ese diciembre en que Estudiantes ganó la final en cancha de Vélez, le he puesto atención a las actuaciones del Pincha en todas las competencias que ha disputado, he visto todos los partidos que han transmitido por aquí y he leído bastante de la historia del club. El año pasado ví con desazón como se escapó la Sudamericana en Porto Alegre, a pesar de un valiente esfuerzo del equipo al llevar el partido al alargue.

Ayer, estaba que temblada de los nervios y la emoción durante los ultimos minutos del partido. Pero finalmente se dió, Estudiantes silenció las 60.000 almas que colmaron el Mineirao y volvió a ser campeón de todo un continente, repitiendo esas hazañas coperas de las que tanto he leído en los últimos años. A pura garra, huevos y talento, y de la mano de un líder envidiable como lo es Verón, Estudiantes vuelve a las primeras planas del fútbol mundial. Al lugar que le pertenece.

Salud Campeón!

P.D.: Uno de los mejores jugadores de la historia del fútbol costarricense, José Rafael "Fello" Meza, tuvo un breve paso por Estudiantes en la decáda de los 40's. Aquí pueden encontrar un pequeño repaso (con algunas citas de la prensa argentina de la época) escrito por Rodrigo Calvo de La Nación acerca del tiempo que estuvo Fello en el campeón de América.

Nuevos Cineastas Latinoamericanos: Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll (Uruguay)

Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll nacieron en Montevideo en 1974. Se conocieron en la Universidad Católica de esa ciudad mientras estudiaban Comunicaciones, ahí empezaron a colaborar en cortometrajes. Luego de graduarse, pasarían a trabajar en publicidad y televisión, co-escribiendo y dirigiendo una serie animada titulada “El Service” y dos aclamados cortos: “Buenos y Santos” y “Victor y los Elegidos”. Al mismo tiempo, empezaron a trabajar en lo que vendría a ser su primera película.

25 Watts (2001), filmada en blanco y negro de 16 mm con un presupuesto de 200.000 dólares, retrata un día en la vida de tres jóvenes montevideanos: Leche (Daniel Hendler), un aparente bueno-para-nada quién está enamorado de su tutora de italiano, Javi (Jorge Temponi), quien tiene un trabajo conduciendo un carro cuyo altavoz anuncia las delicias de una marca de pasta y Seba (Alfonso Tort), un chico en plena (y retardada) maduración sexual que nunca ha visto una porno en su vida. A lo largo del día se encuentran con un sinnúmero de personajes, que van desde el vecino “especial” de Leche quien busca a su perro perdido por todo el vecindario hasta un frenético vendedor de droga conocido del hermano de Seba pasando por un repartidor de pizzas esquizofrénico y un chico que dice ser capaz de romper el record mundial de series con su bola de futbol.

La película es divertida y entretenida, con un estilo de comedia muy parecido al de las películas independientes americanas de finales de los 80’s e inicios de los 90’s. Directores como Richard Linklater, Kevin Smith y especialmente Jim Jarmusch (quién es mencionado en los créditos) aparecen como influencias, tanto en la manera de contar la historia como en el aspecto visual. Lo más aplaudible de la película es la naturalidad de sus actuaciones pero también lo bien estructurado de su guion. Algunas películas como estas dependen mucho del carisma de sus actores para tapar las carencias de un guión que no va a ninguna parte. Aquí Stoll y Rebella llevan a sus personajes a ninguna parte pero con un guión lleno de sutiles detalles comédicos (la película es dedicada a las abuelas de cada uno pero el personaje de la abuela pareciera estar en un permanente estado catatónico), ingeniosos hechos recurrentes (como la visión del perro en un coche de supermercado) y personajes secundarios que con sus breves apariciones dejan una gran impresión (como el patrón de Javi).

Por supuesto, 25 Watts es más que una simple comedia de chicos en el barrio. Al igual que los directores de la escena indie americana noventera, lo que Stoll y Rebella quieren reflejar es el vacío existencial de estos jóvenes, de ellos mismos y de la juventud uruguaya en general. No saben adonde ir ni adonde pertenecen ni cuales son las expectativas que se tiene de ellos ni cual es el futuro que un país como Uruguay les puede dar. Una anécdota contada repetidamente a lo largo del filme, que dice que el único uruguayo en el libro de records Guinness es un hombre que aplaudió sin parar por cinco días, representa este sentimiento de desencanto con una sociedad mediocre y conformista a la que no quieren pertenecer pero de la que tampoco parecieran poder escapar.

25 Watts obtuvo varios reconocimientos en festivales y se presentó en muchos de ellos pero fue con Whisky (2004) que Rebella y Stoll pondrían firmemente a Uruguay en el mapa cinematográfico mundial. El filme cuenta la historia de Jacobo Koller (Andrés Pazos), un solitario judío dueño de una pequeña fabrica de medias en un sector dilapidado de Montevideo, y de Marta (Mirella Pascual), la atenta y fiel supervisora de la fabrica. Ante la inminente visita de su hermano Herman (Jorge Bolani) quien viene desde Brasil para una ceremonia en honor de su difunta madre, Jacobo le pide a Marta que pretenda ser su esposa por unos días. Herman es un exitoso hombre de negocios, cuya fábrica de medias exporta a todo el Cono Sur, además de que se encuentra felizmente casado con dos hijas ya adultas. Jacobo es todo lo contrario a esto por lo que en un intento desesperado por no mostrarse tan patético ante su hermano, busca en Marta el papel de esposa temporal.

Si 25 Watts se inspiró en gente como Jarmusch, Whisky se inspira en directores como Aki Kaurismaki. Al igual que las películas del gran director finés, Whisky es un filme triste y, si no fuera por las constantes sonrisas que nos saca, se podría decir que es francamente deprimente. Jacobo bien podría ser una versión envejecida de alguno de los personajes de 25 Watts; viejo, solitario, antisocial, envidioso, en guerra con el mundo. Los mejores y más melancólicos momentos de la película ocurren en su segunda mitad cuando los tres viajan a Piriapolis, un balneario uruguayo que evidentemente ha vivido mejores épocas en el que los dos hermanos y Marta parecen querer recuperar un poco de su espíritu de juventud. El final, apropiadamente, es agridulce. Whisky nos habla de la soledad y de la tristeza de una manera sutil y económica en la que, para usar una frase cliché, un solo gesto de sus personajes dice más que mil palabras.

Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella, con solo dos películas, estaban dejando claro que su destino era convertirse en unos de los mejores y más aclamados cineastas contemporáneos de Latinoamérica. Sus películas presentaban una visión divertida, crítica y melancólica de la vida en un país pequeño como Uruguay y, aunque sus influencias eran evidentes, lograban mostrar una voz particular que los diferenciaba del resto.

Lamentablemente, ese futuro de premios y aclamación no pudo concretarse. El 5 de julio del 2006, Rebella fue encontrado muerto de un disparo en la cabeza en su apartamento en Montevideo. Tenía una pistola a su lado y aparentemente, antes de suicidarse, había consumido media botella de whisky. Apenas tenía 32 años. Una gran pérdida para el cine uruguayo y latinoamericano.


Al momento de su muerte, Rebella y Stoll se encontraban trabajando en el guión de lo que sería su tercera película juntos. Stoll ahora se dedica a dirigir anuncios publicitarios.